Artistes Thaïlandais Contemporains

GONGKAN (Kantapon Metheekul) est un jeune artiste contemporain thaïlandais en pleine ascension. Gongkan travaille sur plusieurs mediums : sculpture, peinture, street art et installations video. Il a un style graphique épuré, mêlant street art et illustration.
Lors des Hong Kong Spring Auctions, début Avril 2025, l'œuvre Flyte, 2023, de Gongkan, a atteint 630 000 HK$, établissant un nouveau record de vente aux enchères pour l'artiste.
Gongkan est representé par la Tang Contemporary Art gallery.
https://www.tangcontemporary.com/gongkan-en
https://www.facebook.com/gongkanstudio/?locale=fr_FR
PROFIL DE L'ARTISTE
Gongkan est né en 1989 en Thaïlande. Il est diplômé de la Kasetsart University Laboratory School (2007) et de la Silpakorn University, Faculty of Decorative Arts (2011). Diplôme en poche, il a commencé à travailler dans une agence de publicité à Bangkok, puis il est parti à New York pour poursuivre sa carrière d'artiste. Après trois ans, il est revenu à Bangkok où il vit et travaille à présent.
Souvent introspectif, le travail de Gongkan  explore l’identité, la santé mentale et l’hybridité culturelle. L'artiste a développé un langage visuel unique, baptisé "art de téléportation» mettant en scène des figures et des mondes étranges apparaissant et disparaissant à travers des portails. Son style peut faire penser parfois au peintre Magritte.
Quand il vivait à New York, Gongkan s'était lancé dans le street art et les illustrations, centrées sur l'idée d'être transporté dans le temps et dans l'espace jusque sa terre natale. Ce travail qu'il avait intitulé "Teleport Art"  a rapidement connu le succès sur la scène du street art à New York et plus tard à Bangkok. Le facteur temps est un concept prédominant dans les créations de Gongkan
Sa Série Teleport Art' est constituée de personnages traversant des trous noirs. Ces trous noirs, une constante dans son travail, ainsi que des motifs tirés de la nature comme le ciel, les nuages et l’eau – et le caractère récurrent d’un enfant – tissent un récit à la fois personnel et universel. L’enfant, dit Gonkan, « peut être n’importe qui. Je veux que tout le monde puisse s’identifier à lui".
L'artiste explique : « Mon art naît de la remise en question de moi-même, à partir d’un lieu de dépression et de sentiment d’être piégé. Je dessine constamment un personnage, un enfant – un symbole auquel les gens peuvent s’identifier. À travers son esprit, je raconte des histoires qui varient en fonction du spectateur".
Les œuvres de Gongkan se caractérisent par des images surréalistes, une application de peinture graphique plate et une palette de couleurs sourdes, créant une atmosphère onirique. Alternativement, les portails de Gongkan sont également présentés comme des vides noirs ou des miroirs, qui servent à des fins émotionnelles, réfléchissantes ou symboliques respectives dans ses œuvres d’art.
Parmi ses pièces notables, citons 'Non-Traditional Recipe' (2025), qui présente des personnages dans un bol en porcelaine, et 'Private Hot Springs', qui représentent des individus dans un cadre serein et surnaturel.
La galerie Tang Contemporary Art à Hong Kong présentait une exposition de Gongkan "Asynchronous Affinities", du 22 Mars au 14 Mai 2025. Cette exposition était au départ liée au concept « Right Person / Wrong Time » (bonne personne / mauvais moment), qui reflète des affinités mal alignées. "En tant qu'artiste thaïlandais aux racines culturelles chinoises confronté à la discrimination mondiale et aux changements sociaux, Gongkan cherche à entraîner le public vers une introspection sur les émotions personnelles et collectives, en élargissant les possibilités de relations individuelles et sociales". Gongkan a développé une œuvre unique dans laquelle un garçon se représente lui-même aux côtés de personnages multisexuels et multiraciaux passant par des trous de téléportation, créant ainsi des interconnexions entre des espaces cosmiques oniriques, des contextes interculturels et des éléments naturels. 
A Art Paris 2025, la galerie Tang Contemporary Art exposait une sélection de travaux récents de Gongkan.
EXPOSITIONS
Parmi ses expositions personnelles récentes de Gongkan, citons : 2025 “ASYNCHRONOUS AFFINITIES,” Tang contemporary, Hong Kong ; 2024 “Total Eclipse of the Heart,” X Museum, Pékin, “No Heart Here,” Pingshan Art Museum, Shenzhen, “No Heart Here,” MOCA, Bangkok ; 2023 “Monsters in You,” Over the Influence, Los Angeles,  “Public but Private,” Tang Contemporary Art, Seoul ; 2022 “Inner Place” Tang Contemporary Art, Pékin, “Gongkan: For someone who hate the Rainbow,” Over the Influence, Paris ; 2021 “Introspection,” Tang Contemporary Art, Bangkok,  “Tip of the Iceberg,” Over the Influence, Los Angeles ; 2019 “Yesterday Tomorrow,” River City Bangkok, Bangkok;
L'artiste participe aussi à des expositions de groupe dont : en 2022 “Post-me Generation: How to write about young artists,” Tang Contemporary Art, Pékin, “Group show: Falling,” Tang Contemporary Art, Pékin; 2021 “Art Macao: Macao International Art Biennale 2021, Macao Museum of Art ; 2020 “Retrospective Utopia,” Tang Contemporary Art, Bangkok, “Pollution,” River City Bangkok, Bangkok
EXPOSITIONS PASSEES

MIT JAI INN est un artiste reconnu et novateur de l’art contemporain thaïlandais.
https://www.silverlensgalleries.com/artists/mit-jai-inn
PROFIL DE l’ ARTISTE
Mit Jai Inn est né à Chiang Mai, en Thaïlande. Il a étudié à la Silpakorn University, Bangkok (1982-1986), puis il a poursuivi ses études à l’University of Applied Arts, Vienna (1987-1992), où il a travaillé comme assistant de l’artiste Franz West. Il vit et travaille à Chiang Mai.
Mit Jai Inn reste toujours influencé par ses premières expériences : son éducation dans un village de tissage indigène, sa pratique de la méditation apprise pendant ses six ans comme moine bouddhiste Theravada et son entraînement de boxeur professionnel. La philosophie de Mit Jai Inn est  profondément liée au concept de lumière – un élément qu’il considère comme central à « son existence, son être ». Il est surtout connu pour ses compositions abstraites explorant les répercussions sociales et politiques de la création artistique.
Quand Mit Jai Inn est revenu à Chiang Mai en 1992, il a co-fondé la Chiang Mai Social Installation, un projet artistique et un festival qui faisaient sortir l’art de ses visées traditionnelles et commerciales pour le mettre dans les rues et faire participer le public. Il poursuit actuellement cette éthique participative et communautaire. En 2015, Mit Jai Inn a aussi fondé le Cartel Artspace à Bangkok, une galerie offrant un espace aux artistes qui réfléchissent au contexte historique et actuel de la Thaïlande et de l'Asie du Sud-Est.
Une de ses premières Series, Free Flyers, était conçue sous forme de cadeaux, en référence au système de partage d'informations gratuit Internet. Sa Serie Scrolls, développée à partir de 2002, faisait valoir l’intérêt de Mit Jain Inn pour les formes rituelles communautaires, telles que la peinture iconographique ou cérémonielle roulée.
Dans son exposition « Light, Dark, Other », au TKG+ à Taipei en 2018, son travail toujours dans l’abstraction, se présentait sous forme de touffes de pigments d'huile bruts et organiques condensés sur une énorme toile de lin ; celles-ci dégagent généralement une sensation de sauvagerie et de fraîcheur ainsi que les nuances vibrantes et saturées caractéristiques des forêts tropicales humides. Avec sa pratique non conventionnelle des médias de peinture, Mit Jai Inn créé une approche visuelle différente de l'art, dans laquelle le concept culturel de la couleur est impliqué, et laisse son auditoire réfléchir sur la politique de l'espace par rapport aux histoires esthétiques, sociales et politiques.
Dans l’exposition 'Paphonsak La-or’s Prospects' - qui se tenait au 39+ Art Space à Singapour du 15 janvier au 12 mars 2022 - Mit Jai Inn explorait le récit des œuvres de l’artiste thaïlandais Paphonsak La-or qui abordent les problèmes politiques actuels en Thaïlande, au travers d'une collection de 12 peintures de levers et de couchers de soleil. Ces œuvres dépeignent des scènes crépusculaires dans 12 pays où des réfugiés politiques thaïlandais demandent l’asile. L’exposition présentait aussi des œuvres de Mit Jai Inn comprenant une série de peintures reliées ensemble pour former un tunnel géant de plus de 12 mètres de long. L'artiste invitait les visiteurs à se promener et à interagir avec les œuvres par le toucher.
https://theartling.com/en/artzine/exploring-paphonsak-la-ors-prospects-mit-jai-inns-latest-exhibition//
Dans sa grande exposition "Dreamworld", en 2024 au "MAIIAM, Musée d'Art Contemporain de Chiangmai, l'artiste explorait le pouvoir curatif et social de l'art à travers des œuvres vibrantes qui peuvent être touchées, traversées, piétinées et emportées.
Dans le cadre de l' Asia Pacific Triennial à Brisbane en 2024-2025, Mit Jai Inn avait créé les structures d’un tunnel, d’un rouleau et des « totems » suspendus. Il répondait aux caractéristiques architecturales uniques de l'espace. Avec ces œuvres sculpturales à grande échelle, l’artiste avait créé des vues superposées pour mettre en scène des portails entre les mondes.
EXPOSITIONS
Mit Jai Inn a eu de nombreuses expositions personnelles dont : 2024-2025 Mit Jai Inn, Queensland Art Gallery et Gallery of Modern Art, Brisbane ; 2023-2024 "Dreamworld "MAIIAM, Musée d'Art Contemporain, Chiangmai, Thailande ; 2023 Mit Jai Inn, Silverlens Gallery New York , Ocular Vocabulary, galerie Silverlens, Manille ; 2022 "OME - ONE - COME - ALL", Silverlens Galleries, Manille,  'APSARA Studio et Silverlens galleries, Londres, 'Paphonsak La-or’s Prospects', 39+ Art Space à Singapour ; en 2021, « Dreamworld », la plus grande exposition de l’artiste en Europe, Ikon Gallery, Birmingham, Uk ; 2020-2021 Royal Market Place,  Rossi & Rossi, Hong Kong, « The King and I », TKG+, Taipei 
Mit Jai Inn participait à l'Asia Pacific Triennial of Contemporary Art, du 30 Novembre 2024 au 27 Avril 2025.
EXPOSITIONS PASSEES

PRAPAT JIWARANGSAN est un jeune artiste thaïlandais contemporain, pluridisciplinaire, réalisateur de films, qui a fait des études d’art visuel.
https://www.instagram.com/ligern_studio/
PROFIL
Prapat Jiwarangsan est né en 1979 à Bangkok. Il a obtenu son B.A. Interior Architecture (2002), et son MFA Visual Art (2009), au King Mongkut's Institute of Technology Ladkrabang, à Bangkok et son Master of Arts au Royal College of Art, London en 2011.
A l'issue de ses études, Prapat Jiwarangsan a orienté ses pratiques artistiques sur les relations entre l’histoire, la mémoire et la politique en Thailande, avec notamment le thème de la migration. En 2017, Prapat Jiwarangsan réalisait précisément un film intitulé «The  Wandering Ghost » dont il expliquait le contexte : « Au cours des deux dernières années, des milliers de travailleurs migrants thaïlandais illégaux en Corée du Sud ont été renvoyés en Thaïlande, tandis que des milliers d'autres ont franchi les frontières pour occuper des emplois légaux et illégaux. Se qualifiant de «fantômes», ils ont quitté leur patrie pour un pays étranger dont ils ne parlent pas la langue, travaillent vers un avenir incertain et se cachent comme des fantômes pour échapper aux autorités". Dans un autre film en 2015 “The Asylum”, Prapat Jiwarangsan décrit un lieu près de Chiang Mai où des sans papier ou d'autres sans travail se regroupent.
L'artiste trouve ses sources d’inspiration dans le matériel d’archives sur lequel il intervient, en les découpant et en les réarrangeant. Pour son installation « Aesthetics 101 » par exemple, Prapat Jiwarangsan a travaillé avec les archives de Somkiat Tangnamo, un théoricien de l’université de Chiang Mai. Somkiat Tangnamo a laissé plus de 7000 diapositives après son décès en 2010. Combinant l'analogique et le numérique, « Aesthetics 101 » est une installation multi-écrans qui utilise des projecteurs de diapositives vintage et des projecteurs LED modernes.
L’artiste présentait objets et photos dans l’exposition "Blackout, Kunsthal Rotterdam, Rotterdam" en 2019, « Non-chronological history (2019). Prapat Jiwarangsan déclarait : « Il s'agit de comprendre les causes et les effets de chaque période; nous devons déconstruire le passé et le présent à partir de divers éléments qui se chevauchent. Ensuite, nous pouvons trouver la véritable structure des causes et des effets qui ont un impact sur le temps présent, et nous pouvons atteindre la vérité dans notre histoire nationale ». En 2010, l'artiste parlait déjà de ce temps dans sa video intitulée "The Measure of time".
Prapat Jiwarangsan présentait son installation video « Aesthetics 101» à la Biennale de Singapour jusqu’au 22 Mars 2020. Pour celle-ci, l'artiste a voulu recréer une atmosphère d’étude, utilisant des équipements disparus des classes aujourd’hui, combinés avec des projections videos d’un éminent professeur en Esthétique thaïlandais Somkiat Tangnamo. 
Le film ‘Ploy’ de Prapat Jiwarangsan était un des deux seuls films de réalisateurs thaïlandais présentés au Berlin International Film Festival 2021.
Le dernier film de Prapat Jiwarangsan "Myanmar anatomy" (2023), sur l'histoire de ce pays, était présenté à la Berlinale en 2024.
EXPOSITIONS
Les installations de Prapat Jiwarangsan ont été présentées à Bangkok, Londres, Séoul et Hong Kong, et ses vidéos projetées lors d'événements cinématographiques internationaux tels que la Berlinale, le Festival international du film de Rotterdam, le Festival du film d'Onion City, Experimenta India et le Festival international du film de Singapour.
EXPOSITIONS PASSEES

PEERAWAT KRASAESOM est un jeune artiste et illustrateur contemporain thailandais. Son travail original en fait en ce moment un artiste montant. Peerawat Krasaesom pose la question de la violence de la nature humaine et son rattachement inévitable à notre ADN.
PROFIL DE L'ARTISTE
Il est né en 1981 dans la province de Surin. Issu d’une famille rurale, il s’est formé lui-même, réalisant des croquis pendant de nombreuses années. Il a travaillé pendant 6 ans comme graphic designer puis dans la production artistique pour la télévision. Il a ensuite poursuivi des études pour obtenir un MAF en arts visuels au King Mungkut’s Institute Technology Ladkrabang (KMITL), Bangkok (2014). Il vit et travaille à Bangkok.
Le travail de Peerawat Krasaesom s’interroge ainsi sur la violence humaine qui a été pour lui un choc quand il est arrivé en ville, en l’occurrence Bangkok et qui trouve ses racines dans la nature humaine. Les fusils, les tanks et explosions nucléaires sont ingénieusement éclatés en structures cellulaires qui ressemblent à des vues microscopiques de cellules de sang humain. « J’essaie d’exprimer mes pensées sur ce qui nous entoure comme l’air, l’eau, les humains, les plantes et les animaux dans mon travail. J’ai vécu une vie à la campagne, facile, basée sur la nature, jusqu’à ce que, adulte, je déménage dans la capitale et la vie est devenue compliquée et j’ai du me battre. La lutte arrive souvent quand des humains, des animaux ou des plantes doivent vivre dans des environnements différents de ce qu’ils ont connu, et nous devons nous adapter pour survivre, physiquement et mentalement », déclare l’artiste. Dans ses illustrations, les objets naturels se combinent avec le synthétique pour refléter son nouvel environnement. L’artiste créé de multiples détails et des lignes imbriquées, à l’encre et à l’acrylique.
Dans sa dernière exposition, basée sur ses croquis réalisés ces dix dernières années, ‘Yeast’, à Bangkok au Brownstone studio en Mai 2015, Peerawat Krasaesom semblait aborder un processus de lente transformation. Dans cette série, son esprit créatif initie une interaction, mélangeant son passé et son présent, une sorte de catalyse. 
A l'opposé de ses dessins et peintures aux traits légers, Peerawayt Krasaesom réalise aussi des portraits usant pour ceux-ci de larges coups de pinceaux.
EXPOSITIONS
Peerawat Krasaesom a exposé surtout en Thailande jusqu'à ce jour. Citons ses  expositions personnelles : en 2015 'Yeast : The work of a creative catalyst', Brownstone Studio, Sukhumvit 77, Bangkok ; en  2012 Back to Primitive, Whitespace Gallery, Bangkok ; en 2004 'Pheno-me–non', The Oddysse Mode Visual Loft, Bangkok.
Il a par ailleurs participé à de nombreuses expositions collectives depuis 2005 : 2016 “Untitled 1.” TARS Gallery, Phra Khanong, Thailande ; Sawatdee Anxiety', du 7 Juin 15 Août 2014, avec Suwit Maprajaub au Whitespace Gallery à Bangkok.  Il a aussi exposé au Maduzi Hotel Art Fair, Jamjuree Gallery Bangkok en 2014 et à la Bangkok University Gallery en 2013. Il a exposé à Londres en 2013, 'Origin-Originality : A New Wave of Thai, Arts', Forty 7 Gallery. En Novembre 2015, il a participé au Affordable Art Fair de Singapour.

UTTAPORN NIMMALAIKAEW est un des artistes contemporains thaïlandais les plus étonnants de sa génération. Sa technique de peinture est en effet très particulière avec des effets 3D. 
Contact : http://nimmalaikaew.com/
https://www.instagram.com/nimmalaikaew_artist/
Uttaporn Nimmalaikaew - Publications | Facebook
Uttaporn Nimmalaikaew (@uttapornnim) | Foundation
PROFIL DE L'ARTISTE
Uttaporn Nimmalaikaew est né à Bangkok en 1980. Il a obtenu son B.F.A. Painting au King Mongkut’s Institute of Technology (2004) et son M.F.A. Painting, Silapakorn University (2006). Il est actuellement Art Instructor of Painting Department, Faculty of Architecture, King Mongkut’s Institute of Technology.  Il vit et travaille à Bangkok.
Uttaporn Nimmalaikaew peint des portraits sur plusieurs couches de filets fins ou sur du tulle, produisant un effet 3D. « Il faut voir ses œuvres comme des strates, des strates de peinture, assemblées les unes aux autres en feuilletage. Comme des calques que l’on superpose avec différentes couches d’informations disposées sur chacun d’eux ». Ses sujets semblent assis sur des chaises ou étendus sur des lits. Ils se métamorphosent et changent de forme en fonction de la distance et de l'emplacement du spectateur et la technique picturale se dévoile. Les peintures de Uttaporn Nimmalaikaew ressemblent ainsi à des hologrammes chatoyants. Il a découvert cette technique alors qu'il étudiait à l'Université de Silpakorn à Bangkok après qu'une goutte de peinture se soit égarée sur une moustiquaire dans son atelier. Il a alors commencé à explorer une nouvelle façon de peindre sur ce matériau. Pour chaque pièce, l’artiste commence par un dessin numérique qu'il imprime ensuite en taille réelle pour déterminer la forme et la texture du sujet. Il commence alors à peindre par strates avec de la peinture à l'huile dans un style qu'il appelle « style tulle-peinture».
Un visage pensif, mélancolique est au centre de chaque œuvre. Les sujets translucides apparaissent éthérés et fantomatiques sur ces minces écrans de tissu. Ceux-ci sont souvent sa famille, il voit en effet son travail comme une façon de préserver leur esprit dans le temps.
"L'une des caractéristiques de mon travail’, déclare Uttaporn Nimmalaikaew, « est que cela change l'expérience du spectateur. L'œuvre d'art comme illusion trompe la perception. De devant, le spectateur verra le travail au milieu de l'espace vide. Je dessine des formes humaines sur un tissu blanc clairsemé avec de la peinture à l’huile de couleur. Les détails sont différents en raison du volume, de la couleur, de la lumière et de la couche de tissu ». « Au fil du temps, j’ai appris que le tulle exige une autre façon de créer de la lumière et de l’ombre réalistes. La couche supérieure donne des détails pour l’illusion d’optique. Ensuite, chaque couche se combine avec les autres pour créer de la profondeur dans l’image ».
Pour sa dernière exposition "Twilight of the Icons" à la SAC gallery en 2022, Uttaporn Nimmalaikaew avait créé des images de sculptures originales de figures et monuments importants de l’histoire thaïlandaise. C’était la première fois que ces sculptures étaient présentées sous la forme d’une œuvre mixte avec des couches de gaze.
Travail de l'artiste :  https://youtu.be/kdMb4JYJGUE
EXPOSITIONS
Expositions personnelles récentes d'Uttaporn Nimmalaikaew : 2022 "Twilight of the Icons", SAC Gallery, Bangkok ; 2019 "Reality as it isn’t", S.A.C. Subhashok The Arts Centre, Bangkok ; 2017 "Dimension of Hope", à la Yavuz Gallery, Singapore 
Uttaporn Nimmalaikaew participait à Art Taipei en Octobre 2024.
L'artiste participait à l'exposition de groupe  “Living the Day”- Contemporary Art from Taiwan and Thailand” au Yu-Hsiu Museum of Art à Taiwan, du 16 Septembre 2023 au 18 Février 2024.
Uttaporn Nimmalaikaew participait à la Bangkok Art Biennale 2020 du 29 Octobre 2020 au 31 Janvier 2021, exposition collective, "The Man's Phases", Lanta Fine Art, Bangkok, du 16 Janvier au 3 Mars 2021.
Uttaporn Nimmalaikaew participait à Asia Now 2023, représenté par la SAC Gallery.
Uttaporn Nimmalaikaew a obtenu le prestigieux Sovereign Asian Art Prize en 2006.
EXPOSITIONS PASSEES

RATTANA SALEE une artiste contemporaine thaïlandaise, née en 1982.
https://www.facebook.com/rattana.salee
PROFIL
Rattana Salee a obtenu son MFA en sculpture à la Silpakorn University (2011).
Les sculptures de Rattana Salee sont essentiellement abstraites. L’artiste est inspirée par Alberto Giacometti. ‘Shell’, l’exposition personnelle qui a marqué ses débuts, montrait des sculptures installées dans l’atmosphère, faites de métal et d’architectures en plâtre. Elles se voulaient un reflet de la complexité de la vie urbaine. La capitale de la Thailande, Bangkok, est en effet devenue un vaste site en construction où l’on entend le bruit des perceuses et des marteaux. Les habitants se trouvent confinés dans de petits espaces. L'artiste se pose des questions autour du développement de la ville, sur la qualité de vie, les souvenirs et les histoires de constructions. Ses sculptures représentent l'état de la vie dans la ville. Rattana Salee réalise des formes qui montrent des centaines de structures délabrées, des tours non terminées qui continuent à pointer dans le ciel, témoignages de l’échec économique de la crise financière de 1997 en Thailande. L’artiste compose des sculptures en barres d’acier, profondément travaillées avec de la résine afin de nous montrer un sens de l’érosion, de la dématérialisation de la masse sculpturale.
Dans son exposition « Unreal Monument » à la Lanta Fine Art, à Bangkok - du 5 Juin au 14 Juillet 2021 - Rattana Salee exposait son point de vue sur le monument public : un mémorial ou un monument symbolise les mémoires collectives des personnes dans un domaine particulier en utilisant des textes ou des statues comme véhicules. Les memorial pourraient présenter à la fois les aspects visibles et invisibles de l'histoire rapportée.
EXPOSITIONS
Parmi les expositions personnelles de Rattana Salee, citons : en 2021 "Unreal monument", Lanta Fine Art, BKK ; en 2018 "Suspended Memory", BACC, Bangkok ; en 2015 ‘Representing Localities: Memory and Experience’, avec Therdkiat Wangwatchakul, Thavibu Gallery, Bangkok ; en 2013 ‘Shell (Shocked)’.
Elle a aussi participé à plusieurs expositions collectives : en 2013 ‘Tropical Lab 7’, Lasalle College of the Arts, Singapore, ‘Artist Residencyn’, Wang Culture Highland, Chine, ‘Inevitably Imperfect’, Artery Post-Modern Gallery, Bangkok ;  en 2012 Myths - Five Female Artists, Myths - Five Female Artists ; en 2001 ‘How Did I Get Here’, Da Wang Culture Highland, Chine.
Parmi différents prix et récompenses, Rattana Salee a obtenu de l’ambassade de France la posssibilié d’étudier pendant un an, en 2011, à l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts (ENSBA), Paris, France.

PINAREE SANPITAK est une brillante artiste contemporaine thaïlandaise. Multidisciplinaire, elle  utilise divers supports et techniques, notamment la peinture, le collage, le dessin, la gravure, la sculpture, l'installation et la performance.
Depuis 2015, le prix record pour cet artiste aux enchères est de 23 963 USD pour Breast Vessel, vendu chez Christies' Hong Kong en 2019. 
https://www.instagram.com/pinareesanpitak/
PROFIL DE L'ARTISTE
Pinaree Sanpitak est née en Thailande en 1961. Elle quitte la Thailande pour étudier au Japon où elle obtient son BFA, visual arts and communication design, School of Fine Arts and Design, à l'Université de Tsukuba, Ibaraki, en 1986. Elle a participé à l'atelier de gravure de l'Université du Territoire du Nord à Darwin, en Australie en 1999. Elle a renoué avec la scène artistique de Bangkok grâce au Silom Art Space. Elle vit et travaille à Bangkok.
Le travail de Pinaree Sanpitak "traite de la maternité, de la féminité et du soi en utilisant la forme du sein pour évoquer le symbole du féminisme et de la féminité". Au cours des vingt dernières années, le motif central de son travail a été le sein féminin, qu'elle associe à l'imagerie du monde naturel et aux formes emblématiques du stupa bouddhiste (sanctuaire) et du bol à offrandes. Son travail peut être considéré comme l’une des explorations les plus puissantes de l’expérience des femmes en Asie du Sud-Est. Pinaree Sanpitak a obtenu une reconnaissance internationale avec sa série de sculptures ‘Breast Works’ 
Pinaree Sanpitak fait partie de la première vague d’artistes thaïlandais qui, depuis les années 1980-1990, développe un langage artistique mêlant techniques mixtes et approches conceptuelles. 
L'artiste a eu de nombreuses expositions depuis sa première apparition à Bangkok en 2011 et à la Biennale de Sydney en 2012 avec "Anything Can Break", une installation monumentale présentant un ciel suspendu composé de cubes en origami et de nuages en verre soufflé illuminés par des fibres optiques, des capteurs de mouvement détectant les mouvements dans l'espace et activant des notes de musique.
L'artiste s'est par ailleurs engagée dans des expériences culinaires comme « Breast Stupa Cookery » (2005-en cours), qui consiste en des repas préparés par des chefs en utilisant ou en s’inspirant de moules de cuisson en forme de stupa de sein en fonte d’aluminium et de verre, entre autres matériaux.
Pinaree Sanpitak participait à la 59ème Biennale de Venise en 2022. Elle présentait des peintures texturées faites d'acrylique, plumes, feuilles d’or et argent et soie. On retrouvait le motif de la poitrine dans la forme des bols dessinés.
Pinaree Sanpitak  présentait deux installations interactives sonores à la Biennale d’art de Bangkok (22 octobre 2022 – 23 février 2023) : 'Temporary Insanity' et Anything Can Break (2011 – en cours).
A la galerie Lelong NY, en 2024, l'artiste présentait "Fragile Narratives" en référence aux expériences personnelles et profondes de la féminité véhiculées par les œuvres exposées. Dans une sélection de nouvelles peintures de la série Womanly Bodies, Pinaree Sanpitak a utilisé la soie mawata pour créer des formes dimensionnelles et sensuelles qui évoquent le corps féminin. Dans ces peintures monochromes, un fond nacré juxtapose la fibre naturelle, fusionnant habilement l’esthétique et l’organique.
L'installation de Pinaree Sanpitak "Ma-lai: Mentally Secured" était montrée au Kaohsiung Museum of Fine Arts (KMFA), à Taiwan, dans le cadre de l'exposition' Ocean in Us: Southern Visions of Women Artists', jusqu'au 16 Mars 2025
EXPOSITIONS
Les œuvres de Pinaree Sanpitak ont fait l'objet de nombreuses expositions dans des musées en Asie et en Europe au cours des vingt dernières années; elle a aussi participé à d'importantes biennales en Australie, en Italie, au Japon et en Corée. 
La galerie Ames Yavuz (Singapour) annonçait le 4 Mai 2024 que le Musée MACAN à Jakarta, Indonésie, avait fait l'acquisition d'un ensemble d'oeuvres de Pinaree Sanpitak dont the Breast Stupa Topiary (2013) et The ethereal Offering Vessel qui était présenté à la 59ème Biennale de Venise (The Milk of Dreams, 2022).
Dernière exposition personnelle de Pinaree Sanpitak : 2024 "Fragile Narratives", Galerie Lelong & Co, New York ; 2022 The Body and The Vessel, Yavuz Gallery, Sydney, Australia
Pinaree Sanpitak participe à de nombreux expositons collectives comme : 2023 Bangkok Art Biennale ; 2022 The Milk of Dreams, 59th Venice Biennale, "Breasts, bodies, vessels, clouds, stupas", présenté par la Yavuz Gallery à Art Basel Miami Beach, Floride.
EXPOSITIONS PASSEES

RIRKRIT TIRAVANIJA est un artiste thaïlandais contemporain confirmé qui a lancé le mouvement de « l'esthétique relationnelle », à savoir les interactions entre les personnes et leur environnement plutôt qu’avec les objets esthétiques ou artistiques. 
PROFIL DE L'ARTISTE
Rirkrit Tiravanija est né à Buenos Aires en Argentine, en 1961. Il a grandi en Thailande, Ethiopie et Canada. Il a fait ses études au Ontario College of Art de Toronto (1980–84), Banff Center School of Fine Arts (1984), School of the Art Institute of Chicago (1984–86) et au Whitney Independent Studies Program à New York (1985–86). Il vit et travaille à New York, Berlin et Chiang Mai.
Le travail et le parcours de Rirkrit Tiravanija sont inclassables. Depuis 30 ans, il s’est concentré sur l’expérience in situ et l’échange, abolissant les barrières entre l’objet et le spectateur. Son travail a été présenté au public pour la première fois dans une exposition de groupe à New York en 1989 : le titre était “Untitled Empty Parenthesis" et consistait en des restes d'un repas au curry vert. La critique a alors été déstabilisée. Il a continué à utiliser l’espace pour la préparation et la consommation de repas communs pour des galeries comme pour  «Untitled (free)» (1992). L'artiste explique notamment :  “I can’t paint but I can cook.” Il a poursuivi dans cette démarche au cours des années suivantes, mettant en place des environnements communaux qui offrent un lieu alternatif ludique pour les activités quotidiennes. 
En 2004, Rirkrit Tiravanija créé avec un autre artiste thaïlandais Kamin Lertchaiprasert 'The Land Foundation', qui promeut la récupération environnementale, les énergies renouvelables et la production alimentaire dans son pays natal.
En 2012, la nef du Grand Palais à Paris était transformée en un immense banquet "Soup/no soup", dont le menu consistait en une soupe Tom Ka, offerte gratuitement au public et préparée par l'artiste et ses équipes.
En 2015, Garage Museum of Contemporary Art présentait une très grande exposition de Rirkrit Tiravanija à Moscou. L’artiste y avait créé créé une série de projets participatifs interconnectés qui formaient un dialogue avec l'histoire du bâtiment moderniste soviétique qui abrite le Garage, ainsi qu'avec les activités populaires que l'artiste a expérimentées dans la ville, telles que le ping-pong, produisant des t -shirts, et la fabrication du pelmeni (ravioli russe).
EXPOSITIONS
Rirkrit Tiravanija a de très nombreuses expositions personnelles un peu partout dans le monde dont les plus récentes : 2023 Shinsegae Gallery, Séoul, "The Shop", galerie David Zwirner, Hong Kong ; 2022 'Submit to the Black Compost'., Gladstone Gallery , Séoul ; 2020 "Once upon a time", galerie Chantal Crousel, Paris 
Le MoMA à New York, présentait la plus grande exposition à ce jour consacrée à l'artiste thaïlandais Rirkrit Tiravanija : A LOT OF PEOPLE, du 12 Octobre 2023 au 4 Mars 2024.
EXPOSITIONS PASSEES

NATEE UTARIT est un peintre contemporain thaïlandais, connu pour son travail sur les images - les photographies – au travers de la peinture. Il mélange réalité et fiction.
Avec des ventes cumulées de 399 k € (chiffre d'affaires 2024), il se situait au 1 794ème rang/5000 du classement Artprice (produits des ventes) du marché de l'art dans le monde. 
Son oeuvre 'The Ambassador' s'est vendue chez Philipps Auction HK le 7 Juin 2021, 178.625,28 us$.
https://www.instagram.com/nateeutarit/?hl=en
https://rkfineart.com/artist/natee-utarit/
PROFIL DE L'ARTISTE
Natee Utarit est né à Bangkok en 1970. Il a étudié au College of Fine Art en 1987. Il est diplômé en Arts graphiques de la Silpakorn University/ Painting and Sculpture Faculty de Bangkok (1991).
L’artiste a commencé par la peinture abstraite, quelque peu influencé par l’expressionnisme allemand, mais s’est rapidement tourné vers d’autres modes de peinture relevant de l’art classique occidental : figuration, paysage, nature morte, en les reliant à la photographie. Derrière beaucoup de ses œuvres, on trouve des références à des maîtres européens comme Caravage, Gustave Courbet ou Le Titien. 
En 2000, les “Pictorial Statements” de Natee Utarit combinaient des reproductions de travaux des Maîtres Anciens avec des peintures monochromatiques de photographies de paysages, avec un oeil critique sur les deux mediums.
Début 2017, dans une exposition intitulée ‘Optimism is Ridiculous: The Altarpieces’, au Alaya Museum à Manille, Natee Utarit faisait une critique du modernisme occidental. Il présentait 12 peintures à l'huile sur toile dans divers formats - diptyque, triptyque, ou polyptyque. Dans une composition surréaliste, en utilisant la technique du photoréalisme, il analyse la philosophie orientale (le bouddhisme) à travers le langage visuel de l’art occidental, et notamment celui des peintures religieuses de la Renaissance italienne, allant du baroque  jusqu'aux clichés bibliques.
En Octobre 2022, Richard Koh Fine Art Bangkok (RKFA) présentait une exposition de Natee Utarit, intitulée "Tosachat Eclectic". Cette exposition était organisée à partir de la série Déjà vu de gravures sur bois de Natee  Utarit. Ces gravures sur bois sont liées au Seigneur Bouddha, au bouddhisme et au monde occidental. Tosachat peut être défini comme le nom donné par les écritures du bouddhisme.
La galerie Richard Koh Fine Art à Singapour présentait “Historia,” de Natee Utarit, en Septembre 2023. La fascination de Natee Utarit pour les publications d'art, illustrée par ses rencontres avec des stands de livres d'occasion et son exploration de magazines d'art renommés tels que "Art in America", était une sorte de  fil conducteur dans l'exposition.
En 2024, Natee Utarit participait à une exposition collective organisée par la Bangkok Art Biennale (BAB) Foundation, "The Spirits of Maritime Crossing", un événement collatéral de la 60e Biennale di Venezia au Palazzo Mangilli Valmarana, Dans cette exposition, Natee Utarit "associait la philosophie bouddhiste à l'histoire de l'art occidental qui véhicule la contradiction et l'absurdité. Les rencontres Est-Ouest montraient des étrangers partout dans les temples et les piazzas. Le temps et l'espace ramenaient le spectateur à l'époque où la vie sereine et exotique des étrangers cherchait l'abondance et le refuge entre Venise et Bangkok.
Dans "Déjà vu : Buddha is hiding", au STPI Singapore, Natee Utarit concluait sa série 'Déjà vu' par un examen puissant de l’hégémonie occidentale dans l’histoire de l’art, vis-à-vis du paysage culturel et historique de l’Asie du Sud-Est.
La Richard Koh Fine Art (RKFA) présentait à S.E.A. Focus 2025, une nouvelle série de l'artiste thaïlandais Natee Utarit. S'éloignant des natures mortes qui font sa réputation, Natee Utarit a présenté dans The Strange World of The Super Unknown, dans un style narratif unique inspiré de la bande dessinée, une première dans sa carrière.
EXPOSITIONS
Parmi les expositions personnelles récentes de Natee Utarit, citons : 2024 "Déjà vu: Buddha is hiding", STPI, Singapour, "Déjà Vu, When the sun rises in the West", Private museum, Singapour, "Deja vu: The Last Chapter" (3 parts) by Natee Utarit Richard Koh Fine Art Bangkok ; 2023 Historia, Richard Koh Fine Art, BKK ; 2022 "Tosachat Eclectic", RKFA, Bangkok, "Déjà vu: When the Sun Rises in the West" Art Centre, Silpakorn University, Bangkok, en collaboration avec la Richard Koh Fine Art ; en 2021, "Everyday, every day, I have the blues", RKFA Singapour ; en 2020 " DÉJÀ VU Your Past is My Future", RKFA gallery, Singapour.
Natee Utarit était présenté à Art Basel Hong Kong (Mars 2025) par la Richard Koh Fine Art. 
L'artiste participait à S.E.A. Focus 2025 à Singapour, représenté par la RFKA gallery. 
Natee Utarit participait à une exposition collective organisée par la Bangkok Art Biennale (BAB) Foundation, "The Spirits of Maritime Crossing", un événement collatéral de la 60e Biennale di Venezia au Palazzo Mangilli Valmarana, du 20 Avril au 24 Novembre 2024. 
Natee Utarit était présenté à Art Stage Singapore 2023 par la RFKA gallery.
Le Private Museum à Singapour et la Richard Koh Fine Art Gallery présentait des oeuvres  de Natee Utarit dans l'exposition de groupe  "Make Yourself at Home: a Glimpse Into All Welcoming Scenarios - Natee Utarit", du 7 Janvier au 26 Mars 2023.
Natee Utarit participait à l'exposition Medea à Syracuse, Sicile, du 5 Mai au 30 Septembre 2023.
https://rkfineart.com/exhibition/make-yourself-at-home-a-glimpse-into-all-welcoming-scenarios-natee-utarit/
EXPOSITIONS PASSEES

PANNAPHAN YODMANEE est une artiste qui appartient à une nouvelle génération d’artistes contemporains thaïlandais. En 2017, elle s’est vue décernée le 11ème Benesse Prize à la Biennale de Singapour 2016.
https://www.facebook.com/pages/category/Shopping-Service/Pannaphan-yodmanee-fanpage-1395404517365381/
https://lalanta.com/artists/pannaphan-yodmanee/
PROFILDE L'ARTISTE
Pannaphan Yodmanee est née à Nakhon Si Thammarat, en Thaïlande, en 1988. Elle est diplômée de la Silpakorn University de Bangkok (BFA (Thai Arts), Faculty of Painting, Sculpture and Graphical Arts) (2014). Elle vit et travaille à Bangkok.
Les oeuvres de Pannaphan Yodmanee explorent la philosophie bouddhiste, les thèmes permanents de la perte, la souffrance, la destruction et les cycles karmiques - de la naissance à la mort, à la renaissance -. Elle mélange dans son travail des éléments naturels comme des rochers et des minéraux avec des objets contemporains peints qui rappellent l’art traditionnel et l’architecture thaïlandais.
Pour la Biennale de Singapour en 2016, elle avait créé une installation intitulée ‘Afterrmath’, faite d’objets trouvés, d’icônes composées par l’artiste, de béton, de peinture qui représentaient la carte du cosmos bouddhiste. Son installation rassemblait en quelque sorte toute la construction artistique de Pannaphan Yodmanee. Sur un mur immense, elle avait ainsi représenté une carte du cosmos bouddhiste, comme une peinture de paysage. Une large section du Musée d’Art de Singapour était remplie d’images de destruction et de ruines. Avec ces scènes de destruction, l’artiste cherchait à montrer les conséquences que pourraient avoir la globalisation et l’incompréhension des cultures. 
Pour la 15ème Biennale d'Art contemporain de Lyon (18 Septembre 2019 - 5 Janvier 2020), s'inspirant des usines Fagor, Pannaphan Yodmanee a créé une installation monumentale in situ mêlant les civilisations passées et présentes. Elle présentait ainsi deux tubes, des tunnels de béton armé qui ressemblaient à des grottes dont les parois intérieures étaient couvertes de bas-reliefs et de peintures. La plupart se réfèraient à l’art bouddhique. D'autres étaient issues de l'iconographie chrétienne, on y trouvait aussi des gravats et des arbres sacrés. Cette installation était parmi les 5 oeuvres d'art contemporain les plus plébiscitées parmi les 56 exposées à la Biennale.
Pannaphan Yodmanee présentait une nouvelle installation, “The Magical Cycle of Birth and Death” dans le cadre de l'exposition collective “Messages” au MOCA (Museum of Contemporary Art), à Bangkok, 13 Mars - 27 Avril 2021.
Elle était présente à Art Basel Hong Kong en Mai 2022 avec son oeuvre Circle DNA, 2022.
Début 2024, la galerie Sarto à Paris donnait carte blanche à Pannaphan Yodmanee. C’était la première exposition personnelle de l'artiste en Europe. Pannaphan Yodmanee avait développé ici un nouvel aspect de son travail, dans la lignée de la fresque qu’elle avait réalisée pour le plafond voûté de l’atrium de la Soho House Bangkok, "Ever After" (2002).
Pannaphan Yodmanee participait à l'exposition de groupe 'Disobedient Bodies:  Reclaiming Her' (a project by women about women) à la Sundaram Tagore gallery, à Singapour, du 11 Janvier au 8 Mars 2025
https://www.sundaramtagore.com/exhibitions/disobedient-bodies/selected-works?view=slider#21
EXPOSITIONS
Pannaphan Yodmanee a déjà eu plusieurs expositions personnelles : 2024 carte blanche à Pannaphan Yodmanee, galerie Sarto, Paris ; 2020, "Time Lapse", Lanta Fine Art Gallery, Bangkok ; en 2018 et 2016, Lanta Fine Art Gallery et ‘The Prophecy of Time’ à Art Stage Singapore en 2015.
Pannaphan Yodmanee participait à l'exposition de groupe 'Disobedient Bodies:  Reclaiming Her' à la Sundaram Tagore gallery, à Singapour, du 11 Janvier au 8 Mars 2025.
Pannaphan Yodmanee participait à l'India Art Fair en Février 2025.
Elle participait au She POSSIBLE International Women's Day (2023), Art collection à la Soho house Bangkok (2023), PARADISE Lost BACC Bangkok (2023)
Pannaphan Yodmanee participait à Art Basel Hong Kong (2022)
L'artiste participait à l'exposition de groupe "Falling" à la Tang Contemporary Art, Beijing, du 12 Decembre 2021 au 15 Janvier 2022.
Elle participait à Art Macao (2021), à la 16ème Biennale d'Art contemporain de Lyon (2019-2020),
Les œuvres de Pannaphan Yodmanee figurent dans les collections du Singapore Art Museum, à la Gallery of Modern Art à Brisbane ou encore au Benesse Art Site de Naoshima.
EXPOSITIONS PASSEES