Evènements, Expositions autour de l art contemporain asiatique

Asian Contemporary Art/Events & Exhibitions

Mise à jour 21 Septembre 2018  



Actualité de l'art contemporain asiatique dans le monde  

 

 


Kim Solbi, "Crossing" exhibition, CCC 2018

 « CROSSING », UNE EXPOSITION DE L’ARTISTE COREENNE KIM SOLBI AU CENTRE CULTUREL COREEN : INSTALLATION VIDEO, PHOTO & DESSIN, DU 12 SEPTEMBRE AU 15 NOVEMBRE 2018
« Crossing », a solo exhibition of Korean artist Kim Solbi at Centre Culturel Coréen : video installation, photo & drawing, from 12 September to 15 November 2018

Inspirée par une expérience traumatique, qu’elle a vécue enfant, enfermée dans un ascenseur, l’artiste coréenne Kim Solbi a entrepris un travail artistique sur la lumière. En effet lorsque la jeune coréenne a été finalement libérée, c’est d’abord un rai de lumière qu’elle a vu entrer à travers une petite fente dans la cabine. Outre cette lumière salvatrice, c’est aussi le regard lumineux de ses sauveteurs qui reste gravé dans sa mémoire. Cette scène, cette image de l’apparition de la lumière a profondément marqué Kim Solbi, à tel point qu’elle continue aujourd’hui à mener ses réflexions artistiques autour du thème de l’ombre et de la lumière. Cette exposition est la première exposition personnelle de Kim Solbi. Née en 1989 à Ulsan, elle a suivi des études artistiques en Corée du Sud et en France où elle vient notamment de commencer un Master en Arts plastiques à Paris I Panthéon-Sorbonne.
L’exposition a lieu au Centre Culturel Coréen, 2 avenue d’Iéna, 75016 Paris, du 12 Septembre au 15 Novembre 2018

 


Zhao Zhao, Constellations, oil on canvas, 2018
Tang Contemporary Art

EXPOSITION DU JEUNE ARTISTE CHINOIS INNOVANT ZHAO ZHAO A LA TANG CONTEMPORARY ART GALLERY, HONG KONG, JUSQU’AU 22 SEPTEMBRE 2018
Exhibition of the young innovative Chinese artist Zhao Zhao at Tang Contemporary Art Gallery, Hong Kong, till 22 September 2018

La Tang Contemporary Art Gallery à Hong Kong présente la toute nouvelle exposition de l’artiste chinois Zhao Zhao, «One Second – One year ». Organisée par Barbara Pollack, professeur à la School of Visual Art de New York, cette exposition explore les aspects du temps et la manière dont le temps modifie notre perception des œuvres d'art. Dans cette exposition l’artiste cherche à établir avec ses dessins un dialogue sur les représentations du temps. Pour créer ses dessins "One Second", l'artiste tenait dans une main dix crayons et en une seconde, il dessinait sur un morceau de papier un groupement de lignes. Les «Jade constellations» venaient s'ajouter aux constellations originales en introduisant un nouvel élément - des cercles de jade - dans des trous de verre. En ajoutant les cercles de jade à ces œuvres en verre, Zhao Zhao introduit la notion de temps dans les œuvres d'art. Soudain, les constellations ne sont plus seulement des réflexions sur le monde contemporain mais elles rappellent aussi 5 000 ans d'histoire.
Zhao Zhao, né en 1982, est considéré comme une figure importante de la jeune génération d’artistes chinois contemporains. Son œuvre est souvent associée à des positions anti-autoritaires ou non-conformistes. Il a été l'assistant du célèbre artiste chinois Ai Weiwei pendant quelques années après ses études.
L’exposition a lieu à la Tang Contemporary Art Gallery, Hong Kong, du 8 Août au 22 Septembre 2018

 


Li Donglu, Terre, oil on canvas, 2018
A l'Aube du Chaos, A2Z Art Gallery

L’ARTISTE CHINOIS LI DONGLU PRESENTE « ZAO WU, A L’AUBE DU CHAOS », A L’A2Z ART GALLERY, PARIS, DU 8 SEPTEMBRE AU 6 OCTOBRE 2018
Chinese artist Li Donglu presents "Zao Wu at Dawn of Chaos"», at A2Z Art Gallery, Paris, from 8 September to 6 October 2018

L’A2Z Art Gallery présente « Zao Wu, à l’Aube du Chaos », la troisième exposition personnelle à la galerie de l’artiste chinois installé en France Li Donglu. Celui-ci invite le public à ressentir la puissance du 造物(« Zao Wu » en pinyin). Le « Zao Wu » incarne en Chine une force divine à l’origine de la création de l’Univers. Pour peindre ses paysages Li Donglu choisit d’utiliser la première lueur du soleil levant : l’Aube. « Pour l’artiste, ces paysages ressentis a priori comme de grandes étendues silencieuses et tranquilles sont, en réalité, des représentations de mondes en tension prêts à éclater à tout moment. Les trainées de lave coulant le long des roches ou les feux sillonnant les racines des arbres vibrent alors tels des signes annonciateurs d’un milieu où règne la confusion, le désordre : le Chaos. C’est la lumière bénéfique de l’Aube qui révèle toute la puissance de la Nature dont le destin est voué à la destruction. Dès lors, le « Zao Wu » entre en résonance au moment où la Nature, si tranquille d’apparence, peut à tout moment libérer son incommensurable énergie là où la surface terrestre est prête à éclater et renaitre de ses cendres… ».
L’exposition est présentée à l’A2Z Art Gallery, 24 rue de l’Echaudé, 75006, Paris, du 8 Septembre au 6 Octobre 2018
A2Z Art Gallery Dossier de presse

 


Dinh Q Lê, video, The Imaginary country, 2007

L’ARTISTE VIETNAMIEN DE RENOMMEE INTERNATIONALE DINH Q LE EXPOSE VIDEOS ET PHOTOS AUTOUR DE LA GUERRE ET DES MIGRATIONS, AU SAN JOSE MUSEUM OF ART (CALIFORNIE), A PARTIR DU 14 SEPTEMBRE 2018
Internationally-renowned Vietnamese artist Dinh Q. Lê presents videos and photography installations about war and migrations, at San Jose Museum of Art (California), from 14 September 2018

Du 14 Septembre 2018 au 7 Avril 2019, le San Jose Museum of Art (Californie) présente la plus grande exposition personnelle aux États-Unis en plus de dix ans de l'artiste vietnamien de renommée internationale Dinh Q. Lê, "Dinh Q. Lê: True Journey Is Return", qui comprend cinq installations vidéo et photographiques majeures mêlées à des récits de guerre et de migration. En rassemblant ces histoires à travers une collection de photographies trouvées, de dessins de guerre d’artistes et d’histoires orales, Dinh Q Lê montre une histoire aux multiples facettes de la vie vietnamienne avant, pendant et après la guerre du Vietnam. Ce faisant, il questionne la viabilité de la mémoire collective et révèle les effets du traumatisme sur l'imagination culturelle. L’exposition offre aussi une sélection de photos tissées florales de l’artiste rarement vues.
L’exposition a lieu au San Jose Museum of Art, California, Usa, du 14 Septembre 2018 au 7 Avril 2019

 


Yang Jiechang, Mustard seed garden III,
ink and mineral colours on silk, 2010

« SIX TWO ZEN », une exposition personnelle de l’artiste chinois Yang Jiechang proposée par Tang Contemporary Art à Pékin, du 1er septembre au 18 Octobre 2018
«Six Two Zen», a solo exhibition of Chinese artist Yang Jiechang, organized by Tang Contemporary Art in Beijing, from 1st September to 18 October 2018

La Tang Contemporary Art gallery présente «Six Two Zen» de l’artiste chinois installé en France,Yang Jiechang, du 1er septembre au 18 Octobre 2018. Cette exposition comprend une vidéo et trois ensembles d'oeuvres très différentes, créées au cours des 15 dernières années comme : Scroll of Secret Merit (2004) et Underground Flowers (2004), Tale of the 11th Day et Stranger than Paradise (2010-2018), et aussi These are Still Flowers (2012 -2018). Dans beaucoup de ses œuvres, Yang Jiechang propose au spectateur une position qui vise à transcender la dualité: il n'y a ni traditionnel ni contemporain, ni oriental, ni occidental, ni politiquement correct ni subversif, ni beau ni laid, ni bon ni mauvais. La prise de conscience de l'existence d'une position intermédiaire, d'une vision alternative dépassant la perception dialectique du monde, a marqué très tôt la manière de penser de Yang Jiechang et constitue sa stratégie pour se rapporter à la réalité et à la vie de façon plus profonde. « Six Two Zen » est le titre d'une vidéo montrant l'artiste en train de faire un visage terrible comme celui du dieu du tonnerre Leigong.
L’exposition a lieu à Tang Contemporary Art, Beijing Space II, du 1er Septembre au 18 Octobre 2018

 


Anish Kapoor, Descent into limbo, 1992
Photo Filipe Braga, courtesy Fundação de Serralves

L’ARTISTE INDIEN ANISH KAPOOR EXPOSE AU MUSEUM OF THE SERRALVES FOUNDATION A PORTO, PORTUGAL, JUSQU’AU 6 JANVIER 2019
Indian artist Anish Kapoor has a solo exhibition at Museum of the Serralves Foundation, in Porto, Portugal, till 6 January 2019

Le Museum of the Serralves Foundation présente “Anish Kapoor: Works, thoughts, experiments”, une sélection de sculptures, en plein air, dans le parc de Serralves, représentatives du langage sculptural d'Anish Kapoor, "dont la matérialité, l’échelle et les relations avec l’architecture, le paysage et le spectateur sont constitutifs". 56 modèles de projets réalisés et non réalisés conçus au cours des 40 dernières années sont aussi présentés dans l’espace d’exposition central du Musée Serralves. Parmi ceux-ci, l’œuvre « Descent into limbo » (1992), un cube en ciment à l’intérieur duquel on découvre un trou noir, bien réel (aucune illusion de peinture).
L’exposition a lieu à la Serralves Foundation, Porto, Portugal, du 6 Juillet 2018 au  6 Janvier 2019

 


Ai Weiwei, Spouts, antique teapot spouts, 2015

AI WEIWEI VA PRESENTER “LIFE CIRCLE (2018), UNE NOUVELLE ŒUVRE DEDIEE A LA CRISE DES REFUGIES, A LA MARCIANO ART FOUNDATION, LOS ANGELES (USA), A PARTIR DU 28 SEPTEMBRE 2018
Ai Weiwei will present a new work « Life Circle (2018)», dedicated to refugees’ crisis, at Marciano Art Foundation, in Los Angeles, (USA), from 28 September 2018

La Marciano Art Foundation présente « Life Cycle », une exposition de l'artiste chinois Ai Weiwei, du 28 septembre 2018 au 3 mars 2019. Cette exposition est la première grande exposition institutionnelle d'Ai Weiwei à Los Angeles. Elle inclut sa nouvelle oeuvre - non encore vue - Life Cycle (2018), une réponse sculpturale à la crise mondiale des réfugiés. Life Cycle fait référence à la sculpture monumentale de l’artiste, Law of the Journey 2017, qui utilisait du caoutchouc PVC gonflable pour représenter les embarcations de fortune utilisées pour gagner l'Europe. L’exposition présentera également les installations emblématiques d’Ai Weiwei, "Sunflower Seeds" (2010) et "Spouts" (2015). "Sunflower Seeds" est composé de 49 tonnes de graines de tournesol en porcelaine fabriquées par 1600 artisans d’un ancien centre de production de porcelaine à Jingdezhen, dans la province chinoise du Jiangxi. L'œuvre rappelle entre autres les affiches de propagande de la Révolution culturelle, décrivant Mao Zedong comme le soleil et les citoyens comme des tournesols tournés vers lui. "Spouts" rassemble des milliers de becs de théières antiques remontant à la dynastie Song.  Il peut être vu comme une métaphore de la masse des bouches et l’aspiration généralisée à la liberté d’expression.
L’exposition a lieu à la Marciano Art Foundation, Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, du 28 Septembre 2018 au 3 Mars 2019.

 


Nguyen Trong Minh, Dream, oil and acrylic on canvas, 2018

CTG NOMAD, UNE EXPOSITION DE 17 ARTISTES VIETNAMIENS, A NEW YORK CITY, EN SEPTEMBRE 2018
CTG Nomad, an exhibition of 17 Vietnamese artists, in New York City, from 6 September 2018

La Craig Thomas Gallery annonce une exposition de 17 artistes vietnamiens, à New York, du 6 au 21 Septembre 2018. Parmi les artistes présentés dans le CTG Nomad NYC - 2018, on compte de nombreux peintres de moins de quarante ans parmi les plus doués du pays, dont plusieurs ont moins de trente ans. Ceux-ci travaillent avec une variété de matériaux et utilisent une diversité de pratiques artistiques. Certains continuent à travailler et à innover avec des matériaux traditionnels comme la soie ou le papier, tandis que d’autres poursuivent de nouvelles voies grâce à la combustion du bois. La Craig Thomas Gallery (CTG) a été fondée en 2009 avec pour mission de créer une galerie d'art bien structurée à Ho Chi Minh-Ville, axée principalement sur le développement de jeunes artistes visuels vietnamiens. La CTG Gallery accueille régulièrement des expositions d’artistes confirmés ou émergents. Elle dispose aussi d’un espace à New York où l’exposition CTG Nomad est programmée.
L’exposition Nomad a lieu à Craig Thomas Gallery, 361 Canal Street, Lower Manhattan, NYC, du 6 au 21 Septembre 2018
http://cthomasgallery.com/exhibition/

 


Fang Lijun, 2008-09, acrylic on canvas, 2009

« TURNING POINT – 40 ANS D’ART CONTEMPORAIN CHINOIS », AU LONG MUSEUM, SHANGHAI, JUSQU’AU 7 OCTOBRE 2018
“Turning Point - 40 Years of Chinese Contemporary Art”, an exhibition at Long Museum (West Bund), Shanghai, up to 7 October 2018

Du 16 juin au 7 octobre 2018, le Long Museum (West Bund) à Shanghai présente «Turning Point - 40 years of Chinese contemporary art». L'exposition montre les oeuvres d'une centaine d'œuvres d'artistes significatifs dans l’histoire de l'art contemporain chinois après 1978. Au début des années 90, le développement de l'art contemporain chinois a été rapide dans un nouveau contexte social et culturel. Après le passage au 21ème siècle, la modernisation de la Chine a rendu l'art contemporain chinois plus complexe et changeant. Il a été synchronisé avec le monde en termes de concepts et de techniques. Le Long Museum espère que l'exposition apportera au public une compréhension plus profonde de l'esprit et du caractère unique de l'art contemporain chinois. Parmi les artistes représentés, citons : Cai Guoqiang, Cao Fei, Zeng Fanzhi, Chen Yifei, Chen Zhen, Ding Yi, Fang Lijun, Gu Wenda, He Duoling, Li Shuang, Liu Wei, Liu Xiaodong, Song Yonghong, Wang GuangYi, Xu Bing, Yue Minjun, Zhang XiaoGang, Zhou ChunYa

 


Raqib Shaw The Adoration (After Jan Gossaert) 2015-2016
Courtesy Raqib Shaw and White Cube

« RAQIB SHAW : REINVENTING THE OLD MASTERS », UNE EXPOSITION DE L’ARTISTE INDIEN RAQIB SHAW A LA SCOTTISH NATIONAL GALLERY OF MODERN ART JUSQU’AU 28 OCTOBRE 2018
“Raqib Shaw “Reinventing the Old Masters », an exhibition by Indian artist Raqib Shaw at Scottish National Gallery of Modern Art, UK, till 28 October 2018

8 peintures de Raqib Shaw sont exposées actuellement à la Scottish National Gallery of Modern Art dans le cadre de l’exposition « Raqib Shaw ‘Reinventing the Old Masters’ », jusqu’au 28 Octobre 2018. En plus de celles-ci, Raqib Shaw expose deux autres oeuvres qui l’ont longtemps obsédé : Joseph Noel Paton’s The Quarrel of Oberon and Titania, 1849 et Lucas Cranach’s An Allegory of Melancholy, 1528.
 « L'imagerie de Raqib Shaw est inspirée par les maîtres anciens, mais il peint avec des émaux, en utilisant une plume de porc-épic acéré. À couper le souffle par leur complexité et leur couleur flamboyante, ils sont le produit de mois, souvent d’années de travail intense".
L’exposition a lieu à la Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh, Uk, jusqu’au 28 Octobre 2018

 


"Ai Weiwei Fan-Tan", Mucem, 2018

« AI WEIWEI FAN-TAN », UNE GRANDE EXPOSITION DE L’ARTISTE CHINOIS AU MUCEM DE MARSEILLE A PARTIR DU 20 JUIN 2018
« Ai Weiwei Fan-Tan », an exhibition of the Chinese artist at Mucem (Museum of European and Mediterranean Civilisations) in Marseille, starting June 20, 2018

L'artiste chinois Ai Weiwei nous propose un voyage à travers le temps et son œuvre, qu’il relie à son lignage paternel. Faisant apparaître des résonances inédites, cette exposition permet d’aborder le travail d’Ai Weiwei sous un jour nouveau, avec cinquante œuvres dont deux productions inédites, mises en parallèle avec cinquante objets des collections du Mucem. Ses créations ainsi nous invitent à questionner des concepts opposés comme « Orient » et « Occident », « original » et « reproduction », « art » et « artisanat », « destruction » et « conservation ». Mais, avant tout, elles remettent en question nos systèmes d'interprétation.
L’exposition a lieu au Mucem (Musée des civilisations de l'Europe et de la Méditerranée), Marseille, du 20 Juin au 12 Novembre 2018

 



Zao Wou-Ki, Hommage à Claude Monet,
oil on canvas,1991
collection particulière © ADAGP, 2018

« L’ESPACE EST SILENCE », UNE GRANDE EXPOSITION CONSACREE A L’ARTISTE FRANCO-CHINOIS ZAO WOU-KI AU MUSEE D’ART MODERNE DE LA VILLE DE PARIS, A PARTIR DU 1er JUIN 2018
« L’espace est silence », a major exhibition dedicated to the Franco-Chinese artist Zao Wou-Ki at Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, from 1st June 2018

Le Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris présente la première grande rétrospective de l'artiste franco-chinois Zao Wou-Ki depuis celle de la Galerie Nationale du Jeu de Paume en 2003. Elle est organisée en étroite collaboration avec la Fondation Zao Wou-Ki et comprend une sélection de 40 œuvres de très grandes dimensions dont certaines n’ont jamais été exposées : de grands tryptiques à l’huile ou encore de gigantesques encres de Chine sur papier, issus des principales collections européennes et asiatiques. Le parcours de l’exposition débute au moment où Zao Wou-Ki adopte une expression nouvelle, « abstraite », avec l’œuvre de 1956 intitulée « Traversée des apparences ». Zao Wou-Ki est considéré comme  l'un des plus illustres représentants de l'abstraction lyrique.
L’exposition a lieu au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, 75016, du 1er Juin 2018 au 6 Janvier 2019.
Une Conférence autour de l’artiste Zao Wou-Ki était organisée à la Maison de la Chine avec les deux commissaires de l’exposition - François Michaud et Erik Verghagen - le 18 Juin 2018, 76 rue Bonaparte, 75006 Paris.

 

 


Danh Vō, installation, CAPC Bordeaux, 2018

INSTALLATION SPECTACULAIRE DE L'ARTISTE DANOIS D'ORIGINE VIETNAMIENNE DANH VO DANS LA NEF DU MUSEE D'ART CONTEMPORAIN DE BORDEAUX (CAPC), EXPOSEE JUSQU'AU 28 OCTOBRE 2018
Spectacular installation of the Danish artist of Vietnamese origin Danh Vō in the nave of Bordeaux Musée d’Art Contemporain (CAPC) until 28 October 2018

L’artiste Danh Vō a réalisé pour le Musée d’art contemporain de Bordeaux une installation monumentale composée de 22 blocs de marbre pesant entre 8 et 12 tonnes. L'artiste témoigne de sa capacité à articuler histoire personnelle et collective. Le travail de Danh Vō en effet s'appuie souvent sur des éléments de son expérience vécue personnelle, celle de ses parents et d'autres membres de la famille, pour explorer des thèmes historiques, sociaux ou politiques plus larges, notamment ceux relatifs à l'histoire du Vietnam à la fin du XXe siècle. Danh Vō est né au Vietnam mais il a grandi au DanemarkIl a étudié à la Städelschule de Francfort en Allemagne et à la Royal Academy of Fine Arts de Copenhague au Danemark. Il fut lauréat du Prix Hugo Boss 2012, nominé au National galerie Prize for Young Art de Berlin en 2009 et il a reçu en 2007 le BlauOrange Kunstpreis der Deutschen Volksbanken und Raiffeisenbanken de Berlin. Il vit actuellement à Mexico city.

 


Bai Ming, porcelain, 2013

Le céramiste chinois de renommée internationale Bai Ming va jouer avec la lumière rouge d’Aurélie Nemours dans l'église de Salagon, en France
Chinese internationally renown ceramist Bai Ming is going to play with the red lights of Aurélie Nemours at Salagon church, in France

Pour les 20 ans de l’installation des vitraux dans l'église de Salagon (Alpes de Haute Provence), le céramiste chinois Bai Ming, va faire jouer ses céramiques avec la lumière rouge d’Aurélie Nemours. Bai Ming est aujourd’hui l’un des céramistes les plus connus en Chine. Son travail a profondément contribué au renouveau - depuis les années 90 - de la création contemporaine chinoise dans le domaine de la céramique. Il a repris et renouvelle en effet profondément la production de JingdezhenCéramiste, peintre et professeur, cet artiste utilise à la fois les techniques traditionnelles et occidentales : dans le domaine pictural, il utilise à la fois la peinture à l’huile et l’encre.
Ming / La lumière : céramiques de Bai Ming, à Salagon, musée et jardins, du 29 juin au 28 octobre 2018

 

 


Huang Yong-Ping, The Bridge,Theatrer of the World
1993, Courtesy of the artist


OUVERTURE LE 11 MAI 2018 DE L'EXPOSITION 'ART AND CHINA AFTER 1989: THEATER OF THE WORLD' AU MUSEE GUGGENHEIM DE BILBAO, ESPAGNE
Opening of the exhibition ‘Art and China after 1989: Theater of the World’, at Guggenheim Museum, in Bilbao, Spain, on May 11, 2018

Après son succès à New York fin 2017, l'exposition ‘Art and China after 1989: Theater of the World’ est présentée en Espagne, au Musée Guggenheim de Bilbao. Elle inclut l’oeuvre controversée, censurée aux Etats-Unis, ‘Theater of the World » de Huang Yong Ping (1993). Cette installation architecturale déployée en deux parties représente la scène de la vie. Le pont est une cage sinueuse en forme d’arc qui renferme des serpents et des tortues qui se déplacent entre des sculptures chinoises en bronze représentant des animaux mythologiques. Sous Le pont se trouve Le théâtre du monde, une structure qui évoque une carapace de tortue contenant des reptiles et des centaines d’insectes vivants qui se battent et se dévorent.
https://arteychina.guggenheim-bilbao.eus/fr/ouvres
Cette exposition est la plus importante à ce jour consacrée à l'art contemporain chinois depuis 1989. Elle est divisée en six sections thématiques et chronologiques et englobe une variété de pratiques artistiques, comprenant la performance, la peinture, la photographie, l'installation et l'art vidéo ainsi que des projets socialement engagés. Elle examine comment les artistes chinois ont été des observateurs critiques et des acteurs de l'émergence de la Chine comme présence mondiale. Elle présente ainsi des œuvres d’une soixantaine d'artistes majeurs tels que Ai Weiwei, Cao Fei, Cai Guo-Qiang, Chen Shaoxiong, Chen Zen, Ding Yi, Geng Jianyi, Gu Dexin, Huang Yong-Ping, Liu Xaodong, Qiu Zhijie, Sun Yuan & Peng Yu ,Wang Guangyi, Yang Jiechang, Zhang Peili, parmi d'autres.
L’exposition a lieu au Guggenheim Museum, Bilbao, Espagne, du 11 Mai au 23 Septembre 2018
https://arteychina.guggenheim-bilbao.eus/en/

 

 



Shiharu Shiota, Everywhere, installation,
Wanås Foundation, Sweden, 2018, Photo Mattias Givell



Shiharu Shiota, The Distance, installation,
Gothenburg Museum of Art, 2018, photo Hossein 
Sehatlou

 

« EVERYWHERE AND RELATIONALITY », UNE EXPOSITION DE L'ARTISTE D'ORIGINE JAPONAISE CHIHARU SHIOTA A LA WANAS FOUNDATION, A KNISLINGE, EN SUEDE, DU 6 MAI AU 4 NOVEMBRE 2018
« Everywhere and relationality », a solo exhibition of the artist of Japanese origin Chiharu Shiota at Wanås Foundation, in Knislinge, Sweden, from 6 May to 4 November 2018

Chiharu Shiota présente à la Wanås Foundation, en Suède, « Everywhere », une sculpture composée de trois cadres métalliques représentant des maisons placées les unes après les autres. Chaque cadre est recouvert de couches de fil rouge. Dans le parc de la Fondation, elle présente « Relationality », également une forme de maison mais attachée à une figure humaine. C'est son premier travail exclusivement en fil métallique, réalisé spécialement pour la Wanås Foundation. Dans ces deux œuvres, la maison joue un rôle central. Au Japon la maison est en effet chargée de sens : elle représente à la fois le bâtiment lui-même mais aussi le concept de famille. Chiaharu Shiota utilise toujours des fils noirs, blancs et rouges ou des fils métalliques, qu'elle combine avec les couleurs de ses objets choisis. « J’ai choisi le fil pour matériau, car il reflète les sentiments : tout comme eux, il peut se mélanger à d’autres, se nouer, se desserrer ou bien être coupé », expliquait Shiharu Shiota.
L’exposition a lieu à la Wanås Foundation, Knislinge, Suède, du 6 Mai au 4 Novembre 2018.
En parallèle une exposition de Chiharu Shiota "Distance" est présentée au Gothenburg Museum of Art, Göteborg, en Suède : photographies, dessins, sculptures ainsi que deux grandes installations créées spécialement pour le musée, du 21 Avril au 30 Septembre 2018.

 


Pham Huy Thong, The Power Of US, 2011
Craig Thomas Gallery

QUE VEUT DIRE "ETRE D'ASIE DU SUD-EST" AUJOURD'HUI : DES ELEMENTS DE REPONSE AVEC 6 OEUVRES D'ARTISTES DE REFERENCE DE LA REGION
What it means to "be Southeast Asian": possible answers through works of 6 influential artists of the region

Des événements historiques comme la migration, l'impérialisme et la mondialisation ont eu une énorme influence sur la culture d'Asie du Sud-Est, et plus particulièrement sur les traditions et l'identité de ses habitants. Art Radar a voulu comprendre ce que signifie aujourd'hui la notion « être d’Asie du Sud-Est ». Il a choisi dans cet objectif 6 œuvres d’artiste de référence dans la région qui laissent ainsi transparaître un certain malaise.
Commençons par l’Indonésie, ce pays a été longtemps dominé par les portugais, hollandais, voire les japonais. Le régime socialiste qui a suivi, a engagé en 1965 une répression contre les sympathisants communistes. Dans une installation video, « Writing in the Rain » (2011), l’artiste indonésien FX Harsono examine ainsi son identité en tant que chinois indonésien, forcé d’abandonner sa langue et ses coutumes du fait de la discrimination vis-à-vis de sa communauté. L’artiste thailandais Watchara Prayoonkum, dans des installations sculpturales, intitulées “Return to the Oriental Life and Spirit »(2004), aborde la question de l’influence occidentale sur l’art moderne thailandais tout en demandant à son public de réexaminer ses racines culturelles et de maintenir l’esprit thailandais. L’oeuvre “the Yellow Man” de Lee Wen, artiste de Singapour, questionne lui aussi sur l’identité asiatique après l’ère post coloniale. Pendant des siècles, l’art aux Philippines a été "influencé par diverses puissances occupantes telles que le Japon et les Etats-Unis, produisant un sentiment d’identité complexe". L’artiste Ronald Ventura explore ce sentiment dans sa peinture, au travers d’images qui évoquent à la fois des éléments orientaux et occidentaux comme on peut le voir dans son oeuvre "Invitation to the Feast" (2011). L’artiste vietnamien Pham Huy Thong, très critique vis-à-vis des politiques internationales et sociales du Vietnam, questionne dans son travail « The Power of US » (2011), les répercussions que peut entraîner l’acceptation de l’aide au développement des Etats-Unis. L’artiste malais Wong Hoy Cheong dans une installation datant de 2005 intitulée « Minaret », une sculpture architecturale dressée au-dessus du Musée d'Art du Guangdong en Chine, juxtaposait son identité en tant que minorité chinoise venant d’un pays à majorité musulmane, alors que les musulmans de la région du Guangdong sont les minorités de la République populaire de Chine.

Cet article, accompagné d’illustrations des œuvres sélectionnées, est à lire dans Art Radar Asia (English) du 22/7/2018 : http://artradarjournal.com/2018/07/22/curating-southeast-asian-identity-through-6-artworks/

 


Nalini Malani, Penelope, animation, 2012, ICA Boston

L’ARTISTE INDIENNE NALINI MALANI PARTAGE SON TRAVAIL GRATUITEMENT SUR INSTAGRAM
Indian artist Nalini Malani shares her work on Instagram free of rights

Nalini Malani est vraisemblablement la seule artiste indienne de son niveau et de sa génération à utiliser Instagram pour partager son art. Elle a ainsi décidé de mettre à disposition sur Instagram, libres de droits, une quinzaine d’animations - qu’elle a créées sur son Ipad - afin que quiconque puisse les télécharger. L'artiste de renommée internationale aurait très bien pu suivre la voie conventionnelle et appliquer des droits d'auteur et un prix élevé sur son travail, mais elle a choisi de faire le contraire. "C'est une chose amusante que j'aime faire. Je continue à faire ces petits exercices pour ouvrir mon imagination. C'est comme avoir une conversation avec un ami. Vous pourriez l'appeler «pensées courtes». J'aime aussi l'idée du free art », déclare l’artiste. Le travail de Nalani Malani sur Instagram peut être téléchargé et, en ce sens, détenu par n’importe qui. "Vous pouvez le télécharger, le montrer n'importe où. Ce sont toutes des animations en haute résolution pour que vous puissiez les montrer sur un petit écran ou un grand écran. C'est de « l'art copyleft ». Je demande seulement que personne ne les transforme dans Photoshop », poursuivait-elle.
https://www.instagram.com/nalinimalani/

 

----------ART MARKET NEWS





Zao Wou-Ki, 04.01.79, oil on canvas, 1979

ART MARKET REPORTS

LES VENTES D’ART MODERNE ET CONTEMPORAIN CHEZ CHRISTIES ET PHILLIP’S A HONG KONG DOMINEES PAR LES PEINTURES DE ZAO WOU-KI

Sales of modern and contemporary art sales at Christie’s and Phillip’s in Hong Kong dominated by the paintings of the Franco-Chinese artist Zao Wou-Ki

Au moment où s’est ouverte la grande exposition consacrée à l’artiste franco-chinois Zao Wou-Ki au Musée d’Art Moderne de Paris : “L’Espace est Silence” (1er Juin 2018- 6 Janvier 2019), la peinture de Zao Wou-Ki « 04.01.79 » (1979) a atteint HK$69.8m ($8.9m) chez Phillip’s à la 20th century and contemporary art and design evening sale, le 27 Mai 2018. Zao Wou-Ki était également parmi les meilleurs lots chez Christie's le 26 Mai 2018. Au cours de la vente d'art contemporain du 20ème siècle et Contemporaries: ‘Voices from East and West’, la peinture de Zao Wou-Ki ‘14.12.59 » a obtenu 176,7 M $ (22,6 M $). Le jour suivant, lors de la vente d'art asiatique du 20ème siècle, Zao Wou-Ki a aussi obtenu le prix le plus élevé pour sa peinture ‘04.03.63’, soit 7,9 M $ HK (549 347 $).
Toujours chez Christie's, cette même semaine, le peintre franco-chinois Chu-Teh-Chun a obtenu 28,9 M $ (3,7 M $) pour sa peinture ‘Composition 51 : ‘Mille vies sépare son cachet dans le bois’(1960) et N°81, 38,3 M $ (4,9 M $). 

 

 


I Nyoman Masriadi (Indonésie),Tak Pernah Berubah
acrylic on canvas, 2017

 


Prévisions optimistes pour le marché de l’art en Asie en 2018, d'après la dernière enquête de la société londonienne ArtTactic
Favourable market prospects for art market in Asia in 2018, according to the latest survey of the London-based research firm ArtTactic.

Selon l'enquête semestrielle Art Market Confidence Survey menée par la société ArtTactic en janvier 2018, le marché mondial de l'art devrait jusqu'en 2018 être porté par la confiance générée au cours de l'année écoulée.
En Chine, les ventes aux enchères d'art contemporain chinois ont été en régulière baisse depuis 2013 ; il semble toutefois que le marché ait atteint son niveau le plus bas en 2016. La majorité des experts en art pensent que le marché chinois de l'art contemporain va se développer cette année, malgré une croissance économique plus faible que prévue. Toutefois au cours de ces dernières années, les maisons de ventes aux enchères internationales ont continué à se tourner davantage vers les artistes contemporains venant du Japon, de la Corée du Sud et de l'Asie du Sud-Est que vers les artistes contemporains chinois. En 2017, 66,8% de l'ensemble des ventes d’art contemporain, en valeur, de Sotheby's et Christie's à Hong Kong, étaient non-chinoises.
En Asie du Sud, les ventes internationales d'art moderne et contemporain ont diminué de 20% en 2017, sur la base des ventes de Sotheby's et Christie's. La faiblesse des ventes internationales a toutefois été compensée par une demande intérieure plus forte dans des sociétés de ventes aux enchères comme Saffronart, AstaGuru et Pundoles. L'art contemporain a du mal à s'imposer : les ventes globales d'art contemporain ont diminué de 45,9% en 2017 et ne représentent que 2,8 millions de dollars. De leur coté les galeries indiennes restent positives pour 2018, soutenues par une forte croissance économique attendue.
Entre 2010 et 2015, le marché de l'art moderne et contemporain en Asie du Sud-Est a connu une croissance significative de 23,4% par an, sur la base des ventes aux enchères de Sotheby's et Christie's. Cependant, en 2016, le marché a subi le ralentissement du marché de l'art mondial, ce jusqu’en 2017. Un vent positif revient après deux années de déclin, conforté par une croissance économique régionale attendue de 5,1%. L'art indonésien domine le marché de l'art de la région avec une part de marché de 40,4% basée sur le total des ventes aux enchères. L'art des Philippines est le deuxième secteur le plus important du marché de l'art avec 26,9%, suivi de l'art vietnamien en troisième position avec 20,3%.
Extr. De Art Radar 5/2018

 


Bharti Kher, Arione's Sister, 2006
fiberglass, steel, skin and paper bags, bindi skin

Baisse de 6% des ventes d’art contemporain indien en 2017 : le rapport FICCI-KPMG 2017
Decrease of Indian contemporary art by 6% in 2017 according to the 2017 FICCI-KPMG

Le marché de l'art en Inde était estimé à environ 14,6 milliards de roupies (Rs1 460 crore) en 2017, soit en baisse de 6% par rapport à l'année précédente, la démonétisation et l'introduction de la taxe sur les biens et services ayant affecté la croissance du secteur, rapporte le FICCI-KPMG report, intitulé ‘Visual Arts Industry: Painting the future’. Il y a eu une baisse radicale de la valeur des œuvres d'art contemporaine vendues depuis 2013, indique le rapport. De janvier à septembre 2017, 183 œuvres d'art contemporain indien ont été vendues dans le monde, pour un total de 126,3 millions de roupies. Il s'agit d'une forte baisse par rapport aux 333 œuvres vendues pour 399 millions de roupies au cours de la même période en 2013. Les facteurs qui ont contribué à cete chute sont surtout le manque de soutien institutionnel, une hausse artificielle des prix de l'art il y a dix ans et des collectionneurs et des galeries d'Europe privilégiant l'art contemporain venant d'autres régions, indique le rapport FICCI-KPMG.
Par contre, le rapport indique que l'industrie de l'art indien devrait voir les ventes d'art contemporain s'accélérer, soutenues par une base d'acheteurs diversifiée principalement dans les groupes d'âge des années 30 et 40. Cette tendance sera encore renforcée par une augmentation des ventes d'œuvres d'art en ligne. Le rapport recommande une participation accrue des entreprises et du secteur privé pour aider l'industrie à lever des fonds, à organiser des festivals et des événements artistiques et à promouvoir les jeunes artistes. En plus, le soutien du gouvernement, en particulier grâce au financement, à l'infrastructure, à la sensibilisation et à la rationalisation de la structure fiscale, constituerait une base solide pour le développement de l'industrie artistique.
Extr. de Livemint, 17 Février 2018

 




Subodh Gupta, Cooking the World
Singapore Biennale 2016

Un point de vue sur le marché de l'art contemporain indien : à la traîne 
Personal views on the Indian contemporary art market: why it is lagging behind

« L'infrastructure de l'art indien est pathétique. La Chine compte 4 000 musées, nous en avons probablement 40. La Chine considère l'art comme une «industrie pilier», (en Inde) il ne figure presque jamais dans les annales de notre paysage politique. Nos écoles d'art sont en train de s'effondrer », témoigne Udayan Mukherjee, consulting editor auprès de CNBC TV18. L'Inde représente 0,5% du marché mondial de l'art, la Chine 40 fois plus. Le marché de l'art indien s'est effondré en 2008, à la suite de la grande crise financière. Une décennie plus tard, il n'a toujours pas récupéré. Près de 90% du marché indien est ainsi représenté par le segment «moderne» du XXe siècle et des artistes comme : Husain, Raza, Mehta, Souza, Gaitonde, Padamsee, Sabavala, Ram Kumar, Khakhar et Swaminathan […]
Les Indiens ne sont pas très enthousiastes à acheter des œuvres d’art. Moins de 0,02% de notre population a déjà acheté une œuvre d'art, poursuit Udayan Mukherjee. Oui, nous avons plus d'une centaine de milliardaires, mais pour la plupart d'entre eux, un achat d'art est comme un trophée. Il y a une autre raison - la méfiance. À l'aube de 2007, des artistes, des galeristes, des commissaires-priseurs et des investisseurs d'art se sont regroupés pour gonfler les prix d'artistes relativement nouveaux, à des niveaux si absurdes que beaucoup ont perdu entre 70 et 80% de leur valeur dans le crash suivant (2008). Les acheteurs s'en souviennent et se méfient des prix des œuvres contemporaines.
Des initiatives relativement récentes comme l’India Art Fair et la biennale de Kochi Muziris sont les bienvenues, mais paradoxalement, elles peuvent aussi souligner l'énorme écart de qualité entre les artistes contemporains indiens et mondiaux. Le gouvernement indien n'est tout simplement pas intéressé. Notre ministre de la Culture et des Arts n'a pas le temps. Il y a des initiatives privées comme le musée Kiran Nadar, mais c'est une goutte d'eau dans l'océan.
Puja Sood, écrivaine et designer, expliquait pour sa part au journal français Libération récemment
«L’art est un défi complexe en Inde. Les responsables politiques, à l’exception de quelques-uns, ne s’intéressent pas à l’art, spécialement le contemporain. Alors que la classe moyenne y est de plus en plus sensible, notre gouvernement, très à droite, n’y est pas du tout ouvert.».
Extr. de Hindustan Times, 3 Mars 2018

 

 

 

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