Les Artistes Chinois en France 住在法国的中国艺术家

 

Artistes chinois France/Art News

YAN PEI-MING
Au nom du Père, de Yan Pei-Ming
Une exposition inédite consacrée à la vie et l’œuvre de Yan Pei-Ming est prévue au Musée Unterlinden à Colmar, du 2 Avril au 6 Septembre 2021. Cette exposition intitulée « Yan Pei-Ming – Au nom du père », rassemble quatre décennies de la carrière du peintre. Elle comprend plus de 50 tableaux majeurs et une douzaine de dessins et aquarelles. En écho au célèbre Retable d’Issenheim, chef-d’œuvre de ses collections, le musée va présenter une lecture inédite de l’œuvre de l’artiste dont l’esprit et le travail coïncident avec les thèmes de la filiation, du sacré et du sacrifice. Le parcours dominé par les portraits et les autoportraits évoque et interroge le rapport de l’artiste avec ses origines, de Mao jusqu’à la figure du père, sans oublier les « paysages internationaux » et ceux de Shanghai.

 

DANHOO
Danhôo : Derrière le brouillard
L’A2Z Art Gallery présente la troisième exposition personnelle de Danhôo dans sa galerie à Paris, « Derrière le brouillard », du 6 au 27 Mars 2021. « Au lendemain d’un évènement ayant touché sa vie personnelle, Danhôo a trouvé un écho vers l’art thérapeutique. Avec une vision projetée d’abnégation, de recherche d’exemplarité et d’un combat presque devenus quotidiens, Danhôo se raccroche à ses racines chinoises pour sortir du brouillard dans lequel il était immergé. Comme autant de repères et de points d'attache à sa pratique et à son mental, les idéogrammes s'enchevêtrent les uns avec les autres au sein d'une projection explosive qui se métamorphose peu à peu vers un chaos ordonné »

ZHU QI
Etrangement beau

La Galerie Paris-Pékin présente, pour la première fois, l'œuvre du sculpteur et céramiste chinois Zhuo Qi dans l’Espace de projet PB, jusq'au 13 Mars 2021. Zhuo Qi est né à Fuxin, en Chine, en 1985. Il vit et travaille en France depuis 2008. Au cours des trois derniers mois de 2020, l’artiste Zhu Qi était en résidence à la Fondation Martell à Cognac. Celle-ci lui a offert l’opportunité d'avoir un accès illimité à un atelier de soufflage de verre ; c'est ainsi qu'il a pu développer sa dernière série d'œuvres, Bubble-Game, qui combine d'anciennes sculptures chinoises avec des techniques de soufflage du verre.

 

 

 

 

 

 


Artistes chinois

YANG MIAN
Première exposition dans un musée pour Yang Mian

Yang Mian a actuellement une importante exposition personnelle au A4 Art Museum de Chengdu, en Chine, intitulée “2.6 Million Dots and Western Art History”, du 19 décembre 2020 au 7 mars 2021. L'artiste utilise le C.M.Y.K. (Cyan, Magenta, Jaune, noir) pour (ré) interpréter les images d'œuvres picturales créées - de la pré-Renaissance au Pop Art -. "Utilisées en quadrichromie, ces couleurs peintes sur la toile sont enfermées dans des formes rondes parfaites, volontairement placées les unes à côté des autres par le peintre". Yang Mian a eu une exposition à A2Z Art Gallery Paris en 2020. Une vidéo du spectacle a été publiée sur la chaîne youtube

https://www.youtube.com/watch?v=SzYBk0Ns6yM&feature=share

LU CHAO
«Black Fruit», nouvelles œuvres de Lu Chao, exposées à la galerie Nathalie Obadia
Du 14 janvier au 6 mars 2021, la Galerie Nathalie Obadia à Bruxelles présente une exposition personnelle de l'artiste chinois émergent Lu Chao, intitulée «Black Fruit». Né en 1988, Lu Chao a notamment étudié sous la tutelle du peintre réaliste de renommée internationale Liu Xiaodong. Lu Chao est surtout connu pour ses peintures à l'huile noires de grand format, représentant des foules miniatures de gens dans des décors surréalistes. L'artiste dépeint constamment une foule pour questionner la relation entre l'individu et son environnement, ce qui sous-tend l'insignifiance de l'homme par rapport à l'immensité de notre univers, Dans sa nouvelle Series «Black Fruit», les foules sont représentées dans 16 compositions sous forme de fruits, gâteaux, particules chimiques ou funambules, créant une imagerie fantastique.  https://www.luchao.co.uk/

 

Dans les années d’après guerre, la France a accueilli plusieurs artistes chinois comme Zao Wou-ki, Wu Guanzhong ou Chu Teh-Chun qui deviendront de grands noms de la peinture dans le monde. Aujourd'hui Zao Wou-Ki est reconnu comme une force majeure sur le marché de l'art. En Mai 2019, il réalisait les meilleures ventes aux enchères chez Christie’s et Phillips Hong Kong. Son Triptyque 1987-1988, Hommage à Matisse et Manet, s'est vendu 178 M HKD (22,8 M $), le 25 Mai 2019 chez Christie's.
Après la répression de la place Tiananmen, à Pékin, le 4 Juin 1989, une nouvelle vague d’artistes chinois, actifs dans les mouvements artistiques d'avant-garde, a aussi choisi d’émigrer en France comme Wang Keping, Ma Desheng, Huang Yong Ping, Li Shuang ou Ru Xiao Fan.
L'artiste Yan Pei-Ming est arrivé en France en 1983, et s'est forgé depuis une réputation internationale. En 2018/2019, il se situait à la 217ème place du classement Artprice des 500 premiers artistes contemporains dans le monde avec des revenus cumulés de ventes de 794,308 $. Huang Yong Ping, découvert lors de la célèbre exposition « Les Magiciens de la Terre » au Centre Pompidou à Paris en 1989, s’est surtout fait connaître en France avec ses mues. Son œuvre ‘Theater of the World" (1993) était présentée dans l’exposition “Art and China after 1989: Theater of the World “ au Guggenheim Museum de New York, en 2017. Le sculpteur Wang Keping se situait  à la 291ème place du classement Artprice avec des ventes cumulées de 505,135 $ en 2017-2018 et à la 412ème place avec des ventes cumulées de 336,901 $ en 2018-2019. Le peintre Yang Jiechang se situait au 275ème rang/500 et l'artiste plasticien Wang Du au 487ème rang du classement Artprice 2013-2014.  

La cote internationale des artistes contemporains chinois, Février 2021

 

Biographie, Oeuvres, Expositions, Evènements

Chu Teh-Chun

CHU TEH-CHUNné en 1920, est un peintre contemporain d’origine chinoise. C’est un artiste visuel qui a choisi l’abstraction ; il intègre les techniques de la peinture chinoise et l’art abstrait occidental. Sa cote a explosé sur le marché de l'art contemporain au cours des dix dernières années. En 2013, une de ses œuvres « Untitled » a été vendue à la Kingsley Art Auction, Taipei 'Autumn Auction 2013' pour 15,7 millions $. Une autre était vendue 70, 7 millions HK$ (9,1 millions US$) en Novembre 2013 chez Christie's. Son œuvre, "Forêt blanche N°23 (1997), s’était vendue 60 millions HK$ (7.7 millions $) en Novembre 2012, lors d'une vente aux enchères chez Christie’s à Hong Kong. Le 26 Mai 2018, chez Christie's, Chu-Teh-Chun a obtenu 28,9 M HK$ (3,7 millions US$) pour sa peinture ‘Composition 51 : ‘Mille vies se cachent dans le bois’(1960) et N° 81 38,3 M HK$ (4,9 millions US$). Sa peinture « Synthèse hivernale C» (1988), s’est vendue le 4 Juin 2019, par la société Artcurial, à Toulouse, 5 177 400 €, multipliant par 5 son estimation. C’était un nouveau record pour une œuvre de l’artiste vendue en Europe et le plus haut prix pour une peinture vendue en France en 2019.
La Fondation CHU Teh-Chun a été créée à Genève en 2017 par la famille CHU. Elle se consacre à la collecte, l'exposition, la conservation et l'interprétation de l'art et des archives de CHU Teh-Chun. 
https://chu-teh-chun.org/fr/accueil
Actualité
En 2021-2022, la Fondation Chu Teh-Chun devrait organiser une exposition itinérante pour célébrer le centenaire de l’artiste : L’Odyssey de Chu Teh-Chun. Première étape au Musée National de Chine à Pékin en Octobre 2021. Plus de 140 oeuvres originales y seront présentées.
L’artiste
Chu Teh-Chun est né le 24 octobre 1920 à Baitou Zhen, province de l'Anhui, en Chine. Il est entré, en 1935, à l’Ecole des Beaux Arts de Hangzhou. Il obtiendra son diplôme de fin d’études en 1941. Après avoir été professeur à Nankin, il s'établit à Taipei en 1949, où il sera professeur d'université et enseignera la peinture occidentale jusqu'en 1955. C'est cette même année qu'il partira s'installer en France. Il est décédé le 26 mars 2014 à Paris.
Son œuvre
"Les oeuvres de Chu Teh-Chun semblent conjuguer les éléments naturels – air, eau, terre, feu – et déboucher sur une sorte de naturalisme cosmique", déclare Jean-Paul Desroches, conservateur du patrimoine au Musée Guimet. Ses inspirations sont puisées dans les maîtres plus anciens. "Chu Teh Chun reprend par exemple la luminosité des artistes vénitiens qu’il mêle à l’intensité chromatique puisé dans l’art d’un Goya". Ses peintures sont subtiles et pénétrantes, elles ont un charme poétique oriental.

BIO/OEUVRE
EXPOSITIONS
Chu Teh-Chun a eu tout au long de sa carrière près de 450 expositions : 156 personnelles et 285 collectives, dans plus de 24 pays. 

Chan Kai-Yuen

CHAN KAI-YUEN est un artiste chinois, sculpteur, installé en France depuis 1971.
contact : http://www.chankaiyuen.com/

L’artiste

Chan Kai-Yuen est né le 13 décembre 1948 à Amoy, Fujian, Chine.
Son oeuvre
Les matériaux de prédilection de Chan Kai-Yuen sont la résine et le plâtre synthétique et son sujet préféré, le poulet. L’artiste utilise l’humour comme base de travail. « Peu d’artistes (de sa génération) se sont éloignés à ce point d’une esthétique convenue. Chan Kai-Yuen le fait depuis vingt ans, comme on pouvait le lire lors de son exposition « Kiss the world » à la galerie Deborah Zafman, à Paris, en Décembre 2008. « Baroque, parce que bizarre et bavarde, cette œuvre engendre chez le spectateur des sentiments contraires. L’attraction côtoie la répulsion, la grossièreté rejoint la tendresse ». Chai Kai-Yuen a en effet créé un monde à part avec ses poulets en résine qu’il met souvent en place comme des humains, dans des attitudes des plus cocasses. On peut voir par exemple un poulet sur une sphère du monde ayant une forme de fesses, le penseur sur l’origine du monde représenté par un gallinacé. Dans les années 80 il a aussi réalisé un tableau de riz, peint en laque. Il réalise par ailleurs des vidéos qui elles aussi peuvent mettre en scène des poulets, des vrais.

Expositions

Chan Kai-Yuen a eu de nombreuses expositions depuis le milieu des années 80. Citons : en 2010 : Galerie Jacques Barrère, Paris ; en 2008 - 2009: « kiss the world » à la Galerie Deborah Zafman, Paris ; en 2005 : « poulets penseurs » - La lune en parachute, Épinal, France ; en 1999 : « poulets défilés » - Espace Saint-louis, Bar-le-Duc, France ; en 1997 : Installation – Espace Présence II – rue de Lappe, Paris ; en 1994 : « les poulets dans le Monde » - Atelier mémoire, Hôpital Corentin Celton, Paris ; en 1992 : Galerie Bellefroid, Paris, Galerie J.C. Riedel, Paris / Catalogue de l'exposition ; en 1990 : Galerie Art Contemporain, Brest, France.

Chan Kai-Yuena par ailleurs participé à de nombreuses expositions collectives comme : en 2015, ‘L’Amour, la Mort et le Diable’, Galerie des Hospices de Limoges ; en 2014, Busan Biennale 2014 - Inhabiting the world - Busan Museum of Art, Chine ; en 2013 VIII Shiryaevo Biennale of Contemporary Art – Screen : Between Europe and Asia – Russie 
; en 2012 ‘Liebe Tod and Teufel – Sammlung J+C Mairet – Von der Kunsthalle Wuppertal, Allemagne, Born to be alive – I tell you we must die’ – Factory Art, Berlin, Allemagne ; en 2009 Exposition collective Laina Davidov, Paris ; en 2008: L’œil du cyclone, Galerie Deborah Zafman, Paris. ; en 2007: Humour Noir, Galerie 100 Titres, Bruxelles, Art Paris, Galerie Moser ; en 2006: Hautnah, 4 artistes de la collection de Jean et Christina Mairet, Berlin, catalogue de l'exposition. ; en 2005 : « X Y gênes sensibles » - Triage, Nanterre Université ; en 2004 : « Un privé au triage », Nanterre Université

Chen Jiang-Hong

CHEN JIANG-HONG est un peintre et illustrateur d’origine chinoise qui a grandi en Chine sous la Révolution culturelle.
L’artiste
Chen Jiang-Hong est né à Tianjin, au Nord de la Chine en 1963. Il est Diplômé de l’École des Arts Décoratifs de Tianjin et de l’École des Beaux Arts de Pékin. En 1988, il obtient une bourse pour étudier à l’École Nationale Supérieure des Beaux Arts de Paris dont il est diplômé. Il vit et travaille en France depuis 1987.
Son œuvre
Chen Jiang-Hong est très attaché aux techniques de peinture et traditions anciennes de la Chine même s'il s’est orienté dans sa peinture vers une abstraction plus universelle. A ce propos, l’artiste déclare « C’est important pour moi d’apporter la culture à laquelle je suis profondément attaché et de lui permettre de traverser les frontières et que d'autres en fassent partie. J’essaie de raconter des histoires de telle façon qu’elles deviennent universelles ». Chen Jiang-Hong a ainsi développé sa propre esthétique, en fusionnant les traditions de la peinture orientale et occidentale, profondément influencé par sa propre expérience de la vie entre deux cultures. Pour ses peintures abstraites, Chen Jian-Hong utilise la peinture à l'huile. Ses thèmes tournent autour de la nature, les bambous et les fleurs de lotus. Ses couleurs vont du rouge à l’ocre au noir. Il se sert aussi des techniques de la calligraphie et peint sur le sol avec de longs pinceaux en poils de loup. Il utilise l'encre de Chine pour ses illustrations. Il combine aussi l’encre indienne avec des matériaux inhabituels comme la sciure de bois. Chen Jiang-Hong est en effet un illustrateur d’albums d’un grand raffinement, usant de teintes subtiles. Ses histoires mêlent les légendes, la culture et l'histoire de la Chine à des sentiments et des questions universels pour les enfants d'aujourd'hui. Son album le plus connu est 'Mao et moi, le petit garde rouge' (2008) dans lequel il raconte sa propre enfance pendant la Révolution culturelle. Le 3 Février 2018, il présentait à la librairie La Méridienne à la Chaux de Fonds, en France, ses livres Le Prince Tigre et Le Cheval magique de Han Gan. Il peignait à l’occasion en direct sur une toile géante.
La galerie Taménaga présentait une grande exposition de l'artiste, du 9 au 29 Octobre 2020. 'L’artiste chinois s’est ouvert depuis peu à des préoccupations esthétiques nouvelles et dévoile avoir eu envie de couleurs !", expliquait la galerie. Ainsi, les bleus profonds côtoient les verts lagons et les ocres rivalisent avec les rouges flamboyants dans ses dernières peintures.
Expositions
Chen Jiang-Hong a eu sa première exposition personnelle en Chine, à Pékin, en 1987. En 1989, ses tableaux étaient exposés au Centre Georges Pompidou, à Paris. Depuis il a eu de nombreuses expositions tant en France qu’à l’étranger.
Dernière exposition en Octobre-Novembre 2020, à la galerie Taménaga à Paris, avenue Matignon.

BIO/EXPOS

Chhour Kaloon

CHHOUR KALOON est un artiste contemporain d’origine chinoise qui a choisi pour sa peinture l’abstraction.
contact : http://www.chhour.com/

L'artiste
Chhour Kaloon est né au Cambodge en 1968 d’une famille chinoise originaire de la province de Canton. Suite au génocide des Khmers rouges, il a perdu une grande partie de sa famille. Il est parvenu à s’enfuir afin de trouver refuge en Thailande. Il a étudié à l’Art Academy de Hong Kong puis arrivé en France, à l’âge de 21 ans, il a suivi des cours de peinture avec Katia Kostoff de l’Ecole des Beaux Arts de Paris où il a découvert les maîtres de l’impressionnisme. Il vit et travaille à Nice.

Son œuvre

Chhour Kaloon a tout d’abord commencé à peindre dans le style figuratif qu’on lui avait enseigné pour s’orienter ensuite vers l’impressionnisme et le fauvisme. A partir de son arrivée à Nice en 2003, à l’âge de 35 ans, tout change, il choisit l’abstraction usant toujours de couleurs fortes comme le noir ou le rouge et chaudes comme le jaune et l’orange. Ses toiles sont très construites avec l'emploi de glacis, du dripping, coulages, médiums, brosses, pinceaux, couteaux.

Les peintures de Chhour Kaloon sont un sorte mélange entre Orient et Occident. Il illustre l’équilibre du Yin et du Yang en laissant intentionnellement des sections de composition vides ou pleines. S’exprimant sur un de ses tableaux, Chhour Kaloon explique : « J'ai terminé ce tableau en août 2015 dans mon atelier de Nice. Certains y  verront  le  cosmos  ou  que  sais-je,  ce  n'est  pas  important  car  une  peinture  ne  vit  qu'à travers le regard de celui qui la ressent à travers ses sens les plus profonds et intimes. Quitte à déroger à une de mes règles de ne pas commenter mes peintures, je pense qu'il s'agit d'une représentation symbolique et abstraite du cycle de la vie sur terre et au-delà, ce qui est un pour moi un héritage de ma culture asiatique et du bouddhisme. Le bas du tableau, c'est l'eau donc l'origine de la vie, enfin celle que nous connaissons, et pour nous humains le liquide amniotique de notre mère. Le centre, c'est la vie avec le soleil et sa chaleur jaune. Mais ces deux parties sont parcourues de traits noirs et de touches rouges foncées. Toujours le Yin et le Yang qui ressurgissent. Cette  partie  centrale  s'éclate  en  petites  touches  sur  le  haut  à  gauche  vers  un  fond  très  sombre  et torturé... Les ténèbres. Heureusement en haut à droite, il y a un bleu profond et évanescent. De nouveau la vie est là...Qu'il soit bien clair que cette interprétation du tableau est faite a posteriori car si j'ai une idée assez nette de la  composition  d'un  tableau  avant  sa  mise  en œuvre, je n'ai souvent aucun préjugé sur l'œuvre finale et sa symbolique. C'est mon pinceau qui me guide et dans mon pinceau, il y a mon esprit qui fait ce qu'il veut ».

Pour Max Laniado de la galerie Visio Dell’Arte, « Chhour  est  la  révélation du courant de l’abstraction poétique. Il apporte une créativité innovante combinant les influences impressionnistes et asiatiques,  la  méditation  sur  le  ressenti  et  une  « chorégraphie » gestuelle dans des œuvres harmonieuses exsudant  d’émotion et de beauté ».

Chhour Kaloon a vraisemblablement été inspiré par des artistes comme Zao Wou-ki ou Chu Teh-Chun, leaders du mouvement de l’abstraction poétique.
Ces dernières années, il a pu découvrir d’autres mediums comme la céramique, l’aquarelle, la gravure et la peinture à l’encre.

Expositions
Chhour Kaloon expose dans de nombreuses galeries en France et à l’étranger. Parmi les expositions personnelles les plus récentes, une exposition lui était consacrée au Musée des Arts asiatiques de Nice (France) en 2019.
BIO/EXPOS

 Danhôo

DANHOO est un artiste contemporain d’origine chinoise installé à Paris depuis 1983.
Danhôo (@danhooartiste) • Photos et vidéos Instagram
Danhôo - Accueil | Facebook
Actualité
Danhôo expose pour la troisième fois à l'A2Z Art Gallery Paris, "Derrière le brouillard", du 6 au 27 Mars 2021
L’artiste
Danhôo est né à Ho Chi Minh City, Vietnam, en 1966, dans une famille chinoise. A son arrivée en France en 1983, il travaille pour la Maison Marin, spécialiste de matériel pour artistes. De là il fait la connaissance d’artistes comme Ernest Pignon Ernest, Zao Wou-Ki ou encore Olivier Debré avant de se consacrer pleinement à la peinture. Il a ensuite été l'assistant d’Erro, Robert Combas, ou encore Lee Ufan. Il vit et travaille actuellement en France.
Son œuvre
« Danhôo s’inspire des symboles de la calligraphie asiatique comme base en posant des idéogrammes sur la toile blanche. Les toiles sont ensuite disposées à même le sol pour être travaillées par des aplats de peintures par écoulements, offrant au tableau une texture, un travail du relief et de la matière inédit ».
Danhôo marie peinture contemporaine et écriture traditionnelle chinoise. Il a sa propre écriture, éloignée de la maîtrise académique. Il déconstruit les caractères calligraphiques pour en offrir une abstraction. Danhôo utilise généralement les techniques du Dripping de Jackson Pollock et du All-Over pour ses réalisations.
Les caractères chinois de Danhôo symbolisent l’Amour, Le Rêve, l’Argent, le Partage, le Bonheur, l’Amitié et la Famille.
Une monographie de Danhôo devrait être publiée en Juin 2021 (contributeurs : David Rosenberg, Tatiana Phuong, Evia Production)

Expositions
Danhôo a déjà eu plusieurs expositions personnelles dont les plus récentes : 2021 Mairie de Vitry sur Seine, Célébration de l'année lunaire ; 2020 » Etre de Lumière », A2Z Art Gallery Paris ; 2019 "Entre deux cultures", A2Z Art Gallery, Paris, France ; Abstraction Calligraphique, A2Z Art Gallery, Hong Kong, “Vibrations”, Yors Ben Ammar Gallery, Club House Gammarth, Tunisie ; 2018 “Psynaps”, A2Z Art Gallery, Hong Kong, Domaine Départemental de Chamarande, Chamarande, France ; 2017-2018 Forum de la Fnac, Andorre, France, Galerie Itinerrance, Paris, France.
Danhôo était présent à Asia Now Paris 2019 . en 2017 il participait au 13 Art Fair - Urban Contemporary, représenté par la Yosr Ben Ammar Gallery, Les Docks - Cité de la Mode et du Design, Paris, France.

Feng Xiao-Min 

FENG XIAO-MING est un artiste contemporain franco-chinois, peintre et calligraphe, arrivé en France en 1988.
Feng Xiao-Min a vendu chez Sotheby’s en Octobre 2019 une œuvre intitulée Composition 20-01-15 pour 1,500,000 HK$ (193 505.94 US$)
http://fengxiaomin.com/
L’artiste
Feng Xiao-Min est né Shanghai en 1959. Il a fait des études artistiques en Chine, à l'Académie des beaux-arts, et à l'Ecole nationale supérieure des arts, puis il a intégré l'Académie des beaux-arts Haimo de Shanghai. Il a quitté la Chine pour la France en 1988 où il a poursuivi ses études à l’Ecole des Beaux Arts de Paris. De 1997 à 2000, il a donné des cours de calligraphie et de technique à l'Ecole des Beaux Arts de Paris.
Son œuvre
Le travail de Feng Xiao-Min témoigne d’une grande maîtrise de la couleur et d'une technique de peinture proches des œuvres des grands artistes franco-chinois Zao Wou-ki et Chu Teh-Chun, avec lesquels il a travaillé en étroite collaboration. L’artiste s’inspire de la calligraphie chinoise traditionnelle. Il utilise l'acrylique sur toile et imite habilement l'esthétique chinoise de l'encre sur papier. Plus qu’un sujet ou un lieu, Feng Xiao-Min se concentre plutôt sur l’effet visuel produit par le mélange de couleurs et la configuration spatiale de l'image. Le monde et l'image qu'il nous offre nous conduisent à une immersion des sens. L’artiste combine l'esthétique orientale et les techniques occidentales, dans ses visions de paysages, du crépuscule à l'aube.

Expositions
Expositions personnelles et collectives
BIO/EXPOS

Fu Site

FU SITE est un peintre contemporain issu de la jeune génération chinoise, installé à Paris depuis une dizaine d’années.
https://www.instagram.com/fusite/?hl=en
Contact : https://www.fusite.space/

Actualité
Fu Site expose actuellement « Fictions in Fragments » à la Lylin Gallery, Los Angeles, jusqu'au 28 Février 2021   video : https://www.kylingallery.com/fictions-in-f-vr
Fu Site devrait participer à la foire artistique Drawing Now, représenté par la galerie Paris Beijing, du 10 au 13 Juin 2021, au Carreau du Temple, à Paris.

L’artiste
Fu Site est né dans la province du Liaoning en Chine en 1984. Il est diplômé de la Tsinghua University de Pékin (2006), de l’Ecole des Beaux-Arts de Versailles (2011) et de l’Ecole Supérieure d'Art du Nord Pas de Calais (2014).
Son œuvre
Fu Site, né en chine, trouve ses influences chez de grands maîtres comme Francis Bacon pour l’intensité de ses personnages, chez le peintre romantique Caspar David Friedrich, pour le coté mystique de ses paysages, ou encore chez Edward Hopper pour le sentiment d’isolement dans ses toiles.
L’artiste a par ailleurs une fascination pour les intérieurs oc
cidentaux qu’il dépeint dépouillés de leur contexte original, juxtaposant les décors baroques et depuis plus récemment les intérieurs contemporains, les transposant dans un nouvel espace et composant ainsi une image de fiction. La Galerie Paris-Beijing présentait au début 2017 les derniers travaux de l’artiste (« Disrupted Narrative ») : à savoir un assemblage d’ombres et de reflets, de présences humaines, d’images d’intérieurs et de paysages naturels.
En 2014, la Galerie Paris Beijing avait déjà consacré une première exposition à l’artiste, intitulée « Politiciens ». « Elle évoquait la complexité, voire la cruauté, des débats et des combats politiques contemporains, en mettant en scène des figures évanescentes d’hommes qui se battent, qui discutent, ou qui se trouvent tout simplement dans des situations étranges».
« On retrouve dans les tableaux de Fu Site une fascination pour les ténèbres,
les allégories, l’onirisme et l'inconscient. L’artiste utilise une technique mixte - encre de Chine, crayon, huile - qui lui permet d’introduire dans ses toiles une temporalité troublée.
Fu Site se dit aussi très influencé par le septième art. Il compose ainsi ses tableaux avec des cadrages propres à la technique cinématographique, tels des arrêts sur image.
Expositions
La Galerie Paris Beijing a consacré trois expositions personnelles au jeune artiste chinois :
2018 "You don't know what you've missed", Galerie Paris-Beijing, Paris en 2017, « Disrupted Narrative » ; en 2014 ‘Politiciens ».
Fin 2019, Fu Site participait à l’exposition de groupe « Figure This » à la Thames-Side Studios Gallery à Londres
Il participait à la foire artistique Art Paris 2016, Paris, et « Asia Now » Paris, en Octobre 2016.
Bio/Expos

Gao Zengli

GAO ZENGLI est un peintre franco-chinois, grand portraitiste, installé en France depuis 1998.
L’artiste
Gao Zengli est né à Lanzhou en Chine en 1964. Il est diplômé de la Fine Arts Academy of Shandong (1985). Il s’est installé à Paris en 1998. Il a étudié à l’Ecole des Beaux Arts  de Paris (1998 à 2000). Il vit entre Paris, Hong Kong et Pékin.
Son œuvre
Le travail de Gao Zengli est un dialogue permanent entre sa vie actuelle et celle passée en Chine. Il peint ainsi des portraits de personnalités célèbres comme le dernier empereur chinois Pu-yi, le président Mao ou encore Deng Xiaoping.  En utilisant comme symboles de tels personnages, Gao Zengli va puiser dans le réservoir d'émotions ancré dans l'histoire moderne de la Chine. « Pour lui, l’art du passé reste en nous car cela influe sur notre comportement dans notre société d’aujourd’hui, et ceci se répète à chaque nouvelle génération ». En 2008 il présentait une exposition totalement dédié au dernier empereur Puyi à la galerie Benamou, à Paris. Gao Zengli a aussi réalisé des tableaux à partir de morceaux de porcelaine et de peinture à l’huile, symbole de la culture ancienne chinoise.
"J'aime ce qui tourne autour des ténèbres et je m'exprime en noir et en gris ; l'échelle de gris entre le noir et le blanc est utile pour refléter les souvenirs du passé car je m'efforce de découvrir le soleil au milieu de l’obscurité », explique-t-il.
Gao Zengli constitue des épaisseurs de peinture qui créent différentes textures sur la toile. Les personnages eux sont presque floutés. Gao Zengli réutilise des photographies anciennes à partir desquelles il peint ses personnages, il utilise aussi des objets tels que du papier journal, de la corde ou du tissu. L’artiste a en outre mis au point une technique étonnante : sur un châssis en bois, il fixe un treillis de cordes en lin sur lequel il colle un morceau de toile de jute plissé de façon irrégulière. Sur ce support en relief, il peint ses tableaux à l’acrylique.
Dans sa dernière exposition à la galerie Schwab Beaubourg début 2018, il présentait des portraits de célébrités, comme Giacometti, Rodin, le Dalaï-lama, Lucian Freud ou encore Marlon Brando ainsi que des drapés qui évoquent la statuaire romaine.
Expositions
Gao Zengli a eu de nombreuses expositions en Asie et en Europe depuis 2000 : Paris, Genève, Barcelone, Bâle, Moscou, Miami, Pékin, Shanghaï, Hong-Kong, Taipei, Tokyo, Singapour.
BIO/EXPOS

Gao Xingjian

GAO XINGJIAN, né en 1940, est un écrivain, dramaturge, metteur en scène, peintre et plasticien, français d'origine chinoise. Il appartient à cette génération qui a vécu les révolutions politiques en Chine jusqu’à son départ pour la France en 1987 après le drame de Tiananmen en 1989.  Après ces événements, il achève son roman et écrit la pièce "La Fuite" qui provoquera l'interdiction totale de toutes ses oeuvres en Chine. Connu comme écrivain - prix Nobel de littérature - la notoriété de Gao Xingjian comme peintre est plus récente même s'il a fait l’objet de nombreuses expositions dans le monde.
L’artiste

Gao Xingjian est né le 4 janvier 1940 à Ganzhou en Chine. Compte-tenu des circonstances politiques de l’époque, sa mère s’est opposée à son entrée aux Beaux Arts de Pékin, préférant l’orienter vers l’Institut des Langues Etrangères dont il est diplômé (1962). Il réside à Paris, et en France depuis 1987.
Son œuvre

Du roman à la peinture, Gao Xingjian consacre à présent tout son temps à la création picturale. Il exploite le travail de l’encre de Chine, travaillée sur un fond blanc. «Revenir à la peinture, c’est se libérer des verbiages, rendre les concepts au langage, c’est peindre là où le langage ne suffit plus, commencer à peindre là même où l’on a fini de parler », explique l'artiste dans son ouvrage 'Pour une autre esthétique'. Dès 1978, Gao Xingjian a abandonné la peinture à l’huile pour se consacrer à l'encre. « J’utilise l’encre de Chine mais ce n’est pas une marque de la civilisation chinoise. Cela dépasse l’Orient. À côté de l’encre de Chine, j'utilise la peinture sur toile, le châssis et la toile étant tout à fait occidentaux, traditionnels. Il y a donc la matière orientale et la matière occidentale », déclarait-il. A partir de 1990, Gao Xinjian a opté pour l'utilisation de la toile au lieu du papier, trop fragile, pour réaliser de grands formats. Ses œuvres sont ainsi empreintes de culture et de pensée traditionnelle chinoises, alliées à une esthétique moderne occidentale ; l’artiste témoigne aussi d’une très grande sensibilité. Gao Xingjian a commencé à être reconnu en tant que peintre en Occident à la suite d'un voyage informel à Berlin en 1985, pendant lequel "certains se sont pris de passion pour ses oeuvres" qui lui ont ensuite organisé une exposition.
Chevalier des Arts et lettres, Gao Xingjian a obtenu le Prix Nobel de littérature en 2000 et le Premio Letterario Feronia en Italie. En tant qu’écrivain, Gao Xingjian est surtout connu pour son roman La Montagne de l’âme (1995), « odyssée taoïste, à la fois «conte classique picaresque et merveilleux» et «évocation de la réalité absurde ou kafkaïenne», selon son traducteur Noël Dutrait. Il est aussi l’auteur du «Livre d’un homme seul » (1999). En 2002, il écrit un opéra, « La Neige en Août », créé à Taipei et à l’Opéra de Marseille. Il a aussi réalisé le film ‘Après le déluge’, en 2008. Il a par ailleurs mis en scène plusieurs pièces de théâtre. Cinq oeuvres monumentales de Gao Xingjian tout spécialement créées par l'artiste pour décorer la salle Bernheim du musée sont à présent exposées au Musées royaux des Beaux Arts de Belgique. A l’occasion de l’exposition « Gao Xingjian » au Art Paris Art Fair 2017, au Grand Palais, une installation de Albertine Meunier, dédiée à l’artiste - « Le livre infini » - était présentée présentée au stand de la Galerie Claude Bernard.

Dans le cadre de sa Saison d’art 2019, le Domaine de Chaumont-sur-Loire dans le Cher, présentait du 27 Mars au 3 Novembre 2019 une grande exposition de paysages oniriques à l’encre de Gao Xingjian. Avec son “Appel pour une nouvelle Renaissance”, cet adepte de l’art total qu’est Gao Xingjian, prône une nouvelle pensée pour changer le monde et réveiller les consciences, grâce à la culture. Écrivain, peintre, dramaturge, metteur en scène, poète, Gao Xingjian en appelle à un retour à une création artistique sans frontières, pluridisciplinaire, non utilitariste et non “marchandisée”, explorant les complexités de l’âme humaine, avec pour finalité une communion parfaite des cœurs et des esprits.”, explique Chantal Colleu-Dumond. 

Expositions
De nombreuses expositions personnelles ont été régulièrement consacrées à Gao Xingjian depuis 1985, en Allemagne, Belgique, France, Espagne, Etats-Unis, Suède, Suisse, Taïwan. Le Musée d'Ixelles de Belgique lui a consacré en 2015 une rétrospective : 'Gao Xingjian : l'éveil de la conscience'. 
BIO/EXPOS

Guo Cheng-Dong

GUO CHENG DONG est un sculpteur-portraitiste chinois, formé à l’école des Beaux-Arts de Luxun, en Chine. Il réside en France depuis 2002. Guo Cheng-Dong est très réputé et primé pour ses magnifiques sculptures de chevaux. Il a aussi été récompensé pour ses sculptures sur glace par le 1er prix International à Harbin en Chine en 1999.
contact : http://chengdongguo.com/
L’artiste
Guo Cheng Dong est né en 1975 à Shengyang (Chine). Il est diplômé de l’école des Beaux-Arts de Luxun, province du Liaonin ; il a complété sa formation à l’école des Beaux-Arts de Versailles-Paris (2003-2005). Il vit et travaille à Paris où il expose régulièrement depuis 2004.
Son œuvre
"Mon travail vise très tôt à exprimer tant les mutations du monde que la liberté", explique Guo Cheng Dong.
L'artiste réalise des sculptures de chevaux pour lesquelles il a gagné de nombreux prix. Il a obtenu pour sa sculpture « Junma » le 1er prix au salon Art cheval à Saumur en 2006 et le Prix spécial à la biennale de Rambouillet en 2008. L’ensemble de son travail est marqué par l’assimilation progressive du corps de l’homme et du cheval. "Alors que ceux-ci étaient dans un premier temps juxtaposés, ils tendent aujourd’hui vers l’unité", indique l'artiste.
Guo Cheng Dong travaille le corps, le buste et le portrait.
Guo Cheng Dong réalise par ailleurs des œuvres monumentales - sur commande - comme pour l’ex-président russe Boris Eltsine ou le singapourien Wu Zuodong.
Autour de l'artiste, Novembre 2016 :
https://www.youtube.com/watch?v=Q2vXpkBSaAU
Expositions

BIO/EXPOS

Huang Yong Ping

HUANG YONG PING est un artiste contemporain d’origine chinoise. Il a été une figure majeure de l'art d'avant-garde chinois dans les années 1980. Influencé par Marcel Duchamp et le dadaïsme, il avait alors fondé le mouvement « Xiamen Dada ». L'artiste, reconnu tant en France qu'à l'étranger, avait été choisi pour l'édition Monumenta 2016, au Grand Palais à Paris.
L’artiste
Huang Yong Ping est né le 18 février 1954 à Xiamen dans la province du Fujian. Il est diplômé de l'Académie des Beaux Arts de Zhejiang (1989). Il s’est installé en France en 1989. Il est décédé le 19 Octobre 2019.

Son œuvre

Huang Yong Ping a été découvert lors de la célèbre exposition « Les Magiciens de la Terre » au Centre Pompidou en 1989, l'année de la répression de la place Tiananmen. Huang Yong Ping créait alors des œuvres lourdes de sens qui ont souvent été censurées par le gouvernement de son pays. L'artiste incorporait dans son travail différentes philosophies, chinoises comme le Bouddhisme Chan et le Taoïsme, ou occidentales. Il a créé des œuvres où cohabitent les cultures et dénonçait la mondialisation. En 2006, sur l’île de Vassivières, au Centre international d’art et du paysage, il a installé un grand moulin à prières, semblable à ceux qu’utilisent les bouddhistes tibétains.
En 2000, Huang Yong Ping réalisait un travail monumental “Bank of Sand, Sand of Bank”, composé de 40 tonnes de sable, de ciment et d’eau. Il s’agissait là d’une réplique de l’ancien HSBC building à Shanghai.

BIOGRAPHIE & OEUVRE

EXPOSITIONS

Li Chevalier 

LI CHEVALIER, née en 1961, est une artiste contemporaine peintre, plasticienne franco-chinoise. Elle fait partie du nouveau courant artistique né en Chine « l'Encre Expérimentale ». L’artiste interroge le monde des formes nées de l’ombre et de la lumière.
contact : https://www.lichevalier.com/
L’artiste
Li Chevalier est née à Pékin en 1961. En 1980 elle intègre l’Université de Relations Économiques avec l’étranger à Pékin où elle rencontre son mari, un français attaché commercial à l’Ambassade de France en Chine. Elle arrive en France en 1984. Après des études en sciences politiques (Sciences-Po Paris) et un DEA de philosophie à la Sorbonne (1990), elle se forme dans diverses écoles d’art à Florence et Paris et obtient le diplôme de 3e cycle du Central Saint Martins College of Art & Design à Londres (2007). Elle vit et travaille entre ses deux ateliers de Pékin et Paris (Ivry sur Seine).
Son œuvre
Li Chevalier travaille à la croisée des chemins entre l’Europe et l’Asie. Forte de son patrimoine artistique chinois où la peinture de paysage a une très grande place, l'artiste veut donner un nouvel élan à cette esthétique ancienne en se servant des moyens d'expression qu'offre l'art contemporain. Li Chevalier a toujours été à la recherche de la beauté : « Je désire restituer à l'art l'émotion en réhabilitant sa beauté, loin de l'art contemporain moderne prônant soit le minimalisme soit l'exagération » explique-elle. 
Li Chevalier était au départ plus musicienne que peintre. A 15 ans en effet, elle a rejoint l'Opéra de l'Armée Populaire de Libération chinoise, puis à Paris elle a été soprano pour le chœur de l'Orchestre de Paris. La musique est toujours un thème récurrent dans ses oeuvres. Au début ses peintures étaient figuratives. C’est en 2003, lors d’un séjour au Qatar, que l’artiste découvre l’encre de Chine. Elle abandonne alors l’huile et se tourne progressivement vers l’abstraction. « Avec l’encre, on peint sur toile et pas sur papier et on peint à l’envers : on part du blanc pour aller vers les nuances de gris. Le travail est plus difficile, car il n’y a pas de retouches possibles. ».
Les compositions de Li Chevalier sont emplies d'une intensité poétique, avec de très belles nuées de blanc mêlées à des particules de sable, des éclats minéraux et de grandes encres sombres. Le contour indéfini de ses peintures renforce la signification de son propos. L'artiste utilise aussi du papier de riz et la calligraphie. La dimension spirituelle constitue la valeur essentielle de ses oeuvres.
Ainsi elle dépeint les «Toris» japonais, "portes spirituelles à franchir pour s'offrir un temps de questionnement". Li Chevalier est « à la recherche de la beauté, troublée par la mort, en quête spirituelle, des silhouettes marchant vers l’au-delà, un point d’interrogation sur la ligne d’horizon ou une croix la reflétant".
En 2013, en prélude à un concert dirigé  par le chef d'orchestre de l'Opéra National de Paris, Philippe Jordan, Li Chevalier a créé à l'Opéra de Pékin une installation monumentale intitulée ‘Cantabile per archi’ de Peteris Vasks, composée de centaines d’instruments à cordes, créant une rencontre entre l’art et la musique. Autre installation de l’artiste, l’Institut Français de Pékin présentait à la Bibliothèque Nationale de Chine, en 2012, les « stèles de lumière » de Li Chevalier, 21 stèles faites de caissons lumineux habillés de lithographies de stèles gravées de calligraphies.
Deux œuvres de Li Chevalier sont exposées depuis 2011 dans les salons de l'ambassade de France, à Pékin. Ses travaux font partie, entre autres, de la collection permanente du Musée National de Chine, de l'Opéra National de Chine, de L'Institut Bernard Magrez. Li Chevalier est membre de la Société Nationale des Beaux Arts (SNBA), de la Fondation Taylor et de l’ADAGIP (Société des auteurs dans les arts graphiques et plastiques). L'artiste a obtenu la médaille d'or de la SNBA pour son installation et le grand prix sculpture de ADGP en 2014.

Expositions
En 2004, la Virginia Commonwealth University's School of the Arts présentait la première collection de peinture à l'encre expérimentale de Li Chevalier "Silence voilé". 

BIO/EXPOS

Li Donglu

LI DONGLU est un jeune artiste chinois installé en France depuis les années 2000.
contact : http://www.lidonglu.com/

L’artiste

Li Donglu est né né à Guangdong en Chine en 1982. Il est diplômé de la Guangzhou Academy of Fine Arts (2004). Il a ensuite poursuivi ses études en France à l’Ecole des Beaux Arts de Versailles (2006-2008). En 2009, il était en résidence au Château de Padiès, Lempaut, dans le Tarn, en association avec le Festival Culture & 
Cultures. Il vit et travaille à Paris.
Son oeuvre

Si ses compositions reflètent certaines impressions de la peinture traditionnelle chinoise, Li Donglu utilise par contre des techniques modernes comme l’acrylique sur toile ou la peinture à l’huile. Les couleurs - profondes et sombres - choisies par l’artiste, renforcent le mystère qui se dégage de ses toiles. Celles-ci ont des noms évocateurs qui parlent d’eux-mêmes : Dernière Minute, Vanités, Human right ?, Pandora, Le désert et la paix ? En bref, Li Dong Lu nous parle de l’humanité.

Expositions

Une première exposition de l’artiste a été organisée par la Pandora Galerie Mendes à Paris en 2011.

Citons les dernières expositions personnelles de Li Donglu : 2018    Zao Wu, à l’aube du chaos, A2Z ART Gallery , Paris,  France ; 2017 The Nature of the Nature ,A2Z ART Gallery, Hongkong ; 2015    Surimpression A2Z ART Gallery, Paris

L’artiste participe à de nombreuses expositions collectives : 2020, A2Z Art Gallery , Paris, France ; 2019  "10 Ans déja !" , A2Z Art Gallery , Paris ; 2018    Asia Now - Paris Asian Art Fair 2018 , A2Z Art Gallery, Paris, ; 2017  Art Central (Art Fair)Hong kong 2017,  A2Z Art Gallery ,Hong kong, China ; 2016 Art Paris Art Fair 2016, A2Z Art Gallery,  Paris, Art Central (Art Fair)Hong kong 2016,  A2Z Art Gallery ,Hong kong, China., Art Stage (Art Fair)Singapore 2016, A2Z Art Gallery ; 2015 China International Gallery Exposition 2015 ,  7+1 Luckily you are here, Art project curated by Martina Köppel-Yang,  A2Z ART Gallery, Beijing, 
Nécessité intérieure, Yohann Gallery, Paris ; 2011 China International Gallery Exposition 2011, Middle Space and Bermel Contemporary(Berlin), Beijing,  China ; 2010 Pour l’amour de Goya, Galerie EGP,  Paris.

Li Shuang

LI SHUANG est née à Pékin en 1957. Elle est la seule femme membre fondateur du groupe Xingxing, les ‘Etoiles’, premier mouvement artistique d'avant-garde, contestataire, en Chine. Elle a exposé pour la première fois à Pékin avec ‘Les Etoiles’, en 1979, lors de 'l’exposition sauvage’ dans le parc jouxtant le Musée des Beaux Arts. «Li Shuang, c'est l'empreinte d'une peintre et d’un combat pour la liberté d'expression». En 1981, elle a été condamnée à deux ans d'emprisonnement à cause de sa relation personnelle avec un diplomate français, qui deviendra son mari. Elle quitte la Chine pour la France en 1983. L’artiste est assez bien cotée sur le marché mondial de l’art, ainsi elle a vendu en 2013 chez Sotheby’s Beijing 'Modern & Contemporary Chinese Art' une œuvre intitulée ‘Red and Black’, datant de 1979, pour 309 848$. Avec des ventes cumulées de 26 421 €, elle se situait au 485ème rang du classement de la société Artprice (Produit des ventes) du marché de l’art dans le monde en 2013/2014.
L’artiste
Li Shuang est née à Pékin en 1957. Elle quitte la Chine en 1983, depuis elle vit et travaille à Paris.
Son œuvre
A partir de son arrivée en France, Li Shuang a opéré un bouleversement dans sa peinture réalisant des collages et peintures à l'huile. Elle représente surtout des visages et bustes de personnages. Elle juxtapose les femmes et les fleurs pour créer une relation entre elles. Ses corps féminins sont très épurés, les bouches des femmes, petites, pourraient en effet rappeler celles des ‘Dames Tang’, de l’époque éponyme. Son travail combine peinture traditionnelle chinoise et techniques occidentales contemporaines. Il se dégage de ses personnages lumière, méditation, spiritualité. Depuis de nombreuses années, l’artiste multiplie les recherches : huile, pastel, collage et sculptures. « L’univers conduit nos vies à se construire comme des collages dans lesquels se mêlent des couleurs, des textures, des pays ; autant d’éléments variés qui se juxtaposent, se chevauchent et se superposent ».
Expositions
Li Shuang expose dans de nombreux pays, en Asie, Etats-Unis, Europe.
Parmi ses expositions personnelles récentes, citons : en 2016 Li Shuang Solo Exhibition - What the name of…, Beijing ; en 2014, ‘Nous - la conscience de 7 mondes', Today Art Museum, Pékin ; en 2013, ‘L’amour céleste’ Galerie du Triangle, Lyon ; 2010 ‘Le rêve du papillon’, Espace Dialogue, Pékin ; en 2009 ‘C
ollages de Li Shuang’, Galerie du Triangle, Lyon ; en 2008, ‘Retour de la lumière’, Galerie Willem Kerseboom, Amsterdam, ‘Li Shuang 2008’, Centre d'art Dunhuang, Shanghai ; 2007, ‘Far from The Madding Crowd’, Kwai Fung Hin Art Galerie, Hong Kong ; Galerie du Triangle, Lyon, Linda Galerie, Singapour ; 2006, Galerie du Triangle, Lyon, Linda Museum, Pékin, ‘Serene complexity’, Galerie du Monde, Hong Kong ; 2005, Galerie De Arte, Nantes. Invitée par L’Institut Français de Pékin, du 10 au 26 Octobre 2014, l’artiste a présenté une exposition de ses collages En 2015, Li Shuang devrait exposer à la Visionairs Gallery à Paris. L’artiste a par ailleurs participé à de nombreuses expositions collectives comme en 2015 à la Biennale de Florence ; en 2011 le salon de Mars à Genève, en 2010, Opera Gallery à Singapour, Art Tapei ; en 2009, Chine 100 ans d'art, Centre culturel de Chine en France, Haya Art Exhibitions, Guanzhou; en 2008 Art Paris, Art Beijing, Art Amsterdam ; en 2007 Art Singapore. On trouve plusieurs de ses œuvres au National Museum of Modern Art en Corée du Sud et au Fukuoka Museum of Asian Modern Art au Japon.

Ma Desheng

MA DESHENG est un artiste, poète, performeur, d'origine chinoise. Il fût l'un des membres fondateurs du groupe Les Étoiles, premier mouvement artistique d'avant-garde en Chine, aux côtés notamment d'Ai Weiwei, Huang Yong Ping, Wang Keping et d'autres artistes. Il est ainsi une figure emblématique de la résistance artistique et culturelle chinoise. Au printemps 1979, il participe à la première exposition de peinture non officielle organisée à Pékin par le groupe les Étoiles. En 1985, il quitte la Chine pour la Suisse et, en 1986, à l’invitation des fondations Cartier, CIRCA et Royaumont, il se rend en France pour s’établir à Paris.
L’artiste

Ma Desheng est né en 1952 à Pékin. Autodidacte, il a commencé sa carrière comme dessinateur puis comme graveur. Il s’est ensuite formé auprès d’autres artistes chinois aujourd’hui internationalement reconnus. Pendant dix ans, il a été absent de la scène artistique internationale après un accident survenu en 1992, le contraignant à rester alité pendant deux ans à l'hôpital. Il a néanmoins peint près de 4 000 dessins entre 1994 et 2002. Il vit et travaille en France depuis plus de trente ans.
Son œuvre

Entre abstraction et figuration, ses silhouettes féminines seront le véritable sujet de ses tableaux. Elles envahiront ses toiles, décomposées dans l'esprit d'un Henry Moore ou d’un Matisse ». La simplification de ces corps donnera naissance à un nouveau volet de son travail, autour de constructions minérales. Il s'attaque à l'acrylique sur toile en 2002. Des lavis légers et dilués, il passe à une peinture pleine, avec un léger relief, comme pour donner corps à ces silhouettes. Après avoir figuré les paysages et les corps, il montre aujourd’hui des êtres de pierre. Certains estiment que, « la spiritualité sous-tendant toujours son travail, on ne peut se passer de l'analogie avec les cairns néolithiques ou des empilements de pierres tibétains ». Ma Desheng a ainsi toujours été empreint de philosophie taoïste. En Octobre-Novembre 2016, il présentait 'Corps', une série inédite, à l'A2Z Art Gallery à Paris. Cette Série Corps tend à poursuivre les recherches de lignes et de compositions chromatiques de l'artiste, inspirées par le maître des couleurs : Henri Matisse. Dans son ouvrage « Portrait de Ma » - série d'autoportraits sous-titrés par des phrases, de type haïku, prélevées d'un quotidien banal - "des visages alignés semblent former des masques qui s’immobilisent dans des caricatures expressives marquées ou plutôt soulignées". Ma Desheng présentait dans son exposition à l’A2Z Art Gallery début 2018, des sculptures monumentales en bronze (exposées pour la première fois) et des dessins au feutre acrylique. Ce sont des figures dépersonnalisées venant transcender la condition humaine et tisser les liens entre les éléments palpables (la terre), sur lesquels l’Homme se tient debout et grandit, et les éléments immatériels (le ciel), avec lesquels l’homme s’élève et commence à rêver (le ciel).

Pour Ma Desheng, la pierre est l’élément catalyseur de tout être animé d’une énergie, le support témoin de l’éternité. Cette relation à la fois physique et sensible est porteuse d’un espoir de vie éternelle : l’Harmonie ». C’est là que s'entrevoit la philosophie taoïste sur laquelle se base toute la réflexion de l'artiste. Réfléchissant sur la liberté artistique, Ma Desheng est également célèbre pour ses poésies sonores et ses lectures dans le cadre de performances, où la voix tient un rôle aussi important que celui des mots.
Ma Desheng est représenté par l'A2Z Art Gallery

Expositions

Ma Desheng expose à travers le monde. Parmi ses expositions personnelles les plus récentes, citons : en 2020 « Au Coeur des Pierres », A2Z Art Gallery Paris. Il participe aussi à de nombreuses expositions collectives : Art 021, représenté par l'A2Z Art Gallery, Shanghai, Chine, Art Paris Art Fair 2020, représenté par A2Z Art Gallery, Paris, Asia Now Paris Art Fair 2020, représenté par A2Z Art Gallery, Paris, Taipei Dangdai Art Fair, représenté par A2Z Art Gallery, Taipei Nangang Exhibition Center, Taipei

BIO/EXPOS

Ru Xiao Fan

RU XIAO FAN est un artiste contemporain, né en Chine durant la révolution culturelle - à l’époque des cents fleurs, un sujet important pour l’artiste - installé en France depuis 1983.
L’artiste
Ru Xiao Fan est né à Nankin en 1954. Il est Diplômé des Beaux-Arts de l’Ecole Normale Supérieure de Nankin (1982) et de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris (1986). Il était artiste invité à la Casa Velasquez à Madrid en 1988 et 1990. Il vit et travaille à Paris depuis 1983.
Son œuvre

Après son arrivée en France en 1983, Ru Xiao Fan a commencé à réaliser ses premières peintures à l’encre de Chine. "A cette époque, je cherchais ma voie. Je tentais d’établir un lien entre mon apprentissage de la calligraphie chinoise et l’histoire de l'art occidental", explique l’artiste. De 1996 à 2000, Ru Xiao Fan réalise sa série des Cent fleurs, 100 huiles sur toile, en référence à la censure artistique et politique durant la Révolution culturelle, qui l’ont poussé à quitter la Chine. L'artiste invente son propre langage floral. Ses peintures montrent les fleurs comme anthropomorphiques, en groupes ou comme des extensions du corps humain. De 2004 à 2009, Ru Xiao Fan créé une autre série intitulée Bubble Game, toujours en lien avec la situation et l’évolution de la Chine. Bubble Game, ce sont des natures mortes hyperréalistes dans lesquelles s'accumulent jouets, visages et bulles. Le peintre commence cette série au moment de l'explosion économique de la Chine, qu'il découvre en 2005, lors de son retour dans son pays à l'occasion d'une exposition au Musée d'art contemporain de Shanghai. Ru Xiao Fan met en scène les désirs que nous éprouvons pour les objets, à tous les âges et jusqu’à l'indigestion de surconsommation.

Depuis 2013, l’artiste se concentre sur la condition humaine. "C'est comme si j'étais arrivé dans une autre dimension, plus méditative. Je peins des natures mortes sous cloche, de manière faussement réaliste, comme des trompe-l'œil. J'ai pensé à une phrase d'un philosophe qui disait que, quand Dieu regarde les humains en train de réfléchir, il rit." Dans sa série Couronne (symbole du pouvoir) la couronne est systématiquement suspendue au-dessus de petits théâtres de personnages. Métaphore de la menace, du contrôle que représente le pouvoir.

Expositions

Ru Xiao Fan expose tant en Europe qu’en Chine.
Du 11 Mars au 8 Juin 2020, le Musée Guimet à Paris avait donné carte blanche à Ru Xiao Fan. L'artiste avait imaginé pour le MNAAG un panthéon de 72 divinités, délicates, sculptées en porcelaine de Jingdezhen. L’assise de ces sculptures est composée de bols de cuisson des fours Song que l’artiste a découvert par hasard il y a dix ans sur un marché de la ville de Jingdezhen. L’exposition était reportée pour raisons sanitaires du 8 Juillet au 21 Septembre 2020.

BIO/EXPOS

Shen Yuan

SHEN YUAN est une artiste contemporaine d’origine chinoise. En 1985, elle a fait partie du Xiamen Dada group, explorant l’art d’avant-garde sous haute pression politique. Après la répression de Tiananmen en 1989, elle rejoint son mari, l'artiste Huang Yong Ping, à Paris.
contact : Galerie Kamel Mennour
L’artiste
Shen Yuan est née en 1959 à Xianyou, en Chine. Elle est diplômée de l’Académie des Beaux-arts du Zhejiang. Elle vit à Paris depuis 1990.

Son œuvre

Début 1989, Shen Yuan exposait, aux côtés de 184 autres artistes d’avant-garde dans le cadre de «l’ Exposition d’art contemporain chinois » à la galerie nationale des Beaux-Arts de Pékin. Installée à Paris depuis, sa création tournera autour de la difficulté de l’intégration, notamment par la barrière de la langue. En 1994, elle expose ainsi l’une de ses œuvres les plus puissantes « Perdre sa salive » : de grosses langues de glace installées dans une cave qui fondent peu à peu, laissant apparaître leur ossature.
Les installations de Shen Yuan sont spectaculaires et esthétiques tout en témoignant d’une délicate sensibilité. Pour elle, "l’art signifie renaissance dans un nouveau corps". Il y a deux éléments majeurs dans son travail : la langue et les cheveux. "La langue a plusieurs niveaux de signification et de possibilités. En art, il y a un sens métaphorique de la langue, c’est-à-dire le physique et le spirituel. Dans mon travail, il s’agit plus de spirituel", déclare l’artiste. Shen Yuan a par ailleurs grandement magnifié les longs cheveux, image traditionnelle associée aux femmes, utilisant pour les décrire de longs fils de coton.

En Mars-Avril 2017, Shen Yuan avait une exposition rétrospective intitulée "Without Wall" au Beijing Minsheng Art Museum. L'une de ses oeuvres dans cette exposition "I was seen, I was not obvious", était une métaphore du problème de l'immigration en Europe. Des boîtes à lumière gris-bleu sur le sol représentaient des yeux bleus et plusieurs canots de sauvetage à bout de souffle.
Expositions
BIO/EXPOS

Wang Du

WANG DU est un artiste contemporain chinois installé en France depuis 1990. Il réalise de spectaculaires intallations.
L'artiste
Wang Du est né le 25 Décembre 1956 à Wuhan, province de Hubei, en Chine. Il s’est formé aux Beaux Arts de Guangzhou. Dans les années 1980, il est devenu professeur d'architecture et s’est engagé dans l'avant-garde.  Il a été professeur à l'Université Paris VIII, aux Beaux Arts de Brest et à l'Ecole des Beaux Arts de Paris. Il est installé en France depuis 1990 ; il vit et travaille à Alfortville, près de Paris. Wang Du est représenté par la galerie Laurent Godin.
Son œuvre
Wang Du déclare, “I am media, I am reality, I am image”. “Je suis le porte-parole de la réalité et des masses", ajoute-t-il. 
L'artiste est l'auteur de spectaculaires installations. Il décortique les journaux, ausculte la télé, surfe sur Internet. Il en retient les images les plus étonnantes, liées à la politique, au show-biz ou à la culture populaire, et les recycle en 3D. Il en sort des sculptures de résine, massives, aux postures provocantes, aux expressions étonnantes et aux couleurs criardes ; il utilise le plâtre : « parce qu’on traite de l’information, ce doit être lourd à faire, lourd à digérer ». Il mélange allègrement l'anecdote sociale et l'événement politique majeur, et met ainsi en exergue le télescopage du monde des images ; il dénonce leur puissance et leur pouvoir de manipulation sociale, intellectuelle et économique.
Wang Du s'est fait connaître sur le plan international lors de la Biennale de Venise de 1999, grâce à une installation de 11 sculptures en plâtre, intitulée Marché aux puces. Sur une table de 9 mètres de longueur se côtoyaient Monica Lewinsky, Yasser Arafat et Patrick Poivre d'Arvor, une sorte de reflet du télescopage médiatique de l'époque. Dans le cadre de l’année de la Chine en France en 2004, le Palais de Tokyo avait accueilli la dernière étape de la « parade » Wang Du, une tournée/exposition des installations de l’artiste montrées dans plusieurs villes françaises à la Criée à Rennes, le Rectangle à Lyon, et aux Abattoirs à Toulouse, à Nantes et à la Vancouver Art Gallery.
La galerie Laurent Godin 2 à Paris 13ème présentait fin 2016 "La Clinique du monde" de Wang Du : le visiteur était invité à entrer dans un labyrinthe de voiles blancs qui découpaient l'exposition en onze pièces comme autant de services hospitaliers.
Du 7 Octobre 2017 au 7 Janvier 2018, Wang Du présentait « Réalité jetable (détail) 2000-2017 », à Dijon, une oeuvre autour de la durée limitée, devenue la norme de toute chose dans notre environnement quotidien. Quinze sculptures en plâtre - suspendues au plafond - exploraient la notion consumériste du jetable au travers de divers objets de la société de consommation : une moto de sport, un téléphone portable muni de réacteurs tel une fusée, une boîte de conserve ou une femme munie de gants de boxe.
Du 14 juillet au 23 août 2018, Wang Du avec l’artiste chinoise An Xiaotong faisaient l’objet d’une exposition intitulée « Paysage » à la Tang Contemporary Art, Beijing Space II. L’exposition, centrée sur le paysage, montrait comment Wang Du et An Xiaotong comprennent les qualités contemporaines des images anciennes de paysage dans le contexte de notre société globalisée. Pour ces paysages, Wang Du a repris la technique utilisée dans ses travaux antérieurs pour traduire des images 2D en images 3D. Il a sélectionné trois paysages chinois anciens classiques : Wang Ximeng’s One Thousand Li of Rivers and Mountains et Yan Wengui’s Pavilions Along Mountains and Rivers from the Northern Song period, et Wu Yuanzhi’s Red Cliffs de la dynastie Jin, les transformant en images 3D et en utilisant le verre.

Expositions
Wang Du expose en France et en Asie. Citons ses dernières expositions personnelles : 2018, Tang Contemporary Art (Wang Du & An Xiaotong Dual-Solo Exhibition), Pékin ; 2017-2018 « Réalité jetable (détail) 2000-2017 », Consortium Museum, Dijon, France ; 2016 "La Clinique du monde", galerie Laurent Godin, Paris 75013 ; 2012 "Image Absolueé, Armory Show, New York ; 2011, "Image Absolue", galerie Laurent Godin, Paris 75013.
Expositions collectives : 2020-2021 « Alain Gautier » par Wang Du, « Regards hors champ et paysages », Agnès B., La Fab, Paris 75013

Wang Keping

WANG KEPING est un sculpteur contemporain d’origine chinoise. Le bois constitue un de ses matériaux de prédilection. En 1979, il était l’un des fondateurs du premier groupe d’artistes chinois Les Etoiles (Xing Xing) dans lequel on trouvait aussi Ai Weiwei. Il a été garde-rouge en 1966. Il est internationalement reconnu sur la scène artistique contemporaine. En Mai 2011, une oeuvre “Idole” a atteint 920 000 HK$ (89 000 €) chez Christie’s Hong Kong, lors d’une vente d’art contemporain d’Asie. En Mai 2016, une autre sculpture en bois 'Idol' s'est vendue 90 120 $ chez Christie's HK. Avec des ventes cumulées de 505.135 euros, le sculpteur Wang Keping se situait au 291ème rang du classement de la société Artprice (Produit des ventes) du marché de l’art dans le monde en 2017/2018.
contact : https://www.wangkeping.com/
https://www.instagram.com/wang_keping_sculpture/

L’artiste
Wang Keping est né à Pékin en 1949. En 1984 il est expulsé de Chine et s’exile en France où il vit depuis et à Paris depuis 1988. Wang Keping est un autodidacte.

Son œuvre

Wang Keping a une passion pour la nature et le corps. Ses sculptures sont essentiellement basées autour de 3 thèmes : la femme, l'oiseau et le couple. On compare souvent les œuvres de Wang Keping à celles d'artistes comme Auguste Rodin ou Henry Moore et surtout Constantin Brancusi - une affiliation dont Wang Keping est fier.

L’artiste réalise ses premiers travaux avec le bois en 1978. Ses premières œuvres, Silence (1978), une sculpture devenue emblématique de la résistance aux canons esthétiques prônés par le gouvernement (la sculpture représente un visage borgne, déformé par une bouche hurlante étouffée par un cylindre) encore Idole (1979), un buste caricatural de Mao, le contraindront à s’exiler. Elles seront exposées au Centre Pompidou en 1989.

Après son arrivée en France, Wang Keping abandonne ses sujets politiques mais pas sa matière vivante, le bois, pour représenter principalement le corps féminin. La sculpture de Wang Keping est à la fois figurative et abstraite, primitive et raffinée, utilisant le caractère charnel du bois, que souligne la patine au feu. Mais il évolue constamment, ainsi il utilise le bronze en montrant parfaitement les veines du bois. L’artiste est dans une quête esthétique et spirituelle inspirée par la philosophie taoïste, les sculptures de la dynastie des Han et par l’art de la Chine rurale.
Les œuvres les plus caractéristiques de l’artiste sont aujourd’hui ses sculptures de femmes voluptueuses, avec des poitrines démesurées, "entre le grotesque et l'érotique" estiment certains ; on pouvait les voir dans l’exposition “La chair des forêts”, au Musée Zadkine de Paris en 2010. « Les gens voient ça et ils disent ‘ah, mais vous aimez les femmes aux gros seins, » confiait l’artiste. « Mais dans la vie, c’est le contraire. Dans la sculpture, il faut avoir du volume, il faut exagérer ». En témoignent ses deux figures monumentales : «Jeunesse» et «Maternité» exposées au Parc Monceau devant le Musée Cernuschi dans le cadre de l’exposition « Artistes chinois à Paris » en 2011. "Un fort courant sexuel définit aussi ses personnages mâles, et parfois des hybrides comme “Adam et Ève” (2006), ou cohabitent une érection et les lèvres d’un sexe féminin". L’œuvre 'Maternité' de l’artiste est entrée dans la collection permanente du musée Cernuschi en 2013, un don du sculpteur. L’exposition présentée par la Galerie Nathalie Obadia à Bruxelles en 2018 était ainsi intitulée « Simplicité, nature, sensualité". En 2016, l’Aktis Gallery organisait une exposition « China Black », dédiée à Zao Wou-Ki et Wang Keping, deux artistes immigrés, dans le cadre de l’Asian Art à Londres.

Expositions
La galerie Zürcher défend le travail de l’artiste depuis son arrivée en France.

BIO/EXPOS

Wong Wa

WONG WA est un artiste contemporain d’origine chinoise installé en France depuis 1984. Son art est multiple entre sculpture, peinture, calligraphie, céramique, papiers découpés, collages.
 contact : https://en.wong-wa.com/

L’artiste
Wong Wa est né dans la Province côtière du Fujian en 1953. Il est diplômé de l'Ecole des Beaux Arts de Fujian. En 1978, il décide de quitter la Chine pour Hongkong où il restera jusqu’à 1984. Tout en réalisant des affiches publicitaires notamment de cinéma à Hong Kong, il approfondit également ses connaissances dans le domaine de l’art, notamment la calligraphie et les sceaux. En 1984 il décide d’émigrer à nouveau, vers la France. Il y suit les cours de l’école des Beaux Arts de Paris et de l’Ecole du Louvre. Actuellement il vit et travaille à Paris. Il enseigne aussi la calligraphie et la peinture chinoise au sein de diverses écoles et institutions (Musée Guimet, Paris, Créteil, Angers).
Son œuvre

A partir de 1980, Wong Wa a commencé à réaliser ses premières séries de sculptures. « De grands chapitres composent l’œuvre sculpturale de Wong Wa. Presque toujours sous le signe de la série, elle se décline en bestiaires, sculptures anthropomorphes, masques, muraux, totems, cavaliers solitaires qui retrouvent vie dans le bois, métal, plâtre, céramiques, béton » ; il déchire par ailleurs ou découpe le papier qu’il assemble en d’intéressants collages. « Une des grandes séries fondatrices de l’œuvre de Wong Wa est celle du Cavalier Solitaire qu’il a déclinée sous de multiples formes et dans différents matériaux. Le mythe du cavalier solitaire remonte à l’époque des Tang. Il est devenu avec Cervantès et son héros Don Quichotte, un des mythes littéraires les plus connus au monde ». Ce cavalier est aussi un symbole du monde occidental pour Wong Wa. Il fut en effet frappé lors de ses voyages en Europe par le nombre important de statues équestres dans les villes et villages. Dans sa Série peintures ‘Histoire ancienne’, l’artiste mélange personnages du passé en Chine et actualité politique mondiale, usant ici de la forme caricaturale. Ses paysages sont tout à la fois inspirés par la Chine et l’Occident, le trait du pinceau et l’usage de l’encre relevant par contre de la technique traditionnelle chinoise. Wong Wa créé des masques : en bois, plastique, béton et ferraille rouillée pour ses sculptures, et en papiers découpés pour lesquels il s’inspire des livrets traditionnels de l’opéra ou du théâtre. A partir de pièces détachées de vélos, il compose d’élégantes sculptures. Il propose par ailleurs un jeu de « casse-tête chinois » avec des sculptures d’un rouge flamboyant. Wong Wa témoigne enfin de sa présence en France avec sa Série papiers découpés et impressionnisme ou ses Paris en papier.

L’art de Wong Wa témoigne d'un incessant aller-retour entre l’Orient et l'Occident, entre une représentation figurative et une représentation abstraite, entre le passé et le présent. Dans ses œuvres, il « allie sa recherche dans le domaine de la calligraphie (au niveau des idéogrammes et des techniques) à une recherche conceptuelle qui le rattache à l'art moderne ». L’artiste a appris des grands maîtres en Occident, tout en restant toujours imprégné de la riche tradition culturelle, littéraire, esthétique et philosophique et en particulier par l’ancien courant philosophique du Taoïsme. A ce jour, Wong Wa a déjà créé 6 000 œuvres.

Expositions
BIO/EXPOS

Yan Pei-Ming

YAN PEI-MING est un artiste chinois contemporain largement reconnu au niveau international. Il est installé en France depuis 1983.
Yan Pei-Ming se situait en 2018/2019, à la 217ème place du classement Artprice des 500 premiers artistes contemporains dans le monde avec des revenus cumulés de ventes de 794,308 $. Il occupait la 61ème place du Top 1,000 des artistes contemporains vendus aux enchères du Artprice Report - de 2000 à 2019 - avec un chiffre d’affaires de 57.029.680 m$.
http://www.yanpeiming.com/
Actualité
Une exposition inédite consacrée à la vie et l’œuvre de Yan Pei-Ming est prévue au Musée Unterlinden à Colmar du 2 Avril au 6 Septembre  2021. L'exposition intitulée « Yan Pei-Ming – Au nom du père », rassemble quatre décennies de la carrière du peintre.
L'artiste
Yan Pei-Ming est né à Shanghai en 1960. En 1983, il arrive en France et s'installe à Dijon. Il étudie pendant cinq ans à l'école des Beaux Arts de Dijon (1981-1986), puis à l’Institut des Hautes études en Arts Plastiques de Paris (1988-1989). En 1993, il a été pensionnaire à la villa Médicis à Rome. Il vit eà Dijon depuis 1982. Il travaille dans son atelier à Dijon et à Ivry-sur-Seine.
Son œuvre
Yan Pei-Ming est un portraitiste qui s'intéresse à l'actualité. Il a grandi sous la révolution culturelle : « Quand j'étais petit, j'avais deux rêves : dessiner des affiches de cinéma ou faire des portraits funéraires. Aujourd'hui, j'ai fusionné… J'ai commencé à peindre à 13 ans, des grands portraits pour la propagande, des soldats, des ouvriers et bien sûr Mao Zedong, le grand Timonier».

BIOGRAPHIE/OEUVRE

EXPOSITIONS

Yang Jiechang

YANG JIECHANG est un artiste chinois contemporain. L’artiste a été invité à exposer ses œuvres à Paris dans l’exposition du Centre Pompidou en 1989, « Les Magiciens de la Terre ». C'est alors qu'il a décidé de s’installer définitivement en France. 
Avec des revenus annuels de 523,927€, Yang Jiechang se classait au 275ème rang/500 du classement Artprice (Produits des ventes) du marché de l’art dans le monde en 2013/2014. En Avril 2014, une œuvre de l’artiste « Untitled » s’est vendue chez Sotheby’s Hong Kong pour 500 000 HK$. 
contact : https://jeannebucherjaeger.com/fr/artist/yang-jiechang/
Actualité
Yang Jiechang fait partie des artistes présentés par la galerie Jeanne Bucher Jaeger à la FIAC Online Viewing Rooms, du 4 au 7 Mars 2021
L'artiste
Yang Jiechang est né en 1956 dans la ville de Foshan, près de Canton. Il est diplômé de l’Académie des Beaux Arts (peinture) de Guangzhou (1982). De 1982 à 1988, il a été professeur à l'Académie des Beaux-Arts de Canton. Depuis 1989 il vit à Paris et à Ittlingen en Allemagne. En 1992-1993 il a été boursier de la Pollock-Krasner Foundation, à New York, et en 2003 il était en résidence à la Kunst Werke à Berlin, soutenu financièrement par l’AFAA française et le gouvernement allemand.
Son œuvre
Le Taoisme a donné à Yang Jiechang un langage mental et spirituel dans lequel il puise pour construire son travail. Il a choisi de renoncer à toute représentation, allusion, symbolisme. Il peint à l’encre de Chine avec en superposition du papier de riz collé ou balorsien; il utilise des couleurs minérales. Après son diplôme des Beaux Arts, Yang Jiechang a en effet étudié le taoisme avec des maîtres, à l'opposé de son adolescence empreinte de communisme ; il a été membre des garderouges quand il était enfant. Aujourd’hui, le travail de Yang Jiechang continue de mélanger les modes de représentation traditionnels chinois avec l’esthétisme des mouvements occidentaux comme le minimalisme, le conceptualisme et l’abstraction. Alors que son travail s’inspire de l’occident, il se sert de matériaux typiquement chinois comme la soie, la porcelaine ou l’encre de Chine. Il a produit jusqu’à 3000 reproductions d’os humains ou de crânes, peints sur porcelaine. Dans beaucoup de ses œuvres, Yang Jiechang propose au spectateur une position qui vise à transcender la dualité: il n'y a ni traditionnel ni contemporain, ni oriental, ni occidental, ni politiquement correct ni subversif, ni beau ni laid, ni bon ni mauvais. La prise de conscience de l'existence d'une position intermédiaire, d'une vision alternative dépassant la perception dialectique du monde, a marqué très tôt la manière de penser de Yang Jiechang et constitue sa stratégie pour se rapporter à la réalité et à la vie de façon plus profonde.
Depuis son émigration en 1989, Yang Jiechang n’a cessé de travailler sur une série d’encres. En 2016, la galerie ARNDT, à Singapour, présentait ses travaux dans une exposition intitulée ‘100 Layers of Ink’.
BIOGRAPHIE/OEUVRE

EXPOSITIONS

Zao Wou-Ki

 

ZAO WOU-KI est un artiste contemporain d'origine chinoise. Il est considéré comme  l'un des plus illustres représentants de l'abstraction lyrique. Il a été à la fois peintre, peintre-cartonnier, graveur, lithographe, illustrateur. Son oeuvre, «Abstraction » (1958) a établi un record avec 89,7 millions de yuans (14 millions $) chez Sotheby's à Pékin en Décembre 2013. L'enchère record précédente pour une œuvre de l’artiste “15.01.82 (Triptych)” avait été établie lors des ventes de Sotheby's à Hong Kong le 5 octobre 2013, atteignant 85,2 millions HKD (11 millions $). Le 5 Octobre 2016 toujours chez Sotheby's Hong Kong, son oeuvre 'Paysage dans la lune' (1954-1955) s'est vendue 5,8 millions $. En Mai 2017, chez Christie's Hong Kong, son oeuvre « 29.09.64 » (1964) a atteint un record mondial au prix de 15,8 millions KHD (19,7 millions USD)​. « Dordogne » s’est vendue chez Bonhams en Novembre 2017, 11 380 000 HKD (1,5 million Usd).  Nouveau record en 2018 avec "Et la terre était sans forme" (1956) lors de la vente aux enchères de la Poly Auction’s Spring 2018 : 1,8 milliard de RMB (234 677 513,98 €). Le 27 Mai 2018, Zao Wou-Ki obtenait chez Phillips Hong Kong  HK$69.8m ($8.9m) pour sa peinture « 04.01.79 » (1979) et dominait par là-même la vente du jour. Chez Christie's le 26 Mai 2018, sa peinture ‘14.12.59 » a obtenu 176,7 M $ (22,6 M $). ZAO WOU-KI a réalisé les meilleures ventes aux enchères chez Christie’s et Phillips Hong Kong en Mai 2019. Son Triptyque 1987-1988, Hommage à Matisse et Manet, s'est vendu 178,000,000 HKD le 25 Mai 2019 et l’ensemble des 8 peintures de l’artiste franco-chinois mises en ventes chez Christie’s ont rapporté 50 m$, soit 45 % du chiffre d’affaires total de la vente. Une peinture de Zao Wou-Ki « 24.1.61/62 » s’est aussi vendue 4 662 600 €, à savoir trois fois son estimation chez Artcurial, à Toulouse, le 4 Juin 2019. C’est le plus haut prix pour une œuvre de l’artiste vendue aux enchères hors d’Asie. Sa peinture « 12.2.69 » a été vendue 1.749.477 million $ chez Phillips HK, le 3 Décembre 2020.
Zao Wou-Ki se situe au troisième rang du classement Artprice 2018 (Produits des ventes), juste derrière Pablo Picasso et Claude Monet.

http://www.zaowouki.org/ 
L'artiste
Zao Wou-Ki est né à Pékin le 1er février 1920. En 1935, à 14 ans, il réussit l'examen d'entrée à l'École des Beaux Arts de Hangzhou où il étudie pendant six ans les techniques occidentales (dessin, peinture à l'huile, perspective) et chinoises (peinture traditionnelle, calligraphie) avec des professeurs chinois et européens. Il y est nommé lecteur après six ans d'études. En 1948 il décide de s'installer à Paris, dans le quartier du Montparnasse. En 1980 il est nommé professeur de peinture murale à l'École nationale supérieure des arts décoratifs (1980-1984). Pierre Soulages, Joan Miró, Henri Michaux faisaient partie de ses amis. Il décède le 9 avril 2013 à Nyon (Suisse).

Son œuvre
A travers son œuvre, Zao Wou-Ki réussit la synthèse entre les moyens techniques de son héritage extrême oriental et l'ambition plastique et poétique de l'abstraction lyrique occidentale. Il est en effet passé à l'abstraction en utilisant des encres de Chine et la calligraphie. "Zao Wou-Ki, peintre des forces élémentaires et du surgissement de l'être, une vie d'homme passée à sonder et à scruter les formes et le sens en jetant à la rencontre l'un de l'autre l'Orient et l'Occident, chercheur d'absolu qui enferme dans la couleur les paysages de  l'esprit, chaman des initiations et des métamorphoses ", déclare Dominique de Villepin, ancien premier ministre, sur le site de la Fondation Zao Wou-Ki.
L’œuvre de Zao Wou-Ki est multiple dans son expression : huiles, aquarelles, estampes,  encre, décors de ballets pour Roland Petit, céramiques, vitraux pour une église d’Indre et Loire, lavis, lithographies, illustration de livres, de bouteilles de Champagne, etc. Il a aussi exécuté des œuvres monumentales sur commande, notamment pour son ami et compatriote architecte I.M Pei.
Expositions

Depuis 1941, les expositions des oeuvres de Zao Wou-Ki se sont succédées à un rythme soutenu dans tous les pays du monde et dans les plus grands musées.
La dernière exposition consacrée à Zao Wou-Ki « L’Espace est silence » était organisée par le Musée d’Art Moderne à Paris du 1er Juin 2018 au 6 Janvier 2019. Elle réunissait  pour la première fois un grand nombre de polyptyques et de peintures de grands formats issus des principales collections européennes et asiatiques.

EXPOS