Les Artistes Contemporains Indiens

Artistes indiens/Art News

AYESHA SINGH
Le symbole du drapeau
Ayesha Singh expose à la galerie Nature Morte, à New Delhi, « Within Contradiction », du 26 Février au 2 Avril 2021 (online Viewing Room). Ayesha Singh a développé une série d'œuvres qui utilisent le vocabulaire visuel de symboles familiers, comme le drapeau, afin de réfléchir aux changements qui ont façonné la nation telle que nous la connaissons. « We often look at the flag as a symbol of nationhood, nation-making, and recognition of the self in association with a geographically marked space. When ideas about belonging have been altered, what does the flag mean to us? », explique-t-elle.

SALMAN TOOR
Salman Toor au Whitney Museum, New York
Pour sa première exposition au Whitney Museum of Art à New York – du 13 Novembre 2020 au 4 Avril 20121 - Salman Toor, d’origine pakistanaise, présente des peintures à l'huile nouvelles et récentes. Salman Toor offre des vues intimes sur la vie imaginée de jeunes hommes bruns queer résidant entre New York et l'Asie du Sud. Ses personnages sont des amalgames de références historiques de l'art - du baroque au rococo - imprégnés d'une atmosphère de la Beat Generation des années 1950 au XXIe siècle. L’artiste a développé son style et créé un travail à couper le souffle. Il procède par coups de pinceaux complexes et combine une palette de couleurs terreuses, de couches brossées et de textures grossières. 
Salman Toor fait partie de la prochaine liste Time100 qui met en avant les leaders émergents qui ont une vision pour le futur. D’après le Time, l'artiste «a fait sa carrière en subvertissant les styles de peintures anciennes et en se focalisant ouvertement sur des hommes queer d’Asie du Sud ».

LES ARTISTES
RINA BANERJEE
ANJU DODIYA    
ATUL DODIYA
SHEELA GOWDA 
SAKSHI GUPTA  
SHILPA GUPTA  
SUBODH GUPTA
JITISH KALLAT  
REENA SAINI KALLAT
ANISH KAPOOR 
BHARTI KHER
NALINI MALANI
SURENDRAN NAIR 
G.RAVINDER REDDY 
RAQIB SHAW 
SUJATA BAJAJ
SUDARSHAN SHETTY
DAYANITA SINGH  
SALMAN TOOR
Art tribal contemporain indien
JANGARH SINGH SHYAM
SUBHASH & MANSINGH VYAM
JIVYA SOMA MASHE
RAM SINGH URVETI

LES GALERIES INDIENNES
Chemould Prescot Road
Galleryske
Gallery Espace
Nature Morte
Vadehra Art Gallery
Kiran Nadar Museum of Art

Biographies, Oeuvres, Expositions & Evènements

RINA BANERJEE, née en 1963, est une artiste contemporaine d’origine indienne établie aux Etats-Unis. Elle pratique aussi bien la peinture, la sculpture ou le dessin et réalise de grandes installations.
Contact : http://rinabanerjee.com/home.html
Actualité
Rina Banerjee devrait présenter l'exposition “Make Me A Summary of the World”, au Frist Art Museum, Nashville, Tenesse, USA, en 2020-2021
Elle devrait aussi avoir une Retrospective au Nasher Museum of Art, Duke University, Durham, NC, USA
Expositions
Rina Banerjee a exposé partout dans le monde depuis les années 2000. Parmi ses dernières expositions personnelles, citons : 2020 "Irresistible Earth", Galerie Nathalie Obadia, Bruxelles ;  “Make Me A Summary of the World”, Fowler Museum, université d'UCLA, Californie ; en 2018-2019, Rétrospective “Make Me A Summary of the World”, PAFA 118-128, Philadelphia PA 19102, Usa; en 2017 'Rina Banerjee: Human Likeness', Hosfelt Gallery, San Francisco, ‘Rina Banerjee “A bundle of twine and difficulties of the tongue", Ota Fine Arts, Tokyo ; en 2015 Rina Banerjee: Tropical Urban, Jacob Lewis Gallery, New York, ‘Migration’s Breaths’, Ota Fine Arts, Singapore; en 2014 'Rina Banerjee: Disgust', L.A.Louver, Venice ; en 2013 ‘Rina Banerjee: “What am I made of and how do you know my name?”, Ota Fine Arts, Tokyo, Smithsonian, Washington DC. ; en 2012 "Creastionism's Kiss", Galerie Nathalie Obadia, Brussels, "A World of Lies", Galerie Espace, Hong Kong ; en 2011  "Chimeras of the India & the West", Musée Guimet, Paris, "Imagining the other half of the world from here", Galerie Nathalie Obadia, Paris, France. 
L’artiste participe à des expositions collectives : "Art in Focus: Women From the Center", Yale Center for British Art, Usa, Asia Now Paris 2020 ; en 2019, Art Basel HK, Art Paris ; en 2018 Kochi Biennial, 'Open Spaces ', Kansas City Arts ; en 2017-2018 'Prospect 4: The Lotus in Spite of the Swamp', US Biennal. Elle participait par ailleurs à la Biennale de Venise en 2017 (et en 2013), l’India Art Fair 2016, la Busan Biennial, “Hybirdizing Earth Discussing Multitude”, 2016, South Korea,"Asian Art Biennial” 2015,Taiwan Museum of Fine Art, Taichung, "Greater New York Show", Mia Lock PS1 Moma, New York, la Yokohoma Triennale (2011), Art Basel (2008), Tsumari-Echigo Exhibition 3rd Triennial (2006), Whitney Biennale (2000).
En 2017, elle faisait partie de l’exposition de groupe ‘En toute modestie’ - Archipel Di Rosa’, au MIAM Sète (Musée International des Arts Modestes) en France. Rina Banerjee a participé depuis près de 20 ans à de nombreuses expositions collectives.
Les travaux de Rina Banerjee font partie de collections publiques et privées :  the Whitney Museum of American Art, New York, NY; San Francisco Museum of Modern Art, Centre George Pompidou, Paris,  Pennsylvania Academy of Fine Arts, Philadelphia, Queens Museum, NY, Brooklyn Museum, NY.
Rina Banerjee Expositions Biographie

ANJU DODIYA, née en 1963, est une artiste contemporaine indienne. Elle peint au pastel, à l’acrylique, dessine au fusain ; elle décrit des scènes quelques peu mystérieuses, proches du rêve, dans lesquelles elle est souvent le principal protagoniste. Elle est considérée comme un(e) des artistes contemporains indiens les plus importants aujourd’hui. Son oeuvre 'Daphne' s’est vendue chez Saffronart New York 'Spring Online Auction' en 2008 pour 129 375 $.  En 2011, elle vendait un tableau intitulé 'The paths of Berries, chez Saffronart" pour 92,000 US$. En Mars 2014, une peinture intitulée Victor s’est vendue 31 250 $.

BIOGRAPHIE/OEUVRE

Expositions
La première exposition personnelle de Anju Dodiya, Necklace of Echoes, était organisée en 1991 par la Chemould Art Gallery, à Bombay. Parmi ses expositions personnelles récentes, citons : en 2020 "Breathing on Mirrors", Chemould Prescott Art Gallery ; en 2018 ‘The Air is a Mill of Hooks’,  Vadehra Art Gallery, Bikaner House, New Delhi ; en 2016 'How to be brave', Galerie Daniel Templon ; en 2015 “Imagined Immortals”, Vadehra Art Gallery, New Delhi ; en 2013, Aicon Gallery, New York; en 2012 Room for Erasures, Chemould Prescott Road, Mumbai; en 2011 Cloud-Hunter and other works, Kalakriti Art Gallery, Hyderabad, Inde; en 2010 Face à Face(d'après Kuniyoshi), Galerie Daniel Templon, Paris, France, Necklace of Echoes,  Vadehra Art Gallery, New Delhi, Inde; en 2008 All Night I Shall Gallop, Bhodi Art, New York, USA.
Anju Dodiya présentait à la Kochi Muziris Biennale 2018 deux travaux dont "Rehearsal for an Apocalypse" incluant des thèmes bibliques et tragiques. «Le travail parle dU cataclysme qui doit arriver très bientôt. Le collage d'images met en valeur les différentes craintes liées à ce sujet ", déclare l'artiste
L'artiste a ainsi participé à de nombreuses expositions collectives dont les plus récentes : 2020, Asia Now Paris, Art Paris 2020 ; 2019 « 5 artists / 5 projects », Chemould Prescott Road, Bombay ; 2015 “Continuing Traditions”, Musée de la Toile de Jouy, France ; 2013, “Freedom to March: Rediscovering Gandhi through Dandi”, Ojas Art, New Delhi, “Ideas of the Sublime”, Vadehra Art Gallery , New Delhi “Ideas of the Sublime”, Lalit Kala Akademi Galleries - New Delhi “Mapmakers II - The Evolution of Contemporary Indian Art (Part Two)”, AICON GALLERY - New York, ‘Aesthetic Bind : Subject of Death’, curated by Geeta Kapur, Chemould Prescott Road, Mumbai ; 2012, Fifth Beijing International Art Biennale, National Museum of China, 'A Further Global Encounter', Grosvenor Vadehra, London, 'Voicing a Presence: Women Artists', in the Jehangir Nicholson Collection, The Chhatrapati Shivaji Maharaj Vastu Sangrahalaya, Mumbai, Inscribing the Female Body, Vadehra Art Gallery, Delhi, To Let the World In: Narrative and Beyond in Contemporary Indian Art, Chennai, Narratives of the Self, Gallery Espace, Delhi, Terrestrial Bodies, 1x1 Gallery, Dubai, Art for Humanity, Coomaraswamy Hall, Mumbai.

ATUL DODIYA, né en 1959, est un artiste plasticien contemporain indien. Il est considéré comme l’un des pionniers de la nouvelle génération post moderne. Le cinéma, les images de Bollywood, sont une des dominantes du travail de l'artiste qui réalise des installations, des assemblages des photos ou des peintures sur volets. Une peinture de Atul Dodiya dédiée à l’ancien capitaine de l’équipe indienne de cricket Rahul Dravid, intitulée "The Wall"  a atteint chez Christie’s 57,6 millions roupies (115 800 US$) en Février 2009. Le 24 Mai 2008, son œuvre "Woman from Kabul" s’était vendue 186 364$ chez Christies’s Hong Kong. Sa peinture intitulée "Fool’s house" s’est vendue le 20 Mars 2013 chez Christie’s 75 000$.Un triptych intitulé "Guernica Bouquet s'est vendu 150.000 $ en 2019 à Varadehra Contemporary Gallery à l'India Art Fair 2020. Atul Dodiya se situait à la 436ème place/500 du classement Artprice (produits des ventes) avec 312,008 $
http://atul-dodiya.com/  published by Artiana
https://www.instagram.com/dodiya_atul/?hl=en

BIOGRAPHIE/OEUVRE
Actualité
Ventes d'oeuvres de Atul Dodiya au travers de "In Touch", site de ventes en ligne des galeries indiennes
La prochaine exposition de Atul Dodiya devrait avoir lieu au Detroit Institute of Arts Museum, Detroit, USA
Expositions
Parmi les dernières expositions personnelles d’Atul Dodiya, citons : 2020, Abu Dabi Art (online), Atul Dodiya, "Stammer in the Shade", Vadehra Contemporary Gallery ; en 2019 "Atul Dodiya - Seven Minutes of Blackmail, Chemould Prescott Road, Mumbai ; en 2018 "The fragrance of a paper rose" (autour du peintre italien Giorgio Morandi) ; en 2017 'Girlfriends: French, German, Italian, Egyptian, Santiniketan, Ghatkopar…', Vadehra Gallery, New Delhi ; en 2015, 'Mahatma and the Masters', Galerie Daniel Templon, Bruxelles, Belgique ; en 2014-15 '7000 Museums: A Project for the Republic of India', Dr. Bhau Daji Lad Museum, Bombay ; en 2014 'Atul Dodiya at the Picasso Museum', Barcelona, Espagne ; en 2013/2014 'Experiments with Truth: Atul Dodiya, Works 1981-2013', National Gallery of Modern Art, New Delhi, 'Duplicator's Dilemma' à la Chancery Lane Gallery, Central, à Hong Kong, 'Atul Dodiya 'Contemporary Arts Center, Cincinnati (Etats-Unis) ; en 2012, Scribes from Timbuktu à la Galerie Daniel Templon, à Paris ; en 2011, Bako Exists. Imagine, Chemould Prescott Road,  à Mumbai.
Atul Dodiya a aussi participé à la plupart des grandes expositions sur l’art indien organisées aux Etats-Unis, en Europe et en Asie ces dernières années et autres expositions collectives : 2020, Asia Now Paris, representé par la galerie Daniel Templon; Biennale de Venise 2019 ; en 2018 Paris Art Fair, representé par la galerie Daniel Templon, en 2016 Art Dubai, Paris Art Fair Galerie Daniel Templon),  Palexpo (galerie Daniel Templon) ; en  2015, ‘After Midnight: Indian Modernism to Contemporary India 1947/1997’, Queens Museum, New York ; en 2014, ‘Une histoire, art, architecture et design, des années 80 à aujourd’hui’, Musée National d’art moderne, Paris, ‘Is It What You Think? Ruminations on Time, Memory and Site’, Kiran Nadar Museum of Art, New Delhi ; en 2013, ‘Still Life, Gallery Art Motif’, New Delhi, ‘Ideas of the Sublime Vadehra Art Gallery’ at Lalit Kala Akademi, New Delhi ; en 2012 Biennale de Kochi-Muziris, Kochi, Kerala, ‘India: Art Now, ARKEN, Musée d’art contemporain, Ishøj, Danemark ; en 2011, ‘La Route de la soie’ au Tri Postal à Lille et Paris Delhi Bombay au Centre Pompidou ; ‘Roots in the Air, Branches Below’, Modern and Contemporary Art from India, San Jose Museum of Art, San Jose, États-Unis.
Atul Dodiya présentait à la Biennale de Venise 2019 une installation "Broken Branches" (2002) composée de neuf armoires en bois à devantures de verre, remplies d'objets et de photographies. Ce travail est un condensé des apports de Gandhi dans l’éducation de l’artiste.
Il était représenté par la Galerie Chemould Prescott à Art Basel 2018, Miami, et 2017. Il participait à Art Basel à Hong Kong en 2013. Il a également a participé à la Biennale de Moscou en 2009, à la Biennale de Gwangju en 2008, à la Documenta de Kassel en 2007.
D'Avril à Juin 2017, Atul Dodiya prévoyait de mener un projet de recherche: "Méditation les yeux ouverts" à la Fondation Institut d’Études Avancées de Nantes, France. 

SHEELA GOWDA est une plasticienne contemporaine indienne. Elle utilise différents supports comme la peinture, le dessin, la sculpture et les installations. Son travail souvent se situe entre beaux arts et artisanat. Dans ses œuvres elle s’interroge sur le rôle de la subjectivité féminine dans le mélange des religions, le nationalisme et la violence qui caractérisent la société indienne contemporaine. 
L’artiste
Sheela Gowda est née en 1957 à Bhadravati. Elle est diplômée en art et peinture de l’université de Bangalore (1979), de l’université Vishwabharati à Santiniketan (1980-82) et du Royal College of Art de Londres (1984-86). Elle vit à Bangalore et par intermittence en Suisse.
Son œuvre
Sheela Gowda choisit des matériaux pour leur symbolisme : bouse de vache, encens, aiguilles, fils, fibres et teintures. Elle utilise souvent ces matériaux ordinaires pour créer des effets semi-mystiques. En détournant ces objets, elle dénonce par ailleurs la violence faite aux femmes dans la société indienne. Elle utilise également des déchets fabriqués par la société indienne tels que des bidons de bitume ou des feuilles de plastique recyclées pour la construction des routes. Sheela Gowda photographie les bouses de vache dans leur contexte pour les placer ensuite sur les lieux d’expositions.
Ce qui a déclenché chez elle ce type d’œuvres fut ce qu’elle a vécu pendant les violentes émeutes des fondamentalistes hindous, en 1992 en particulier, qui l’a conduite à se détourner de moyens de peinture conventionnels et à rechercher des formes plus fortes d’expression pour ses sculptures.
En 1997, Sheela Gowda revisite le Mahabharata en créant une allégorie minimaliste au  travers de son oeuvre 'Draupadi’s Vow'. Elle représente une cascade de cheveux suspendue à un mur dont les extrémités sont teintées de curcuma rouge, la couleur du sang coagulé. Cette œuvre fait référence à Draupadi, une femme qu' un de ses cinq maris avait humiliée, en la perdant au jeu. Les vainqueurs la traînèrent par les cheveux et elle se fit alors la promesse de ne plus les attacher jusqu’à ce qu’elle puisse les rincer dans le sang de ses ennemis.
Pour Paris-Delhi-Bombay en 2011 au Centre Pompidou à Paris, Sheela Gowda a présenté "Gallant Hearts", une guirlande de galettes de bouse de vache (sacrée en Inde) enduites de kumkum (pigment vermillon). 
Pour la Biennale de Lyon 2007, elle a exposé des pierres de meulage. La pierre de meulage - outil important dans les cuisines, chargé de connotations rituelles - était placée sur le sol des cuisines dans des maisons de quartier de Bangalore quand elles furent construites il y a plus de cinquante ans.
Son oeuvre ‘Crime Fiction’, en 2008, pourrait être vue comme une façon d'explorer et de redéfinir le concept de crime dans sa négativité.
Son œuvre "Kagebangara" (2008) est basée sur le détournement par les ouvriers préposés au goudronnage des routes autour de Bangalore, des barils métalliques, qu’ils aplatissent en plaques et brûlent afin de les vendre, et de bâtir des abris. 
En 2014, la Tate Gallery à Londres a fait l'acquisition de son installation spectaculaire 'Behold' (2009), faite de pare-chocs de voitures et de cheveux humains.
L'artiste exposait au Lenbachhaus de Munich jusqu'à fin Octobre 2020. L’exposition n’était pas une rétrospective (comme l'artiste et la conservatrice, Eva Huttenlauch le soulignaient), mais elle était diversifiée pour s'étendre sur des décennies de son engagement social et de son activité artistique.  
Expositions
Parmi les récentes expositions personnelles de Sheela Gowda, citons : en 2020, Lenbachhaus, Munich ; en 2019 « Sheela Gowda Remains », Pirelli HangarBicocca à Milan, Italie ; en 2017 Sheela Gowda, Ikon Gallery, Birmingham, Uk ; en 2015-2016 "Project Gallery: Sheela Gowda" Pérez Art Museum, Miami ; en 2015, sa première exposition personnelle en Asie de l'Est, Para Site, Hong Kong ; en 2014, Open eye policy, Lunds Konsthall, Lund, Suède ; en 2013, musée Van Abbemuseum, Eindhoven, Pays-Bas ; en 2011, Iniva (Institute of International Visual Arts), Londres, Postulates of Contiguity, Office For Contemporary Art (OCA), Oslo, Norvège et Behold, NAS Gallery, Sydney.
Elle a aussi participé à de nombreuses expositions collectives : Kochi-Muziris Biennale 2012-2013, Garden of Learning, Busan Biennial, Corée (2012), Paris-Delhi-Bombay, Centre Pompidou, Paris (2011), Documenta 12 à Paris (2007).
Elle était finaliste pour le prix Hugo Boss 2014.
Le 3 Mars 2019, Sheela Gowda a reçu le Maria Lassnig Prize 2019, décerné par la Maria Lassnig Foundation, en même temps que l’organisation d’une exposition personnelle qui aura lieu au Lenbachhaus Museum à Munich, en Allemagne, au printemps 2020. Peter Pakesch, le président du conseil d’administration de la Lassnig Foundation déclarait : “We are delighted to present the second award to Sheela Gowda, who, in her early oil painting and especially in her engagement with the difficult working conditions of women in Indian society, touches on themes that were also central to the work of Maria Lassnig.”

SAKSHI GUPTA est une sculptrice, plasticienne, issue de la jeune génération artistique indienne. Elle utilise des matériaux du quotidien qu’elle réinterprète en sculptures. Elle débat notamment des contradictions du monde réel et de ses complexités. 
L’artiste
Sakshi Gupta est née en 1979 à New Delhi. Elle a obtenu un BFA (Sculpture) (2001) et un Master's Degree (2004) au Government College of Art, Chandigarh. Elle vit et travaille à New Delhi.
Son oeuvre
Sakshi Gupta recycle des matériaux usagés, souvent d’origine industrielle, pour en faire des sculptures qui transforment la signification des matériaux et leur donnent une certaine spiritualité. Elle utilise d’un coté le poids de la matière et de l'autre elle créé de la lumière et de la fragilité. Ses œuvres peuvent être vues comme une vision sur le monde contemporain : le passage de l’industrie lourde à l’ère de l’information et des technologies de l’information.
Dans sa sculpture spectaculaire, intitulée « Some Beasts », 2008, par exemple, elle a utilisé le fer rouillé pour créer la forme d’un ventilateur de plafond qui ressemble à une bête qui se tord. Elle fait référence à la domination attribuée aux animaux religieux mythiques dans la culture traditionnelle indienne et les machines de guerre d’aujourd’hui. Sakshi Gupta se sert aussi de sa propre expérience. Dans son œuvre « Nothing is freedom, Freedom is everything, Everything is you », 2007, elle se réfère aux contradictions auxquelles sont confrontés les jeunes actuellement : les espoirs et les attentes, sans garantie, ou bien les combats et les joies inespérées. La première pièce de la série rassemble une collection de 7 oreillers qui évoquent non le repos mais les nuits sans sommeil dans un environnement claustrophobe. Une autre représente un tapis traditionnel, fait de pièces détachées de voiture, montrant les hauts et les bas de la vie. La troisième pièce figure un buste fait de chaînes de vélos, témoignant de la croyance de l’artiste en la liberté de choix chez les individus.
Elle a aussi créé plusieurs sculptures et installations spécifiques dans des lieux publics.
Expositions
Parmi les expositions personnelles les plus récentes de Sakshi Gupta, citons : en 2017, 'I marvel at your forgetfulness', Galerie Krinzinger, Vienna ; en 2015 'At the still point of the turning world', Galleryske, New Delhi ; en 2013 ‘Become the Wind’, Galleryske, Bangalore et deux autres expositions à la Galleryske, à Bangalore en 2009 et 2007 ;  'I Object' at Gallery One, Bangalore, en 2006.
Sakshi Gupta a participé à plusieurs expositions collectives en Inde et dans le monde : en 2017 Art Basel, "Visions from India", The Pizzuti Collection, Columbus ; en 2016 India Art Fair, Art Basel ; en 2015 'In the depths of our crater lake, all is silent', Beirut Exhibition Center, 'Passage to India', Staatliches Museum Schwerin, Allemagne, Gallery of Old & New Masters Schwerin, Tilton Gallery, Basel, en Allemagne ; en  2014 ‘Nothing, No Thing’, Art Stage, Singapour ; en 2013 'Indian Highway', Ullens Center for Contemporary Art, Beijing, Critical Mass, Tel Aviv Museum of Art, Tel Aviv; 'Indian Highway', à la Serpentine Art Gallery, Londres (2009-2012) ;  en 2011, Paris-Delhi-Bombay, Centre Pompidou, Paris ; Astrup Fearnley Museum of Modern Art, Oslo, and HEART Herning Museum, Denmark, 'Crazy Jane and Jack the journeyman', Galerie Krinzinger. Son travail a été aussi montré à New Delhi, Miami, New York, Vienna, Milan and Lucknow.

SHILPA GUPTA, est une artiste contemporaine indienne : une plasticienne vidéaste qui utilise vidéos, websites, objets, photographies, son et réalise des performances.  Ses œuvres se concentrent autour de thèmes tout autant politiques (violence raciale, religieuse, insécurité) que philosophiques. Shilpa Gupta a commencé à se faire connaître à l'international à partir des années 90. Son record de ventes était de plus de 39 000 $ pour "Untitled", sa première vente aux enchères, chez Sotheby's à Londres, le 2 mai 2008 et "Untitled" vendu par Saffronart New York 'Spring Online Auction' en 2008 pour 27 797 $. 
Contact : http://shilpagupta.com
L’artiste
Shilpa Gupta est née en 1976 à Bombay.  Elle s’est formée à la sculpture à l’école d’art Sir J. J. School à Mumbai entre 1992 et 1997 où elle a obtenu son BFA (1997). Elle vit et travaille à Mumbai.
Son œuvre
Shilpa Gupta réalise des œuvres sculpturales et des installations multimédias dans lesquelles elle mélange objets usuels et objets technologiques. 'Ce qui l’intéresse avant tout dans la technologie est "sa portée émotionnelle et conceptuelle et sa capacité à interroger nos modes de vies et croyances, notre psychisme et nos automatismes, les appartenances communautaires et les préjugés".
L'artiste a été confrontée à la violence entre Hindous et Musulmans et elle nous parle de peur et d''insécurité. Elle a travaillé avec une neuropsychologue indienne -  Mazharin Banaji - sur la peur et ses origines "pour tenter de comprendre les divergences entre pensée et conscience". En 2009, elle présentait une œuvre monumentale "Singing Cloud", une sculpture suspendue, composée d’environ 4000 micros au Laboratoire de Paris. "Réagissant à l’environnement, alternant sommeil et sursauts, cet essaim se transforme en une créature polyphonique, une forme de gigantesque œil de mouche d’où émanent à certains moments, une multitude de voix, de souvenirs et de langues", expliquait le Musée d'Art Contemporain du Val de Marne où l'artiste a été en résidence en 2007. Shilpa Gupta travaille régulièrement avec des chercheurs, des scientifiques comme Noam Chomsky qu’elle a interrogé sur l'influence des médias et le pouvoir des images autant que des mots.
Travaillant toujours sur la peur, elle a proposé à des individus de se déplacer dans l’espace public avec un sac sur lequel était inscrit « There is no explosive in this ». Elle a fait de cette expérience un ensemble photographique très personnel.
Dans son exposition "Drawing in the Dark" au centre d'art contemporain, la synagogue de Delme, en 2017, Shilpa Gupta témoignait de ses recherches sur la porosité des frontières. Elle présentait pour cette exposition un ensemble d’oeuvres nouvelles liées plus particulièrement à la frontière entre l’Inde et le Bangladesh, qui court sur plusieurs milliers de kilomètres. "Les oeuvres produites pour l’exposition évoquent l’ensemble des stratégies de détournement, d’évitement ou de perturbation des systèmes de contrôle. Les dessins que Shilpa Gupta réalise à partir de marijuana, les photographies dans lesquelles elle superpose des pièces détachées sur des images de ciel, la forme qu’elle sculpte à partir de lambeaux de sari, rappellent autant d’objets qui traversent la frontière illégalement"​. En 2018, le YARAT Contemporary Art Space à Baku (Azerbaijan) présentait une installation musicale de Shilpa Gupta “For, in your tongue I cannot fit : 100 jailed poets’, 2017 – 2018,” dans laquelle l’artiste faisait revivre les voix de poètes emprisonnés, décédés.
Shilpa Gupta participait à la Biennale de Venise 2019 avec son installation sonore "For, In Your Tongue, I cannot fit " (2017-2018). Elle participait aussi avec son travail "There is no border here" (2005-2006), à la Biennale Arcipelago Mediterraneo, à Palerme, Italie, du 6 Novembre au 8 Décembre 2019 et au 21st Century Museum of Contemporary Art, à Kanazawa, Japon, du 12 Octobre 2019 au 12 Avril 2020.
Expositions
Parmi les dernières expositions personnelles de Shilpa Gupta, citons : en 2018  “For, in your tongue I cannot fit : 100 jailed poets’, 2017 - 2018,”YARAT Contemporary Art Space, Baku, Azerbaijan ; "Where do I begin", Voorlinden Museum, Wassenaar, Pays-Bas ; 2017 " Drawing in the Dark", Synagogue de Delme, France
Elle participait à l'exposition collective Asia Now Paris 2020, présentée par la Galeria Continua, "The Strangers from beyond the Mountain and the Sea"- 2019 Asian Art Biennial, National Taiwan Museum of Fine Arts, du 5 Octobre 2019 au 9  Février 2020
Shilpa Gupta Expositions Biographie

SUBODH GUPTA, né en 1964, est un artiste plasticien, actuellement "star de l’art contemporain" en Inde. En 2008, son œuvre "Vehicle for Seven Seas", un chariot et trois valises sculptées en aluminium, s'est vendue aux enchères pour 500 000 € (785 243$). Avec des ventes cumulées de 1,3 million $, Subodh Gupta se situait au 149^ème rang/500 du classement Artprice (Produit des ventes) du marché de l’art dans le monde en 2015/2016. Il était 184ème avec des ventes de 943, 000 $ en 2017-2018 et 270ème avec des ventes de $ 572,131 $ en 2018/2019.
https://www.instagram.com/subodhguptastudio/?hl=en

BIOGRAPHIE/OEUVRE

Expositions
Parmi les dernières expositions personnelles de l'artiste, citons : en 2018 "Adda/Rendez-vous", Monnaie de Paris, 75006 ; en 2017, 'From Far Away Uncle Moon Calls', Warwick Arts Centre - Mead Gallery, Coventry, Angleterre, "Cooking the World", Art Unlimited, Art Basel 2017, Switzerland ,"In This Vessel Lies the Philosopher’s Stone", Galleria Continua, San Gimignano, Italie,  ; en 2016-2017 Ali Baba, Les Moulins, Galleria Continua, Italie, en 2016 'Subodh Gupta: Every Divine' (collection privée de l'américain Larry Wash) National Gallery of Victoria, Melbourne, 'Invisible reality', Hauser & Wirth Somerset (UK) ; en 2015, 'When Soak Becomes Spill', Victoria & Albert Museum, London, 'Seven billion light year', à la Galerie Hauser et Wirth, New York ; en 2014, Arario Gallery, à Séoul, Corée du Sud, Arario Gallery, Shanghai, Chine, MMK Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main, ‘Everything is Inside’, Frankfort sur Main, en Allemagne, National Gallery of Modern Art, ‘Everything is Inside’, New Delhi, Inde ; en 2013, Centro de Arte Contemporáneo, ‘The imaginary order of things’, Malaga, Espagne, Gallery SKE, ‘Recent Works’, Bangalore, Inde,  Hauser & Wirth London, ‘What does the vessel contain, that the river does not’, Londres, Royaume-Uni, Kunstmuseum Thun, ‘Spirit Eaters’, à Thun, en Suisse;  2012, Kiran Nadar Museum, ‘Line of Control’, New Delhi, Inde.
Subodh Gupta Expositions Biographie
Subodh Gupta a été aussi scénographe du ballet d’Angelin Preljocaj : 'Suivront mille ans de calme', à Paris, en 2010
Il exposait une sculpture intitulée 'Stove' (2013), composée d'ustensiles en aluminium et d'un poêle en fonte, dans le cadre de « Sculpture Park », dans les environs du Madhavendra Palace, à Jaipur, une exposition regroupant 15 artistes indiens et 9 artistes internationaux autour de l’art contemporain et l’architecture indienne traditionnelle, du 11 Décembre 2017 à Novembre 2018.

JITISH KALLAT incarne le renouveau de l’art contemporain indien. Parallèlement à la peinture, il utilise d’autres médias tels que la vidéo, la photographie ou la sculpture. Il réalise des peintures de grands formats, très colorées. Il est aussi connu pour ses chevelures (turbans ou casques) dessinées en noir et blanc, très graphiques. Un rickshaw de taille réelle réalisé par l'artiste à partir de semblants d’os a été vendu 125 000 $ à la Shanghai Art Fair à un collectionneur britannique en Septembre 2007. En 2009, Jitish Kallat a dépassé pour la première fois les 386 500 $ avec "Dawn chorus 7", chez Christie’s, à New York. Avec des ventes cumulées de 291 193 €, il se situait au 448^ème rang du classement Artprice (Produit des ventes) du marché de l’art dans le monde en 2013/2014.
Jitish Kallat a vendu récemment à Art Paris 2020 une oeuvre d'un montant de 50 000$.
Contact : https://jitishkallat.com/
Actualité
La galerie Nature Morte à New Delhi propose actuellement un historique des expositions de Jitish Kallat dans sa galerie ainsi qu'un retour sur le travail de l'artiste.
L’artiste
Jitish Kallat est né en 1974 à Bombay. En 1996 il obtient son Bachelor of Fine Arts (peinture) à la Sir Jamsetjee Jeejebhoy School of Art, à Mumbai. Il vit et travaille à Bombay.
Son œuvre
Jitish Kallat consacre beaucoup de ses travaux aux habitants démunis de Bombay même s’il les traite de façon très colorée et graphique. Les acteurs principaux de ses œuvres sont ainsi  des personnages issus du quotidien, dont les chevelures, composées d'accumulations d'objets divers, semblent des condensés de vie ou alors il réalise des sculptures squelettes de véhicules de grande taille comme la voiture, la moto, ou le camion,  inspirées notamment de ses photos de véhicules incendiés lors d’émeutes. Sa Série “Dawn Chorus” (2007) dépeint ainsi des enfants des rues dont les têtes sont comme des scènes urbaines en noir et blanc. L’artiste utilise un langage visuel fort qui fait référence à la fois aux traditions artistiques asiatiques et européennes tout en utilisant l’image de la publicité. Parmi ses influences : le Pop Art, la miniature persane, le Dadaisme, ou encore les affiches.
Jitish Kallat s'intéresse aussi à l' Histoire de l'Inde : sa sculpture en bronze « Public Notice 2 »*(2006) rappelle le discours délivré par le Mahatma Gandhi, au début de la marche épique du 12 Mars 1930 contre la taxe sur le sel instituée par les Britanniques, ce en vue d'arracher l'indépendance de l’Inde. Une autre de ses œuvres dans sa Serie Public Notice fait référence au Premier ministre indien, Jawaharlal Nehru, délivrant un discours sur la liberté d’expression le 15 Aôut 1947. La plus connue est son installation Public Notice 3, présentée à l’Art Institute de Chicago qui renvoyait au discours historique de Swami Vivekananda au premier Parlement mondial des religions à Chicago en 1893.  Il a par ailleurs découvert  la lettre ouverte de Gandhi à Hitler lui disant que dans son monde il n’y avait pas d’ennemis : celle-ci était projetée sur un rideau de vapeur lors de son exposition à la galerie Templon. Elle était aussi exposée au Philadelphia Museum of Art du 13 Novembre 2016 au 5 Mars 2017.
En début 2018, il présentait à la Sperone Westwater gallery à New York, des series intitulées "Rain studies" ou "Wind studies" . Pour la réalisation de celles-ci, il a travaillé sous la pluie, la nuit, ou bien dessiné des dessins avec des liquides inflammables, qu’il a enflammés.
Jitish Kallat présentait au Pavillon indien de la Biennale de Venise 2019 une installation vidéo avec une projection sur un écran de brouillard d'une lettre écrite par Gandhi à Hitler.
En Janvier 2020, Jitish Kallat exposait au Famous Studio à Mumbai deux nouvelles œuvres majeures : une installation photographique et sonore intitulée ‘Covering Letter (terranum nuncius)' et ‘Ellipsis’, sa plus grande peinture à ce jour. Pour cette dernière, un graphique méticuleusement dessiné à la main sous-tend toute la peinture. «Ellipsis» est faite de nombreux panneaux et s'appuie sur un web-work d'associations libres. Elle présente la forme d'une abstraction profondément spéculative et exploratoire. Pour «Covering Letter (terranum nuncius)» [2019-20], Jitish Kallat s'inspire des deux Golden Records phonographiques qui ont été hissés sur les légendaires sondes spatiales Voyager 1 et 2 lancées par la NASA en 1977. Une grande table ronde avec plus de 100 transparents photographiques 3D placés dessus occupe l'espace.
Expositions
Les œuvres de Jitish Kallat ont été exposées dans la plupart des musées tels que la Tate Modern à Londres et le Musée ZKM à Karlsruhe ou bien dans des collections de galeries comme la Saatchi Gallery et le Musée d’Art contemporain de Los Angeles.
En Janvier 2020, l'artiste exposait "Terranun Nuncius" au Famous Studio à Mumbai. Il avait aussi une exposition à la Galerie Templon, Paris, début 2019 : "Phase transition", un retour de l'artiste à la peinture. Jitish Kallat exposait "Return to Sender" un nouveau projet intitulé 'Covering Letter' (terranum nuncius) (2019) et son autre oeuvre largement exposée qui date de 2012 'Covering Letter' (2012) au Frist Museum of Art, Nashville, Tennessee, Usa, de Mars à Octobre 2020.
Il participait à Asia Now 2020, Paris, présenté par la galerie Templon.
La galerie Nature Morte présente du 11 Août au 31 Décembre 2020, une Viewing Room consacrée à une nouvelle série de dessins de Jitish Kallat, de intitulés Circadian Studies.
Jitish Kallat Expositions Biographie

REENA SAINI KALLAT, née en 1974, est une artiste contemporaine qui fait partie de la nouvelle génération d’artistes indiens. Sa pratique artistique va du dessin à la photographie, la sculpture, la vidéo et les installations.
Contact : http://reenakallat.com/

BIOGRAPHIE/OEUVRE
Actualité
Reena Saini Kallat présente son installation Verso-Recto-Recto Verso, au Musée Guimet à Paris, du 21 Octobre 2020 au 25 Janvier 2021 (fermeture temporaire)
Verso-Recto-Recto-Verso a déjà été exposé au National Museum of Modern and Contemporary Art, Seoul, Corée du Sud ; au Oscar Niemeyer Museum dans le cadre de Curitiba Biennial, Brazil ; au 13th Havana Biennial, Cuba et Nature Morte, New Delhi. La première série de rouleaux avait été montrée à la Tate Modern/Tate Exchange.
Expositions
Reena Saini Kallat expose dans de nombreux pays. Parmi ses dernières expositions personnelles, citons : en 2020 "The idea of the Acrobat, Verso-Recto-Recto-Verso", Bikaner House, New Delhi ; en 2019 'Reena Saini Kallat: Blind Spots', Chemould Prescott Gallery ; en 2017-2018, “Earth Families”,The Manchester Museum, United Kingdom ; 2015 “Hyphenated Lives”, Chemould Prescott Road, Mumbai, “Porous Passages”, Nature Morte, New Delhi, “Offsite Public Art Project”, Vancouver Art Gallery ; 2014 Anatomy of forking paths, Art Houz, Art Chennai  ;2013 ZegnArt Public project with Dr. Bhaudaji Lad Museum, Mumbai ; 2011 Falling Fables, part of Maximum India at the Kennedy Centre, Washington, Labyrinth of Absences, Nature Morte, New Delhi ; 2009 Drift, Primo Marella Gallery, Milan ;  2008, Silt of Seasons, Chemould Prescott Road, Mumbai (2008).
Elle participe aussi à des expositions collectives dont les plus récentes : 2020-2021 Bangkok Biennale ; 2019-2020 ‘Open Borders’, 14th Curitiba International Biennial, Museum Oscar Niemeyer, Brazil ; 2019 "When Home Won’t Let You Stay: Migration through Contemporary Art", Institute of Contemporary Art, Boston, « 5 artists / 5 projects », Chemould Prescott Road, Bombay,  'Open Borders’, 14th Curitiba International Biennial, Museum Oscar Niemeyer, Brazil, "Vision Exchange: Perspectives from India to Canada", Winnipeg Art Gallery, Canada, "Continental Shift: Contemporary Art and South Asia"  Bunjil Place Gallery, Victoria, Australia
Reena Saini Kallat Expositions Biographie
Reena Saini Kallat faisait partie des six femmes artistes indiennes exposant à "Facing India" au Kunstmuseum Wolfsburg, en Allemagne, du 26 Avril au 26 Août 2018. "Facing India" examinait comment l'histoire, le présent et l'avenir d'un pays se manifestent d'un point de vue féminin.
Reena Saini Kallat exposait une installation de timbres en caoutchouc multicolores et surdimensionnés (Untitled, 2017), tendus au travers d’une cour ouverte, comme des banderolles de fête, dans le cadre de « Sculpture Park », dans les environs du Madhavendra Palace, à Jaipur, une exposition regroupant 15 artistes indiens et 9 artistes internationaux autour de l’art contemporain et l’architecture indienne traditionnelle, du 11 Décembre 2017 à Novembre 2018.
Les travaux de Reena Saii Kallat font par ailleurs partie de plusieurs collections publiques et privées comme : le National Taiwan Museum of Fine Arts, Vancouver Art Gallery, Canada, Initial Access (Frank Cohen Collection), UK, Fondazione Golinelli, Italy; Bhaudaji Lad Museum, Mumbai, National Gallery of Modern Art, New Delhi, Devi Art Foundation, New Delhi, Saatchi Gallery, London; Tiroche DeLeon Collection, Israel, Ermenegildo Zegna Group, Italy, JSW Foundation, Mumbai and Burger Collection, Hongkong, parmi d’autres.

ANISH KAPOOR, né en 1954, est un plasticien contemporain, britannique d'origine indienne. C’est un des sculpteurs les plus influents de sa génération. Son oeuvre est totalement abstraite avec pour inspiration tout autant l'orient que l'occident. Il a été récompensé en 1991 par le très convoité prix Turner, décerné notamment aux artistes utilisant les nouveaux médias, tels que l'art vidéo, l'installation et la sculpture non conventionnelle. En 2016, Anish Kapoor a vendu une oeuvre “Untitled” chez SaffronArt, Mumbai, 705 882 US$. Avec des ventes cumulées de 10,6 millions $ (48 lots), il se situait au 34ème rang/500 du classement Artprice (Produit des ventes) du marché de l’art dans le monde en 2018/2019.
Pour la deuxième fois, l'artiste se plaçait en tête de la Hurun India Art List 2020 avec des ventes d'une valeur de Rs 44.39 cr.
http://anishkapoor.com/
https://anishkapoorbeijing.com/en.html#hero

BIOGRAPHIE/OEUVRE

Expositions
Une grande exposition était consacrée à Anish Kapoor du 10 Novembre au 1er Janvier 2020, à Pékin, à la Central Academy of Fine Arts et à l’Imperial Ancestral Temple, à l’intérieur de la cité interdite. Parmi ses grandes installations exposées : Symphony for a Beloved Sun (2013), Sectional Body preparing for Monadic Singularity (2015), My Red Homeland (2003), mirrored steel works S-Curve (2006) and C-Curve (2007)
Parmi les expositions personnelles  récentes d'Anish Kapoor, citons : en 2020 Houghton Hall, Norfolk, UK ; en 2019 Lisson Gallery New York, Pitzhanger Manor & Gallery, Londres, Lisson Gallery, Londres ; en 2018-2019 Galerie Klüser & Galerie Klüser 2, Munich, Allemagne ; en 2018,“Anish Kapoor: Works, thoughts, experiments”, Serralves Foundation, Porto, Portugal ; 2017, 'Descension', Brooklyn Bridge Park 2017, Public Art Fund New York, Nouveaux travaux d'Anish Kapoor, Lisson Gallery, Londres ; en 2016-2017 Anish Kapoor, MACRO – Museo d’Arte Contemporanea, Rome ; en 2016, 'Mountain, Museum Beelden aan Zee, The Hague, NL, 'Arqueologia: Biologia', Museo Universitario Arte Contemporáneo, Mexico city, Anish Kapoor, Galerie Gagossian, HK, 'Today you will be in paradise', Gladstone Gallery, New York, Lisson Gallery, Milan. Du 9 Juin au 1er Novembre 2015, Anish Kapoor a exposé 6 pièces monumentales dans les jardins du château de Versailles. En Septembre 2015, il exposait aussi dans le cadre de la Biennale de Lyon : "Anish Kapoor chez Le Corbusier", exposition monographique en écho au modernisme de l'architecture de Le Corbusier. En Septembre 2015, il revenait pour une exposition à la Galleria Continua à San Giminagno en Italie. Du 29 Mars au 9 Mai 2015,  il était exposé à la Lisson Gallery à Londres. En Octobre 2013, l’artiste présentait près de 70 de ses œuvres au musée Martin-Gropius-Bau à Berlin. Parmi ses autres expositions personnelles récentes, citons : Sakıp Sabancı Museum, Istanbul (2013); Museum of Contemporary Art, Sydney (2012); Le Grand Palais, Paris (2011); Lisson Gallery, London (2012); Manchester Art Gallery (2011); Pinchuk Art Center, Kiew, Guggenheim, Bilbao, Solomon R.Guggenheim Gallery, New York (2010); Mehboob Studios, Mumbai and National Gallery of Modern Art, New Delhi (2010); Royal Academy of Arts (2009).
Il a aussi représenté la Grande-Bretagne à la 44ème Biennale de Venise en 1990 où le prix Premio Duemila lui fut décerné.
Anish Kapoor a par ailleurs participé à de nombreuses expositions collectives : 2020-2021 Bangkok Biennale, 2020-21, "Résonances", Fondation Opale (fermeture temporaire), Lens, Suisse ; Anish Kapoor présentait au centre de la salle Bernheim des Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, une pièce sphérique spectaculaire, à laquelle répondait une autre œuvre, concave (31 Mars - 30 Août 2020). L'exposition « Anish Kapoor & Daniel Buren », à la Galleria Continua, à San Gimignano, en Italie, en 2018, était la première collaboration entre les deux grands artistes indien et français, avec la création d'une composition commune. Autres expositions collectives : 2014 “Whorles Explorations,” Kochi-Muziris Biennale, Kochi, Inde ou “A Secret Affair: Selections from the Fuhrman Family Collection,” The Contemporary Austin, Austin, "Making Links: 25 Years," SCAI the Bathhouse, à Tokyo, Japon ; en 2013, "Out of Hand: Materializing the Postdigital," Museum of Arts and Design, New York, "Drawing Line into Form: Works on Paper by Sculptors from the Collection of BNY Mellon," Tacoma Art Museum, Tacoma (USA) ; en 2012, “Landscape and Light,” Storm King Art Center, New York, "Ashes and Gold, A World’s Journey," Marta Herford, Herford, Allemagne, "Prism. Drawings from 1990 to 2012," Museum of Contemporary Art, Oslo (Norvège), "Lux Perpetua," Galerie Kamel Mennour, Paris, 26 Mars – 26 May, 2012, "Klein/Byars/Kapoor," Musee d'Art Moderne et d'Art Contemporain, Nice ; en 2011 “Fondazione Prada at Ca’ Corner della Regina,” Venise, Italie, “Watercolour,” Tate Britain, Londres,  “Picasso to Koons: The Artist as Jeweler,” Museum of Arts and Design, New York.
Anish Kapoor a créé une sculpture spécifique pour la Rotunda, le hub central de la Pinakothek der Moderne, installée le 16 Septembre 2020, pour fêter l'ouverture de la Pinakothek der Moderne à Munich il y a exactement 18 ans, et présentée jusqu'au 15 Août 2020.
Anish Kapoor at Houghton Hall/FAD Magazine, 26 Août 2020

BHARTI KHER, née en 1969, est une artiste contemporaine indienne surtout connue pour ses travaux de sculpture. Le 28 Juin 2010, elle a vendu chez Sotheby’s à Londres - pour 1,5 million $ - une sculpture représentant un éléphant couché, couvert de milliers de bindis, devenant ainsi l’artiste indienne la plus cotée. Elle battait un autre record en Mai 2013 avec la vente d'une sculpture éléphant 'The Skin Speaks A Language Not Its Own' (2006), pour 1,8 million $ chez Christies.
Contact : https://www.perrotin.com/fr/artists/Bharti_Kher/39#images

BIOGRAPHIE/OEUVRE
Actualité
Bharti Kher participe à l'exposition de groupe Résonance à la Fondation Opale, à Lens, Suisse, du 14 Juin 2020 au 4 Avril 2021 (fermeture temporaire)
Expositions
Parmi les expositions personnelles récentes de Bharti Kher, citons : en 2020 «The Unexpected Freedom of Chaos", Galerie Perrotin, New York ;  en 2019 "The Trick is living", Bikaner House, Delhi ; 2018 "Djinns, Things, Places", Galerie Perrotin, Tokyo, Japon, "Points de départ, points qui lient", une exposition de Bharthi Kher au DHC/ART, Montreal, Canada, "Messengers", Grunwald Gallery (Indian University), en 2017-2018 "Dark Matter MM", Museum Frieder Burda/Salon Berlin.
Bharti Kher participait à l'exposition collective Asia Now Paris 2020, présentée par la galerie Perrotin, "La Lumière des Mondes", à Massignac, France, du 24 Mai au 15 Décembre 2019
La galerie Nature Morte à New Delhi profitait du confinement pour revenir sur les différentes expositions et travaux de Bharti Kher, en parallèle avec sa montée en puissance sur le marché international.https://mailchi.mp/naturemorte.com/newsletter-artist-in-focus-bharti-kher?e=2603471727
La galerie Perrotin proposait aussi une visite virtuelle de l'exposition, the «The Unexpected Freedom of Chaos", de Bharti Kher, programmée du 22 Février au 11 Avril 2020. L’artiste avait ainsi assemblé des miroirs brisés, reliés par des bindis appliqués individuellement. Les bindis apparaissent dans presque tous les travaux de Bharti Kher depuis plus de vingt ans; ils deviennent ici des objets qui guérissent et se réparent, comme la peau.
L'artiste expose à la Galerie Perrotin New York du 9 Juillet au 14 Août 2020
https://leaflet.perrotin.com/view/19/the-unexpected-freedom-of-chao
Bharti Kher Expositions Biographie

NALINI MALANI, née en 1946, est une artiste contemporaine indienne. Elle est considérée comme une des artistes de premier plan aujourd’hui en Inde. Elle utilise la technique de peinture sous verre mais elle est surtout connue pour ses installations multimedia. Son travail tourne autour de thèmes récurrents comme le genre, la mémoire, la race et les politiques multinationales en référence à l’histoire post coloniale de l’Inde après l’indépendance et la répartition. Ses oeuvres engagées politiquement ont été montrées dans les plus grandes expositions, en Inde, au Japon, en Australie, Angleterre, à Cuba et en Afrique du Sud. 
http://www.nalinimalani.com/ 
Contact : nalinim2@gmail.com
https://www.instagram.com/nalinimalani/

BIOGRAPHIE/OEUVRE/EXPOSITIONS

Actualité
Nalini Malani expose à "Can you hear me?" à la WhiteChapel gallery, à Londres, du 29 Septembre 2020 au 6 Juin 2021. L'exposition est constituée de 88 animations projetées sur les murs de l'intérieur de la White Chapel gallery à Londres (fermeture temporaire).
Expositions
Nalini Malani est exposée dans des collections de musées nationaux à travers le monde. Parmi ses expositions personnelles récentes, citons : en 2018-2019 "Can You Hear Me?: Nalini Malani 1969-2018", Arario Gallery, Shanghai, Chine ; en 2018 'La rébellion des morts, rétrospective 1969-2018', Castello du Rivoli, Turin, Italie et 2017, Centre Pompidou, Paris France ; en 2017 "People come and go", Galerie Lelong, Paris, 'Transgressions', Stedelijk Museum, Amsterdam, 2016-2017 "Utopia from the collection: the 1960's", MOMA, New York, 'Gamepieces in Scenes for a New Heritage", en 2015 Galerie Lelong, Paris, 'Stories retold' à l'Institute of Contemporary Art Indian Ocean', Ile Maurice ; en  2014 au Kiran Nadar Museum of Art, New Delhi, Imperial War Museum North, Manchester (Royaume-Uni), Engadiner Museum, St Moritz, Asia Society Museum, New York, Dr. Bhau Daji Lad Mumbai City Museum, Mumbai, Centre de la Gravure et de l'Image Imprimée, la Louvière – Belgique, Cassandra’s Gift, Vadehra Art Gallery, New Delhi ; en 2013 au Fukuoka Asian Art Museum, Japon, Galerie Lelong, New-York, Peabody Essex Museum, Salem - MA, (Etats-Unis).
Nalini Malani participe aussi à diverses expositions collectives : 2020 "Dancing Queen: Women artists from Asia", Arario Gallery, Cheonan, Corée ; 2019-2020 "The Square - Art and Society in Korea 1900-2019", National Museum of Modern and Contemporary Art, Seoul, Korea ; en 2019 "Mud Muses – A Rant about Technology", au Moderna Museet, Stockholm, Sweden ; en 2015, Galerie Lelong, Paris, 2013 au National Art Center, Tokyo, à la Biennale de Kochi ; en 2012 13 Documenta, Kassel – Allemagne, Singapore Art Museum ; Mother India: Video Plays by Nalini Malani', Art Gallery of New South Wales, Sydney ; en 2011, "Paris, Dehli, Bombay" Centre Pompidou, Paris, "Indian Highway IV" MAC Lyon.
En Mai 2019, la Fundació Joan Miró et la banque La Caixa en Espagne ont décerné à Nalini Malani, le Prix Joan Miró 2019, un prix décerné chaque année à un artiste contemporain dont les œuvres traitent de thèmes similaires à ceux des surréalistes espagnols. Le prix est doté de 70 000 € (environ 77 800 $) et couvre la production de l’exposition personnelle de l’œuvre de Nalini Malani prévue pour 2020 à la Fundació Joan Miró​.
Nalini Malani met à disposition sur son compte Instagram, une quinzaine d’animations qui peuvent être téléchargées, libres de droits.

SURENDRAN NAIR, né en 1956, est un artiste plasticien indien. Il fait partie des plus grands artistes indiens contemporains. Ses peintures sont faites d’un mélange d’imagerie traditionnelle - tirée principalement des mythologies indiennes, grecques et contemporaines - souvent pour parler de la politique post coloniale de l’Inde. Un bon nombre de ses oeuvres ont été vendues aux enchères dont 'Doctrine of the Forest: An Actor at Play (Cuckoonebulopolis)', vendue chez Saffronart New York 'Spring Online Auction' en 2008 pour 558 969 $. 

BIOGRAPHIE/OEUVRE/EXPOSITIONS

Expositions
Parmi les dernières expositions personnelles de Surendran Nair, citons : en 2017 "Cuckoonebulopolis: (Flora and) Fauna", Aicon Gallery, New York ; en 2015 'Surendran Nair', Sakshi Gallery, New Delhi ; en 2010, 'Neti, Neti', la première exposition solo de l’artiste aux Etats-Unis, à San Francisco ; en 2009 Pernoctation and Early Drawings à la Sakshi Gallery, Darbar Hall, à Cochin ; en 2008 Pernoctation and Early Drawings, à la Sakshi Gallery, à Mumbai.
Surendran Nair a par ailleurs participé à de nombreuses expositions collectives en Inde, Australie, Allemagne, Chine, Etats-Unis, Norvège, Royaume-Uni, Suisse et Singapour dont les plus récentes : India Art Fair 2020 ; Biennale de Kochi-Muziris 2018 ; en 2014 Group show au Indira Gandhi National Centre For Arts, Gallery Espace, 'In-Between', Sakshi Gallery, Mumbai, Biennale Kochi-Muziris ; en 2012, plusieurs expositions collectives à la Sakshi Gallery, Mumbai ; en 2011, Anecdotes, Pause, a collection, à la Sakshi Gallery, San Jose Museum of Art, Palette art gallery, New Delhi ; en 2010, 'On view', Sakshi Gallery, Mumbai.
En 2005, il était parmi les 38 artistes sélectionnés pour la première grande exposition sur l’art contemporain indien aux Etats-Unis : Recent Art in India, organisée par le Queens Museum of Art à New York.
Les œuvres de Surendran Nair font par ailleurs partie des collections du Fukuoka Asian Art Museum, Queensland Art Gallery, National Gallery of Australia et National Gallery of Modern Art, à New Delhi.

G. RAVINDER REDDY est un artiste-sculpteur indien, parmi les plus réputés. Il réalise des sculptures monumentales, généralement des têtes beaucoup plus grandes qu’en réalité. Ses œuvres sont un mélange de différentes sources iconographiques et de différents procédés techniques : leurs formes totémiques ont quelque chose du Pop Art. Sa sculpture extraite de la Amaya Collection, "Family" s’est vendue 341 000 $ chez Sotheby's en Juin  2013. « Untitled (Head) » s’est vendue 40 988 euros chez Christie’s, à Londres le 11 Juin 2013. Sa sculpture Devi II a été vendue chez Saffronart Auction pour 23,67,000 Rs en 2018. Une tête en résine et fibre de verre de l'artiste a été vendue 85.000$ à l'India Art Fair 2020 par la Vadehra Contemporary Gallery. Avec des ventes cumulées de 293 810 $, il se situait au 384^ème rang du classement Artprice (Produit des ventes) du marché de l’art dans le monde en 2016/2017
L’artiste
G. Ravinder Reddy  est né en 1956 à Suryapet dans l'Andhra Pradesh. Il a obtenu un B.A. (1980) et un M.A. sculpture (1982) à l’Université M.S. de Baroda (1982). Il est diplômé du Goldsmith College of Arts (Art & Design), University of London (1983) puis il s'est formé à  la céramique au Royal College of Arts en 1984, ajoutant la terracotta à la fibre de verre parmi ses médiums. Il enseigne au Département des Beaux Arts à l’Andhra University, Visakhapatnam, où il vit.
Son œuvre
G. Ravinder Reddy  utilise des éléments contemporains et traditionnels dans ses créations qui sont très colorées, ce qui pourrait les ranger dans la catégorie "folk art" plutôt que dans celle des Beaux Arts. Ses images de femmes, couples ou familles, montrent le corps humain comme lieu d’identité sociale, sexuelle, religieuse et culturelle. “Without women there is no life”, déclare G.Ravinder Reddy. Ces femmes sont souvent des divinités indiennes qu'il rend contemporaines. Les têtes sont sans passion et impersonnelles même si on peut voir une sorte de vivacité dans leurs expressions. Elles regardent droit devant, jamais sur les cotés, les yeux grand ouverts.
Ses références viennent de sources variées telles que les sculptures égyptiennes, africaines et même les travaux de Niki de Saint Phalle, Fernando Botero, Luis Jimenez et Jeff Koons. L’artiste utilise la fibre de verre en résine de polyester : il couvre cette fibre de verre avec une peinture de voiture opaque ou une feuille d’or métallisée.
Bien qu'il n'ait pas fait partie ces dernières années du Top 500 du marché de l'art d'Artprice, ses têtes de divinités dans des couleurs très vives - réminiscence de l’art statuaire traditionnel indien - continuent à être très prisées.
En Juin 2019, la galerie d'art contemporain Emami Art, au Kolkata Centre for Creativity (KCC), a organisé une exposition consacrée à Ravinder Reddy intitulée "Rasa" : elle présentait une grande sélection d'oeuvres de l'artiste de 1989 à 2019.
Expositions
Parmi les expositions personnelles récentes de l’artiste, citons : en 2020 "Soma", Vadehra Art Gallery, New Delhi ; en 2019 "Rasa", Emami Art, Kolkata Centre for Creativity, Inde ; Aicon Gallery, New York 14 Mars - 12 Avril 2014, Arken Museum of Modern Art, Danemark 18 Août 2012 - Janvier 13, 2013 ; en 2011 Smart Museum of Art, Université de Chicago ; en 2008 Grosvenor Vadehra, Londres ; en 2007 Incridible India, Le Jardin d'Acclimation, Paris, France
Ravinder Reddy participe aussi à de nombreuses expositions collectives, citons les plus récentes :  India Art Fair 2018, 2016, Art Basel Hong Kong 2016 ; en 2012 Mapmakers: the evolution of contemporary Indian Art, Aicon Gallery, New York ; en 2011 il faisait notamment partie des artistes indiens exposés au Centre Pompidou, à Paris, dans le cadre de l’exposition « Paris- Delhi-Bombay ». Sa tête monumentale, « Tara »,  comme une sorte d’icône de la femme indienne contemporaine, trônait au centre de la salle documentaire circulaire autour de laquelle était organisée l’exposition ; en 2009 Body Chatter: An Exhibition of Contemporary Indian Art, Walsh Gallery, Chicago ; en 2008 Freedom 2008: Sixty Years After Indian Independence, Centre for International Modern Art (CIMA), Kolkata ; en 2007-08 India Art Now: Between Continuity and Transformation, Province of Milan, Milan, Italie, Indian Art at Swarovski Crystal World Show, 2nd Exhibition, Tirol – Austria Polyphonies, Gallery Hosp, Tirol – Austria

RAQIB SHAW, né en 1974, est un peintre et sculpteur indien, connu pour ses peintures finement détaillées de paradis imaginés. Peintures et sculptures évoquent le travail des maîtres anciens tels que Holbein et Bosch. En 2006, un travail représentatif de son style, entre arts visuels et décoratifs, était vendu aux enchères pour la première fois, au prix de 60 000 $. En 2010 et 2011, ses meilleures ventes se situaient entre 750 000 $ à 740 000 $ : 'Garden of Earthly Delights XIV' vendu chez Christie’s et 'Absence of God III And His Tears of Blood will drown the cities of Men II', vendu chez Phillips de Pury & Company, à Londres. En Juin 2014 il a vendu 349 656 $ une peinture « Garden of Earthly Delights XIII » chez Sotheby’s. Il se situait à la 488ème place/500 du classement Artprice (Produits cumulés) avec des ventes de 262 936 $ en 2015-2016, et à la 291ème place, avec des ventes de 533,732 $ en 2018/2019.
Contact : https://raqibshawstudio.com/
www.instagram.com › raqibshawstudio

BIOGRAPHIE/OEUVRE

Expositions
L’artiste est exposé dans le monde. Citons parmi ses expositions personnelles récentes : en 2019 "Landscapes of Kasmir", Pace Gallery, New York ; en 2018 "Raqib Shaw, Reinventing the Old Masters", Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh, Uk ; en 2017, Raqib Shaw, University of Manchester the Whitworth ; en 2016 'Self-portraits', White Cube Bermondsey, Londres ; en 2015 Art Basel, Miami, Galerie Thaddaeus Ropac, Paris ; en 2013, Pace Gallery,  New York, « Paradise lost », à la galerie Rudolfinium, à Prague et à la Manchester Art Gallery. En Mars 2012 La Galerie Thaddaeus Ropac présentait « Of Beasts and Super-Beasts », la première exposition personnelle en France de Raqib Shaw.  « Paradise lost » était présentée à la galerie White Cube, London Masons Yard en 2011. En 2008 il était exposé au Museum of Modern Art à New York.
A partir de 2001, Raqib Shaw a participé à de nombreuses expositions collectives à travers le monde, excepté en Inde, son pays natal. Parmi les plus récentes :  2020 ‘Cranach: Artist and Innovator’, Compton Verney, en Angleterre ; en 2015 'Thief Among Thieves', Museum Of Contemporary Art Denver, Denver, USA
Raqib Shaw Expositions Biographie 
Des peintures de Raqib Shaw - basées sur deux des opéras du festival Wagner 2016 - étaient présentées au Glyndebourne Festival 2016, en Angleterre.

Raquib Shaw in his studio (video)

SUJATA BAJAJ  est une artiste peintre contemporaine indienne. Elle travaille le multi-média - gravure, peinture, collages - après avoir réalisé des monotypes. Sa peinture est abstraite, très colorée et lumineuse. Elle compte parmi les plus importants artistes indiens de sa génération.
http://www.sujatabajaj.com/
http://sujata-bajaj.com/ publié par Artiana
L’artiste
Sujata Bajaj est née à Jaipur, en 1958. Elle est diplômée de la S.N.D.T. Women University de Pune où elle obtenu un master en art et peinture. Elle a ensuite fait une thèse de doctorat sur l’art tribal indien pendant 5 ans. Elle est partie pour l’Europe en 1988 sur recommandation du célèbre peintre indien Haider Raza. Elle a ensuite étudié à l’Ecole des Beaux Arts de Paris et travaillé dans l’atelier du sculpteur Claude Viseux. Elle vit et travaille à Paris ; elle partage son temps entre la France, l’Inde et la Norvège.
Son œuvre
Sujata Bajaj lie papier, vêtement, ficelle, pour en faire des lignes au pinceau. Elle mélange collage, huile, dessin, encre. Elle utilise différents supports : monotype, eau forte, gravure sur bois, sculpture, céramique, fibre de verre, métal et depuis récemment l’acrylique sur toile. Elle fabrique aussi son propre papier. "Il y a dans mon travail l'influence de l'art français et l'art indien. Je choisis beaucoup de couleurs éclatantes que j'équilibre par la texture". Parlant de l’utilisation des couleurs, elle expliquait que chacune a une signification différente. Le rouge englobe tout : passion, violence, énergie, amour et agression, c’est la couleur de la divinité en Inde. 
Elle utilise des textes de documents de l’ancien Sanskrit comme le Bhagavad Gita, les Vedas et le Mahabharata. « Le language n’est pas abstrait pour moi… je n’utilise pas de textes qui ont des significations négatives», déclarait-t-elle en 2011. « Je ne choisis pas mes textes pour des raisons spirituelles, j’utilise les mots parce que je les souhaite dans mon travail. Par exemple Om est un des sons les plus puissants, beaucoup de gens méditent sur Om. Le son est un bloc de construction de la vie, de l’univers », poursuivait-elle.  
Expositions
Sujata Bajaj a fait l’objet de nombreuses expositions personnelles et participé à un grand nombre d'expositions collectives, en Inde et à l’étranger, en France, Norvège, Royaume-Uni, ou Los Angeles. Parmi ses expositions personnelles les plus récentes, citons : en 2019 'Ganapati', Saffronart, London ; en 2018 'Ganapati', Gallery Veda, Chennai ; en 2017 'Ganapati', Kalakriti Art Gallery, Hyderabad ; en 2016, 'Ganapati', Spazio Panchsil Realty, The Mona Lisa Kalagram, Pune, Inde ; en 2016, Jehangir Art Gallery, et Gallery Art & Soul, Mumbai ; 2015 elle exposait au Paris Art Fair ; en 2012 'Aqua - Gallery Beyond', Mumbai, 'Aviraam: Celebrating the Pioneer Spirit- SH Raza at 90 - India Habitat Centre, New Delhi ; en 2011 'Form and Formlessness' - Art Alive Gallery, Gurgaon, India, 'Recent Works', Galerie Romain Rolland, Alliance Francaise de Delhi, New Delhi ;  en 2010 'Besides Paris - Birla', Academy of Art and Culture, Kolkata, India, 'Swasti Roop' - Art Alive Gallery, New Delhi, India ; 2009 'Think Small' - Art Alive Gallery, New Delhi, Manthan - Galerie Romain Rolland, New Delhi, Galerie Patrice Trigano, Paris ; en 2008, 'X at the rate of Jehangir' - Jehangir Art Gallery, Mumbai, 'Emergence - Osborne' Samuel and Berkely Square Gallery, Londres; en 2007 'L’ Ordre du Monde' - Tao Art Gallery, Mumbai, Osborne Samuel and Berkeley Square Gallery, London, Palette Art Gallery, New Delhi, 'An Evening in Paris....Rome....London' - Sanskriti Art Gallery, Kolkata, 'The Tale of Two Cities' - Sanskriti Art Gallery, Kolkata.
On trouve ses oeuvres dans des collections nationales et internationales, privées et publiques. Elle a reçu deux fois le State Art Award du gouvernement du Maharashtra and en 2003 le Raza Award.
Le célèbre auteur Jean-Claude Carrière a par ailleurs écrit les textes d’un ouvrage rassemblant ses œuvres, intitulé « L’Ordre du monde », publié en 2007.

SUDARSHAN SHETTY, né en 1961, est un artiste indien contemporain. Cet artiste conceptuel est connu pour ses installations sculpturales et son utilisation du multi-média. Peu reconnu jusqu’en 2002, il est aujourd’hui l’un des créateurs les plus innovants de la génération d’artistes contemporains indiens qui s’impose aujourd’hui sur la scène internationale. Il a vendu une œuvre « Untitled » pour 52 500 $  ou « Missing » pour 23 204 $ (Juin 2008) chez Christie’s à Londres. En Mars 2014, une œuvre « Untitled » était proposée à la vente chez Sotheby’s, New York et estimée entre 30 000 et 50 000 $.
www.instagram.com › sudarshanstudio

BIOGRAPHIE/OEUVRE/EXPOSITIONS
Actualité
Sudarshan Shetty devrait être présent à Art Dubai 2021, du 17 au 20 Mars 2021.
Expositions
En 2019, Sudarshan Shetty exposait à la Galleryske à New Delhi des reproductions d'objets originaux en teck, collectés pendant des années sur le marché aux puces de Bombay et autres endroits similaires. Début 2018, l'artiste présentait ‘A Song, A Story’, and ‘The Empty Vessel’, à la Leila Heller Gallery, à Dubai, En Décembre 2017, il présentait une installation personnelle « Shoonya Ghar » au Bhau Daji Lad museum à Mumbai, inspirée par un poème du 12ème siècle du poète Goraknath intitulé 'Shonnya Ghar'
Sudarshan Shetty participait à Art Paris 2020 au Grand Palais, en Octobre 2020, représenté par la galerie Templon
  lire la suite

DAYANITA SINGH est une artiste contemporaine indienne. Son art est la photographie et le livre son expression. Elle a commencé sa carrière comme photo journaliste mais se considère aujourd’hui comme un bookmaker travaillant avec la photographie. Ses images généralement en noir et blanc sont celles de familles urbaines de classes moyenne et supérieure dans leur environnement. Un ‘portrait de famille’ de l’artiste s’est vendu fin 2014 chez Christie’s à Mumbai, 36 476$.
Contact : https://dayanitasingh.net/
L’artiste
Dayanita Singh est née en 1961 à New Delhi. Elle a étudié la Communication Visuelle au National Insitute of Design à Ahmedabad (1980-1986) et la photographie documentaire à l’International Center of Photography à New York en 1988. Elle vit et travaille à New Delhi.
Son oeuvre
Au cours de ces 30 dernières années, Dayanita Singh a travaillé sur des séries de photos qu’elle revisite dans différents contextes et présente souvent sous forme de livres. Elle a publié à ce jour 12 livres. En 2013 elle a commencé à travailler sur ce qu’elle appelle les « musées portables », à savoir de larges structures en bois qui peuvent être ouvertes et placées dans différentes configurations architecturales, chacune contenant 70 à 140 photos. Pour chaque présentation, elle réorganise les photos de façon à ce que seulement une partie de la photo soit visible pendant un temps donné, tandis que les autres attendent leur tour à l’intérieur de la structure. Sa série ‘Myself Mona Ahmed’ (1989-2001) - un photo-reportage en noir et blanc sur un transexuel/eunuque, âgé, vivant dans un cimetière dans le vieux Delhi - a été récemment acquise par l’Art Institute de Chicago ainsi que ‘Museum of Chance’ (2013) - un livre sur la façon dont la vie se déroule. Son travail ‘Sent a letter’ (2008) consiste en 7 petites photos du quotidien réunies dans une petite boîte dessinée par l’artiste. 'Go Away Closer' (2006) est une nouvelle sans mots, à partir de rapprochement de photographies.
Dans ses travaux récents Dayanita Singh utilise plutôt les possibilités et les particularités des films couleur pour produire des photographies saturées de couleurs intenses comme dans son œuvre ‘House of Love’ (2011) ( il y est fait référence au Taj Mahal).
Expositions
Parmi les expositions personnelles récentes de Dayanita Singh, citons : en 2019 Dayanita Singh at Frith Street Gallery, Golden Square, London ; en 2016, Museum of Chance Book Object, a solo project at the Dhaka Art Summit, Bangladesh, Museum of Chance Book Object, a solo exhibition at the Hawa Mahal, Jaipur, Dayanita Singh, Museum of Machines (MAST), Bologne, Italie, 'Conversation Chambers', Kiran Museum of Art (Museum Bhavan), New Delhi.
L'artiste participe aussi à de nombreuse expositions collectives : Nature Morte, New Delhi, Museum of Chance at Surrounds: 11 Installations at Museum of Modern Art, New York, In the Company of Artists at Hostetter Gallery, Isabella Stewart Gardener Museum, USA ; 2018 Time Measures and Pothi Khana, 57th Carnegie International, Carnegie Museum of Art, Pittsburg, USA ; en 2017 Museum Bhavan, Tokyo Photographic Art Museum, Tokyo, Japan ; en 2016 Suitcase Museum and Kitchen Museum at the Museum of Contemporary Art Australia for the 20th Biennale of Sydney
Dayanita Singh Expositions Biographie
Dayanita Singh a en outre publié plusieurs livres : Zakir Hussain (1986), Myself, Mona Ahmed (2001), Privacy (2003), Chairs (2005), Go Away Closer(2007), Sent A Letter (2008), Blue Book (2009), Dream Villa (2010), Dayanita Singh (2010), House of Love (2011), File Room (2013), and Museum of Chance (2014). En 2008, elle a reçu le Prince Claus Award, Amsterdam, et le Robert Gadner Fellowship, de la Harvard University, Boston. 

SALMAN TOOR est un jeune artiste contemporain originaire du Pakistan. Il s’est notamment fait connaître par ses œuvres qui examinent la vulnérabilité dans la vie publique et privée de nos jours et la notion de communauté dans le contexte de l’identité queer.
En 2021, Salman Toor fait partie de la prochaine liste Time100 qui met en avant les leaders émergents qui ont une vision pour le futur. D’après le Time, l'artiste «a fait sa carrière en subvertissant les styles de peintures anciennes et en se focalisant ouvertement sur des hommes queer d’Asie du Sud ».
Salman Toor a réalisé une très belle vente chez Phillips HK le 3 Décembre 2020 pour son oeuvre "Group Dance" (2012) : 520,000$.
https://www.salmantoor.com/
Actualité
L'exposition "How wil I Know" de Salman Toor, pésentée au Whitney Museum, New York, du 13 Novembre 2020 au 4 Avril 2021
L’artiste
Salman Toor est né à Lahore, Pakistan, en 1983. Il a obtenu un Bachelors of Fine Art (Painting and Drawing), with Honors, Ohio Wesleyan University, Delaware Ohio (2006) puis un Masters of Fine Art (Painting), au Pratt Institute, Brooklyn, New York (2009). Il vit et travaille à New York City
Son œuvre
Salman Toor s’inspire plus particulièrement de l’esthétisme des portraits des maîtres européens des 17e et 18e siècles qu’il combine avec des scènes de la vie contemporaine. «Au lieu d'évoluer avec le temps, je voulais une formation académique en peinture», explique-t-il. «Je voulais être aussi bon que les anciens maîtres "blancs". En fait, je n'étais heureux que lorsque je pouvais prétendre être un peintre du XVIIe ou du XVIIIe siècle vivant à Madrid, Venise ou en Hollande. ».
Les personnages de Salman Toor sont des amalgames de références historiques de l'art - du baroque au rococo - imprégnés d'une atmosphère de la Beat Generation des années 1950 au XXIe siècle. Les couples multiethniques s'embrassent dans les bars, partagent cigarettes et verres de vin dans l'agitation de la vie nocturne. Des compagnons dansent dans des appartements exigus remplis de livres et de musique. Salman Toor représente surtout des hommes gays dans des scènes de chaude camaraderie, de grandes scènes d'amitié, d'amour auxquelles il mêle la technologie. Salman Toor recherche aussi un acte de validation ou d'approbation d'hommes queer de couleur qui, autrement, auraient disparu de l'histoire de l'art.
L’artiste a développé son style et créé un travail à couper le souffle. Il procède par coups de pinceaux complexes et combine une palette de couleurs terreuses, de couches brossées et de textures grossières. L’encadrement de ses peintures, dans des cadres en bois élégants et simples, ajoute à la protection qu'il souhaite donner à ses créations.
S’il s’est fait connaître en décrivant un certain milieu gay, il a également enquêté sur sa propre identité plus compliquée. «J'aime jouer avec la dignité d'une personne brune, en particulier un corps brun poilu, dans cette langue du 17ème siècle, qui est remplie d'albâtre lisse. Surfaces et corps calmes - je veux détruire cette idée de la beauté. » Certaines de ses nouvelles peintures présentent des variations de lui-même, jeune, à Lahore, s’habillant comme une princesse ou témoin de violences contre un homosexuel chez son voisin. "J'ai été exposé à des choses au Pakistan qui ne me permettent pas de tenir ces libertés pour acquises", dit-il. «Être queer - je l'ai accepté pendant très longtemps, mais je ne l'ai jamais vraiment célébré. Et je veux le célébrer maintenant. «À travers la peinture, j'essaie d'évoquer un monde où les gens de couleur sont des héritiers égaux et fiers de la culture humaniste qui accueille les libertés dont nous jouissons dans les centres urbains en Occident.», déclarait l’artiste. 
Salman Toor était exposé à la galerie Nature Morte à New Delhi en Décembre 2019 : "I know a place". Et une exposition de l'artiste programmée au Whitney Museum de New York, du 20 Mars au 5 Juillet 2020, a été reportée compte-tenu du contexte sanitaire. Elle est reprogrammée du 13 Novembre 2020 au 4 Avril 2021.
Expositions
Salman Toor a déjà eu plusieurs expositions personnelles à New York et au Pakistan : en 2019 « I Know A Place », Nature Morte, New Delhi ; Salman Toor  “New Paintings”, Gallery: O Art Space,  Lahore ; 2018  « Time After Time, Aicon Gallery, New York ; 2017  « Short Stories », Canvas Gallery, Karachi ; 2015 "Salman Toor: Drawings from 'The Electrician", Honey Ramka, New York Resident Alien, Aicon Gallery, New York ; 2014 Close Quarters, Canvas Gallery, Karachi ; 2013 The Happy Servant, Aicon Gallery, New York ; 2011 "I ♥ Kitsch", Rohtas II Gallery, Lahore.
L'artiste a aussi participé à des expositions de groupe ::2019 Them, Galerie Perrotin, New York , "Home is Not a Place", Anat Ebgi Gallery, LA ; 2018 "Are you Here? Lahore Biennale 2018, Lahore ; 2016 ; Kochi-Muziris Biennale 2016, Kochi ; 'Go Figure', Aicon Gallery ; 2014 'Wrech', Honey Ramka, New York ; 2013 Cinephiliac: Art Transcending Technology and Motion, Twelve Gates Art, Gallery, Philiadelphia, Return of The Native, Rohtas II Gallery, Lahore ; 2012 Stop Play Pause Repeat, Lawrie Shabibi Gallery, Dubai Letters to Taseer II, Drawing Room Gallery, Lahore.

JANGARH SINGH SHYAM  est un artiste d’art tribal contemporain indien, un art qu’il a contribué à porter sur la scène artistique indienne. « Longtemps marginalisés pour leur apparente naïveté, les artistes (d'art tribal) Gond occupent désormais le devant de la scène artistique, avec des œuvres qui se vendent dans les galeries et musées du monde entier », rapportait le journal Le Monde en Février 2011.
L'artiste
Jangarh Singh Shyam est né en 1962, il appartenait à la tribu des Gonds du Madhya Pradesh.
Il est mort tragiquement en 2011, au Japon, où il était en résidence.
Son oeuvre
Au début des années 80, l’artiste fut introduit auprès du musée Bharat Bhawan de Bhopal et repéré par le conservateur du Musée. Il peindra notamment le dôme de ce musée, un des plus prestigieux en matière d’art tribal contemporain indien. Il fut un des premiers de la tribu des Gonds à utiliser - à l'invitation du musée - papier et toile pour ses peintures au lieu de peindre directement sur la terre ou les murs de la maison, passant ainsi de l’art éphémère à des supports durables. Ses sujets majeurs sont l’arbre de vie et les animaux.
Expositions
Jangarh Singh Shyam expose au musée tribal Bharat Mahotsav au Japon en 1988. Il participe en 1989 à sa première grande exposition « les Magiciens de la Terre » au Centre Pompidou à Paris puis à l’exposition « Others Masters » à New Delhi en 1998. En 2010, dans le cadre de l’exposition « Autres maîtres de l’Inde », le Musée du quai Branly exposait une magnifique sélection de ses grands formats de la collection Poddar. La galerie Hervé Perdriolle à Paris lui consacrait une exposition personnelle la même année. Il était exposé à la Fondation Cartier dans l’exposition « Histoire de voir », en 2012. La Gallerie Ganesha à Delhi en Janvier 2015 organisait une exposition à la mémoire de l’artiste, intitulée « Tribal tales » : 20 œuvres de Jangarh Singh Shyam et de sa fille y étaient présentées. « Depuis sa ville natale où il a créé des peintures murales à ses derniers travaux avant sa mort soudaine en 2001, il a continué à évoluer et sa créativité est à la hauteur des plus grands noms de l’art contemporain » déclarait Shobha Bhatia, Directeur de la Gallerie.
Les oeuvres de Jangarh Singh Shyam font partie des collections de musées comme le Centre Pompidou à Paris, le Saitagawa Museum de Tokyo et le Musée Municipal d’Arnhem, Pay-Bas.
Jangarh Singh Shyam faisait partie des artistes indiens exposés au Manoir de Martigny, Suisse, du 26 Août au 5 Août 2018.
En septembre 2010, une peinture intitulée ‘Paysage avec araignée(1988)’ de Jangarh Singh Shyam, a été adjugée 31 250 dollars, un record, lors d'une vente aux enchères organisée par Christie's à New York. En 2011, la Fondation Cartier pour l’art contemporain faisait l’acquisition de trois peintures sur papier de l’artiste. Lors de la vente d’art tribal de Saffronart en 2012, une œuvre de l’artiste s’est vendue à  Rs 9 lakh, le prix le plus élevé pour ses œuvres.

Japani Shyam est la fille de Jangarh Singh Shyam. Née en 1988, son père l’a prénommée Japani après un voyage dans un de ses pays favoris, le Japon. Elle a commencé à peindre très jeune, sous la guidance de son père et à 11 ans, elle remportait le Kmala Devi Award. Ses motifs principaux sont les animaux ou les oiseaux. Elle essaie de capturer l’écosystème dans lequel ces animaux survivent. Elle peint aussi le monde des rituels et des croyances parmi les Gonds qu’elle a pu voir dans les villages de Pantangarh and Sonpur d’où ses parents étaient originaires. Elle travaille le monochrome, le noir et le blanc étant ses couleurs favorites. Elle était exposée à la Gallerie Ganesha à Delhi en Janvier 2015 dans une exposition partagée avec son père. Elle participait en Mars 2014 à une exposition collective intitulée ‘Katha’ avec quatre autres artistes Gonds à la Gallery Gitanjali à Goa.

SUBHASH VYAM est un artiste d’art tribal indien contemporain. Il fait partie de la tribu des artistes Gond du Madhya Pradesh.
Son oeuvre
Subhash Vyam, né en 1970, a commencé à sculpter la terre dès l’âge de 10 ans. Il est devenu par la suite sculpteur sur bois. Il s'est orienté vers la peinture après avoir obtenu du gouvernement du Madhya Pradesh le prix Rajya Hastha Shilpa Puraskar en 2002 pour un de ses dessins à l’encre. Ses thèmes favoris sont la composition de la nature qu’il a pu observer dans son enfance dans le village de Sonpuri. Il a aussi puisé son inspiration dans les nombreux contes populaires dont sa femme Durga Bai connaissait un grand nombre et il a alors commencé à peindre des personnages et des scènes inspirés de ces histoires.
Subhash Vyam peint sur toile et sur papier. Il aime la couleur noire – il pense que le noir est bon pour lui - et utilise souvent comme medium l’encre sur papier. Il utilise notamment les motifs de graines étalées sur des plumes de paon.
Il organise par ailleurs des ateliers de peinture au cours desquels il peut enseigner la sculpture en terre et en bois.
Subhash Vyam a commencé à travailler très tôt, avant ses dix ans. Son frère ainé étant parti s’établir ailleurs, il a du en effet soutenir sa famille en vendant des feuilles de betel. Après ses études scolaires, il est parti à Bhopal dans l’état du Madhya Pradesh. Il a alors continué à faire des sculptures en terre et en bois à ses temps perdus. Il a exercé plusieurs métiers, allant de constructeur de routes à ouvrier en atelier d’impression sérigraphique.
MANSINGH VYAM, le fils de Subhash Vyam et Durga Bai est aussi un artiste Gond dont le talent a été reconnu dès son plus jeune âge : il créé des dessins à l’encre d’oiseaux et de forêts qu’il a lui aussi pu observer dans le village de Sonpori. En juillet 2015, il a vendu une oeuvre chez Saffronart pour Rs 22,680 ($360).
Subhash Vyam et Durga Bai sont aussi les auteurs d’une bande dessinée, « Bhimayana », qui raconte l’histoire d’Ambedkar (1891- 1956), grand homme politique indien qui s’est engagé dans la défense du droit des Intouchables,  caste dont il était lui-même issu.

JIVYA SOMA MASHE  est un artiste contemporain indien de la tribu Warli. Il est le fondateur du mouvement contemporain d’art Warli, art tribal indien .
L’artiste
Jivya Soma Mashe est né en 1934. Il faisait partie de la tribu Warli de l'Etat du Maharashtra. Jivya Soma Mashe a eu un parcours atypique, il a perdu sa mère à l’âge de 7 ans et choqué n’a pu parler pendant de nombreuses années. Il ne communiquait avec les autres qu’au travers de dessins sur le sol, un art pratiqué seulement dans la tribu Warli. Sa pratique quotidienne de cet art a attiré l’attention d’émissaires du gouvernement, en charge de la conservation de l’art Warli. Son talent a dès lors été reconnu au niveau national, au-delà de sa communauté. Il a été découvert un peu plus tard par Bhaskar Kulkarni, un artiste de Mumbai. En 1976 , il a reçu son premier National Award - la plus haute récompense en matière d’art - des mains d’Indira Ghandi. Il est décédé en 2018.
Son œuvre
La peinture Warli était un art ancestral essentiellement rituel jusque dans les années 70 ; elle a pris un tournant radical quand Jivya Soma Mashe a commencé à peindre chaque jour, en dehors donc du cadre rituel.
Les peintures de Jivya Soma Mashe décrivent l'activité quotidienne et les légendes des tribus Warlis. "Il y a les êtres humains, les oiseaux, les animaux, les insectes, etc. Jour et nuit il y a du mouvement. La vie est mouvement." déclare Jivya Soma Mashe. L’artiste s’inspire du foklore et des histoires de célébrations racontées aux enfants de sa tribu dès le plus jeune âge. Ses images sont basées sur de simples formes comme le cercle emprunté à la lune ou le soleil, le triangle des montagnes et des arbres. Les corps des êtres humains ou des animaux sont dépeints par deux triangles. Jivya Soma Mashe a transformé l’aspect de ces peintures éphémères brutes pour travailler sur papier et toile.
En 2009, il a été honoré du Prince Claus Award pour sa réinvention créative d’un vocabulaire artistique qui était en train de disparaître, pour sa représentation de la vision de la nature des Warlis, et pour sa contribution significative à la culture et au développement des populations tribales.
Expositions
La première exposition personnelle de Jivya Soma Mashe a eu lieu à la Gallery Chemould à Bombay en 1975. 
Il a participé ensuite à diverses expositions collectives comme ‘les Magiciens de la Terre’ au Centre Pompidou, Paris, France, en 1989. Puis il expose avec Richard Long, rencontré en Inde, au Museum Kunst Palast, Düsseldorf, en Allemagne, en 2003 et au PAC de Milan (2004). Il est ensuite exposé à la Halle Saint Pierre, Paris, France en 2007, aux côtés des sculptures de Neck Chand puis à la Gallery Chemould « Warli, paintings by Jivya Soma Mashe and Balu ». Il participe en 2010 à l’exposition organisée par le Musée du Quai Branly, Paris France, « Autres Maîtres de l’Inde». La même année, il est exposé à la galerie Hervé Perdriolle à Paris. En 2011, il participe à l’exposition organisée à la Galerie du Jour/Agnès B., Paris, ‘(M)other India’, puis en 2012 à la Fondation Cartier « Histoires de voir ». En 2013 il est exposé avec d’autres peintres Warli à la galerie Frédéric Moisan à Paris, puis à Madrid, Museo Reina Sofia, ‘Formas Biograficas’. Il a aussi participé à l’exposition en 2015, Chinese Utopia Revisited, Bozar, Bruxelles.
Jivya Soma Mashe faisait partie des artistes indiens exposés au Manoir de Martigny, en Suisse, du 26 Mai au 5 Août 2018. Il est décédé peu avant l'ouverture de cette exposition.

RAM SINGH URVETI est avec Jangarh Singh Shyam, une des figures historiques de l’art tribal contemporain indien. Ses peintures célèbrent les esprits de sa tribu, les Gonds.
L’artiste
Ram Singh Urveti est né dans l’Etat du Madhya Pradesh en 1970.  Comme beaucoup d’artistes d'art tribal, il n’a pas fait d’études particulières, s’exerçant lui-même sur des couleurs de peinture. Il a surtout été influencé par Jangarh Singh Shyam.
Son œuvre
Les peintures de Ram Singh Urveti trouvent leur source dans l’art même de la tribu des Gonds, essentiellement centré sur les esprits. Ceux-ci sont représentés au travers de buffles, totems, chamans, pots à offrande, serpents, et arbres. L’arbre est en effet omniprésent dans les peintures de Ram Singh Urveti et plus particulièrement le tronc d’arbre, pour évoquer la puissance. Le tronc est là où se concentre l’énergie ; il semble indestructible, comme la montagne. C’est aussi l’espace que choisissent les esprits. Les arbres s’entrelacent jusqu’à former des sortes de silhouettes évanescentes, sans contour. Les dessins de Ram Singh Urveti ont la force énigmatique qu’on peut notamment trouver dans l’Art brut.
Expositions
Ram Singh Urveti a participé à de nombreuses expositions en Inde et ailleurs dans le monde. Parmi les expositions collectives récentes auxquelles il a participé, citons : en 2016 ‘Indian dreaming’ Librairie Artcurial, Paris ; en 2015 Galerie Da-End, Paris, France, 2015 Art Tribal Contemporain Inde, Galerie Louis Gendre, France ; en 2014 Kaleidoscopic India, Maison Guerlain Champs-Elysées, Paris, France ; en 2010, ‘Five Contemporary Artists from India’, Art Gallery, Pasadena, California ; en 2009, “Now that the trees have spoken”, Pundole Art Gallery, Mumbai ; en 2008 The exhibition ‘Freedom’, pour le 6ème anniversaire de l’Indépendance de l’Inde, aux cotés de grands noms de l’art moderne et contemporain  (CIMA, Centre of International Modern Art, Calcutta, 2008).
De très belles peintures murales de Ram Singh Urveti sont aussi conservées au Musée de l’Homme de Bhopal.
L’artiste a par ailleurs reçu différentes récompenses comme le 2001 Kali Das Award in Ujjain, MP and the South Central Zone Cultural Centre Award for Tribal Art, 1998.
Il a publié un ouvrage intitulé “The Night life of Trees”, Tara Publishing, Chennai, en collaboration avec Durga Bai et Bhajju Shyam, qui a obtenu le prestigieux Bolognaragazzi Award from Italy en 2008.