Japon Artistes Contemporains

SHIORI EDA est une artiste peintre contemporaine japonaise dont le travail a été très remarqué par les médias japonais. Ses œuvres sont aujourd'hui reconnues et collectionnées au Japon. La peinture de Shiori Eda se situe entre figuration et surréalisme.
Elle est représentée par l'A2Z Art gallery.
http://www.a2z-art.com/artists/artists/description/artistid/0000000048
https://www.instagram.com/shiorieda/?hl=en
PROFIL DE L'ARTISTE
Shiori Eda est née à Tokyo en 1983. Elle est diplômée du Lycée d’Art de Tokyo (2002). Elle entre à l’Université nationale des Beaux Arts de Tokyo, spécialité “peinture à l’huile” en 2004. Elle a obtenu un Master 2 de l’Université des Beaux Arts de Tokyo, spécialité “peinture à l’huile”(2010). Elle vit et travaille en France.
Shiori Eda présente chacune de ses peintures comme une étape de la vie, généralement interprétée par une femme face au temps et à la nature. À partir de réflexions sur la place d'un être humain confronté au monde, Shiori Eda dessine des scènes de réalités miniatures qu'elle reconstruit. Son univers nous plonge dans les profondeurs du ciel et de l'eau. L’artiste peint un monde illusoire plus authentique que la vie réelle. 
Dans son exposition personnelle à l’A2Z Art Gallery à Paris, « Visions nocturnes », fin 2018, Shiori Eda nous embarquait dans une vision inédite d'une peinture imprégnée de la culture japonaise dans laquelle l’artiste interprète la lecture de ses rêves basés sur des faits du quotidien. Shiori Eda nous plonge à l'intérieur de ses compositions, magnifiées par la grandeur des paysages tantôt calmes tantôt en mouvement. Derrière une apparente fragilité, de petites femmes nues tentent d'y trouver leur place.
Dans son exposition à l’A2Z Art Gallery Hong Kong, « A Water World », début 2019, elle présentait de vastes paysages imaginaires qui conceptualisaient la mère nature, entourés de zones océaniques. Des femmes nues à l’intérieur des toiles continuaient le dialogue sur la féminité dans la culture japonaise.
Dans sa troisième exposition à l’A2Z Art Gallery fin 2019, intitulée « Uni-Vers », Shiori Eda continuait de nous plonger dans la peinture de paysage, tout en questionnant la dialectique ancestrale entre l’Un et le Tout, entre l’Homme et la Terre, entre l’Homme et l’Univers.. « L’Homme est un monde en miniature. 
Lors de son exposition "Genèse" à l'A2Z Art Gallery en Septembre 2020, elle dévoilait un polyptyque composé de 6 toiles mesurant 100 cm de largeur sur 150 cm de hauteur. L'artiste plongeait le spectateur dans une relation avec la Nature tantôt physique (une femme liée aux cinq éléments : l’eau, le bois, la terre, le feu et le métal) tantôt spirituelle (une femme nue aux côtés d’un pommier géant rappelant l’Eve originelle du Livre de la Genèse).
Du 8 au 30 Octobre 2021, l'A2Z Art Gallery Paris présentait ainsi « Feu sur l’autre rive ». Rester chez soi et fermer les yeux sur l’extérieur est appelé « le complexe de l’escargot », explique l'artiste. Les œuvres de Shiori Eda nous invitent au contraire à réapprendre à vivre à l’extérieur, à saisir la beauté et la force destructrice de la Nature pour mieux en comprendre les enjeux. La Terre est notre planète perdue dans l’immensité d’un Univers astronomique. Connectons nous à l’Humain et à la Nature pour en ressentir l’équilibre physique et spirituel.
C'est dans une sorte de "gestalt" que Shiori Eda nous dévoilait dans "Gone with the wind", du 6 avril au 6 mai 2023 à l'A2Z Art Gallery, un dialogue métaphysique entre la parole, les mots et les substances.  Cette vie englobante semble être en mouvement comme le vent. 
Dans sa dernière exposition à l'A2Z Art gallery en 2024, "Waiting for a catatrophe", Shiori Eda s’intéressait notamment au concept de « destruction ». L'artiste visualise même des débuts et des fins hypothétiques dans le contexte du Japon, son pays natal. 
EXPOSITIONS
Shiori Eda qui est représentée par l’A2Z Art Gallery, a eu déjà plusieurs expositions au sein de la galerie, à Paris et à Hong Kong : 2024 "Shiori Eda: Waiting for a Catastrophe", A2Z Art Gallery Paris, "Gone with the wind", du 6 avril au 6 mai 2023, A2Z Art Gallery Paris.
Shiori Eda participait au Shanghai Contemporary Art Fair , présentée par l'A2Z Art gallery, en Novembre  2024.
Shiori Eda était aussi présentée à Art Paris 2025, Art Central Hong kong en Mars 2024 par l'A2Z Art Gallery et à ASIA NOW 2022 et 2023.
Shiori Eda présentait "Out of Sight" au Fuma Contemporary Tokyo, Bunkyo Art, du 28 Octobre au 11 Novembre 2023 :  première exposition personnelle au Japon depuis six ans.
L'artiste participait au West Bund Art & Design Art Fair, à Shanghai, du 11 au 14 Novembre 2021.
EXPOSITIONS

ETSU EGAMI est une jeune artiste émergente japonaise. Elle était finaliste du prix d'art asiatique de la Sovereign Art Foundation en 2019 à Hong Kong.
Avec des ventes cumulées de 559 283$, elle se classait 44ème du Top 100 des artistes ultra-contemporains (nés après 1980) d'Artprice au premier trimestre 2023. Elle était dans le classement annuel Forbes 30 Under 30 en 2020.
Les prix de ses peintures sur le marché secondaire sont montés en flèche depuis 2021, faisant d'elle l'une des stars asiatiques du marché de l'art à l'ascension la plus rapide. Son record actuel s'élève à 2,9 millions de HK$ (366 921 $) pour un diptyque de 2021 vendu lors de la vente de Holly's International (HK) Auctions en Mai 2022. Cette vente a été suivie par la vente du tableau Rainbow-2022-t-10 lors d'une vente aux enchères de Holly's Hong Kong en novembre 2022. L'œuvre a atteint 1,3 million de HK$ (168 931 $).
https://www.instagram.com/egamietsu_artstudio/?hl=fr
PROFIL DE L’ARTISTE
Etsu Egami est née en 1994 à Chiba, Japon. Elle a obtenu un B.F.A. à la Central Academy of Fine Arts (CAFA), spécialisé dans la peinture à l'huile, en 2016. Puis elle a obtenu un M.F.A. à la CAFA Pékin sous le mentorat de l'artiste chinois Liu Xiao Dong et étudié à la HFG (The Karlsruhe University of Arts and Design) en Allemagne. Etsu Egami vit et travaille actuellement entre Tokyo, Beijing et New York.
Etsu Egami a baigné dans l'art depuis sa plus tendre enfance auprès de son père, un artiste reconnu au Japon. Elle a grandi entre les États-Unis et l'Europe. Elle s''est formée en Chine à Pékin, puis en Allemagne. "La création d'Etsu Egami porte sur le concept et la signification de la "communication". Ses œuvres utilisent diverses formes de médias, telles que la voix, la vidéo et les dessins, au travers desquelles l’artiste cherche à remettre en question les instincts humains et l'authenticité de la communication. Elle s'intéresse particulièrement à repenser la société à travers le langage. En utilisant l’arc-enciel comme langage pictural, elle évoque ce que peut être la “forme de la communication” qu’elle perçoit comme la conscience de la distance que nous avons avec les autres. Elle déclare « Quand je pense à une personne, je pense toujours à sa voix. L'image de cette personne me vient avec sa voix. Alors, le son contient-il l'image ou est-ce que l'image contient le son ? Quand je porte les yeux sur une personne, je me vois dans son regard. Et elle, en revanche, se voit à travers mes yeux ». "L'origine du langage est le son, selon le biologiste japonais Kazuo Okanoya. Au cours de mes quatre années d'enquête, j'ai invité des personnes de différentes régions et divers pays à participer à mon « jeu des malentendus » en leur donnant une « voix ». 
Pour son exposition "Time" à la Tang Contemporary Art à Bangkok en Décembre 2024, l'artiste s'était profondément imprégnée de portraits de penseurs, écrivains et peintres qui ont influencé la pensée humaine : de Freud, Laozi, Dostoevski, Kafka, Tagore, Nietzsche, Guiguzi, Confucius, à Cézanne, Warhol ou encore Keith Haring. 
EXPOSITIONS
Etsu Egami a déjà eu de nombreuses expositions personnelles. La première était à Tokyo en 2016 et à Pékin la même année.
Parmi ses plus récentes expositions, citons : 2024-2025 “Time,” Tang Contemporary Art, Bangkok, 2024 "Lifeline", Opera Gallery, Genève ; 2023  "Oriental Mystery", Shanghai Museum, « Incessant is the change of water where the stream glides on calmly: the spray appears over a cataract, yet vanishes without a moment's delay », Whitestone Gallery, Singapour ; 2022 « Obesssion and question, new horizon of moden paintings », Woodone Museum of Art, Hatsukaichi , Japon, "Venus's code", A2Z gallery, Paris, France ; 2021-2022 "In a Moment of Misunderstanding, All the Masks Fall", Tang Contemporary Art, Beijing, China ; 
L'artiste participait à la Xin Jiang Art Biennale, Urumchi, début 2023.
Etsu Egami participait à "Art Paris Art fair", 2022, Paris, France et à Asia Now Paris 2021 et 2022.
Les oeuvres d'Etsu Egami font déjà partie de collections d'institutions internationales, notamment le CAFA Art Museum de Pékin, le Garage Museum of Contemporary Art de Moscou et la E-Land Foundation de Séoul.
EXPOSITIONS
https://www.a2z-art.com/usr/library/documents/main/artists/29/egami-etsu-dp-2.pdf
Media Amid a Feverish Market for Her Prismatic Paintings, Japanese Art Dynamo Etsu Egami Is Keeping a Cool Head | Artnet News

TETSUYA ISHIDA est un artiste peintre surréaliste japonais. Il est mort prématurément en 2005, à l'âge de 31 ans.
En 2024, il était classé 618ème dans le top 5000 au palmarès mondial des artistes les mieux vendus aux enchères d'Artprice, avec un chiffre d'affaires de 1, 4 M €. Il était classé 158ème dans le classement Artprice 2020/2021 avec des ventes cumées de 1.731.921$.
Une oeuvre de Tetsuya Ishida "Untitled" a été vendue chez Christie's Hong Kong, le 24 Mai 2021, pour 772,753$.
https://www.tetsuyaishida.jp/71843/
PROFIL DE L'ARTISTE
Tetsuya Ishida est né à Yaizu, Shizuoka, Japon, en 1973. Il a étudié le  design et l'illustration à la Musashino Art University of Shizuoka Prefecture.  Il est mort dans un accident de train, en 2005, à l'âge de 31 ans. 
Tetsuya Ishida explore le coté noir de la vie moderne, la déshumanisation d’une société au profit de la mécanisation. Il peint des personnages humanoides dans des environnements surréalistes, réfléchissant sur l’incertitude et le mal être. Il est parti d’un portrait de lui-même qui utilisait l’humour absurde pour parler de ses émotions. « J’ai essayé de faire de moi-même, de ma faiblesse, de mon triste état, de mon anxiété, une plaisanterie ou quelque chose de drôle dont on peut se moquer », déclarait l’artiste.
Dans « Waiting for a Chance » (1999) par exemple, Ishida peint une chambre d’hôpital dans laquelle les personnages présentent des visages mélancoliques et inquiets. Les patients sont assis ou couchés sur des voitures abandonnées à la place de lits : une façon de relier cette atmosphère pleine d’émotion aux questions concernant l’incertitude du futur, tant industriel qu’économique et social, du Japon. Ses personnages profondément malheureux sont souvent enchevêtrés dans des constructions ou des machines, ils sont représentatifs de sa vision du Japon comme une société sans âme, mécanisée.
Tetsuya Ishida a développé une technique qui lui permettait un niveau de détail méticuleux. Sa méthode consistait à superposer des couleurs et des textures pour obtenir de la profondeur et de la luminosité.
L’exposition rétrospective que lui a consacré le Museo Reina Sofia à Madrid en 2019, intitulée « Self-Portrait of Other” regroupait 70 œuvres réalisées par Tetsuya Ishida entre 1996 et 2004. Celles-ci montraient l'incertitude et la désolation d'une société japonaise radicalement modifiée par les progrès technologiques et les crises qui ont affecté les économies et la politique dans le monde. "L’artiste a beaucoup travaillé sur l'incommunication et l'aliénation dans un monde dominé par des forces incontrôlables". "Nous l'avons découvert à la Biennale de Venise 2015, déclarait Manuel Borja-Villel, directeur du Museo Reina Sofía […] C’est un artiste qui reflète la dystopie de la société dans laquelle nous vivons avec une précision qui ressemble presque à celle d’un chirurgien". Tetsuya Ishida a capté la fragilité de toute une génération bien qu'on ne lui ait prêté attention qu'en 2005, après son décès.
EXPOSITIONS
Tetsuya Ishida a commencé à exposer au Japon en 1999 ; après son décès en 2005, les expositions personnelles de l'artiste se sont succédées au Japon.
La Gagosian gallery à New York présentait "My Anxious Self, une exposition de Tetsuya Ishida,, du 12 Septembre au 21 Octobre 2023.
La galerie Gagosian NY présentait du 25 au 31 Mai 2022, une oeuvre de Tetsuya Ishida réalisée en 2004 - l'année de son décès - caractéristique de l'œuvre de l'artiste dans sa critique des dangers sociétaux provoqués par l'accélération du développement technologique.
Les oeuvres de Tetsuya Ishida sont représentées par la galerie Gagosian.
EXPOSITIONS PASSEES

TAKAHIRO KONDO est un céramiste contemporain japonais renommé, né dans une famille de céramistes célèbres pour leur porcelaine sometsuke (bleu cobalt et porcelaine blanche)    
Contact : http://www.kondo-kyoto.com/
PROFIL DE L'ARTISTE
Takahiro Kondo est né en 1958 à Kyoto, Japon. Il est diplômé du Kyoto Prefectural Ceramics Technical Institute (1985) et du Kyoto Municipal Institute of Industrial Research (1986). Il a aussi obtenu un Master of Design and Applied Arts awarded, au Edinburgh College of Art (2002) et un Master degree of Design and Applied Course, Edinburgh College of Art (Inglis Allen Masters of Design Award) (2003). En 1994 il a reçu le prix du Kyoto City Emerging Artist Award. Takahiro Kondo vit et travaille à Kyoto.
Takahiro Kondo tire son inspiration du monde de la nature, l’eau étant un thème central. L’artiste a commencé à créer des céramiques quand il avait vingt ans. Quand il a atteint l'âge de 50 ans, Takahiro Kondo a alors décidé de faire le point sur son travail et son histoire. S’en est suivie la création d’un groupe de travail dans le cadre duquel il a moulé sa propre tête en porcelaine et revisité les principales glaçures, dessins, motifs qu'il avait utilisés au cours de ses 25 années de travail avec l'argile. C’est une Serie très personnelle, qu’il voit comme à la fois des masques de mort et de vie, mais aussi un ensemble d’œuvres qui exprime ses préoccupations concernant la relation (en détérioration) entre les hommes et la nature et l’instabilité du système économique actuel qui a conduit à des excès et à des distorsions dus à une utilisation abusive des ressources et à des déséquilibres dans la répartition de la richesse.
Ce groupe de travail a pris fin en 2010 puis il a exposé au Japon, à New York et à Londres. Peu de temps après, la région de Tohoku au Japon a été touchée par un tremblement de terre de magnitude 9 qui a ravivé la peur de la menace nucléaire. Takahiro Kondo a alors éprouvé le besoin de répondre par son art à la catastrophe. C’est ainsi qu’à partir de 2014 il a créé une Series de sculptures sur porcelaine à partir d’un moulage fait sur son corps, « the Reduction Series ». Ses personnages adoptent une posture yogique, ce qui fait penser à un retour aux sources de l’artiste, vers le bouddhisme, la méditation, le don de soi. La glaçure gintekisai est caractéristique de Takahiro Kondo et illustre son intérêt pour l’eau sous toutes ses formes. Elle est faite d'un mélange d'argent, d'or et de platinium qui forment de subtiles coulées de gouttelettes sur la sculpture.
Une sculpture en céramique de Takahiro Kondo était exposée au Musée Guimet dans le cadre de l’exposition « Bouddha, la légende dorée », du 19 Juin au 4 Novembre 2019. La sculpture, réalisée à partir d’un moule sur le corps de l’artiste, est couverte de glaçures, chères à l’artiste. Le Musée Guimet a Paris a fait l'acquisition de cette oeuvre intitulée « Reduction ». Dans cette sculpture, Takahiro Kondo répond à la tragédie de Fukushima de 2011, par un moulage à échelle réduite de son corps, adoptant une position yogique, celle du padsama, où il retient son souffle.
Takahiro Kondo présentait « Making Waves », à la Joan B Mirviss gallery à New York, du 16 Mars au 22 Avril 2022. Il s'agit de trente nouvelles sculptures dans des tourbillons tourbillonnants de porcelaine marbrée noire, grise et blanche qui scintillent de « brume d’argent ». S’écartant de ses œuvres antérieures, l'artiste a incorporé ici une argile plus blanche dans sa technique de marbre (nerikomi).
L'exposition "Porcelains in the Mist" au Brooklyn Museum à New York - du 8 Décembre 2023 au 8 Décembre 2024 - rassemble 61 pièces qui célèbrent les innovations et les talents de la famille Kondō.
EXPOSITIONS
Takahiro Kondo expose partout dans le monde. Citons ses dernières expositions personnelles : 2024 "Porcelains in the Mist", Brooklyn Museum, New York ; 2022 Takahiro Kondo : Condensation, Tokyo Gallery, "Making Waves", Joan B Mirviss gallery, New York ; 2019 "Mizuniwa et Utsuwa, Jardin aquatique et ciel", Gallery Satsu, Tokyo.
Takahiro Kondo participait à l'exposition collective "The Spirit of Japanese Ceramics" au Mashiko Museum of Ceramic Art, au Japon, du 19 Janvier au 29 Mars 2020.
EXPOSITIONS PASSEES

YAYOI KUSAMA est une plasticienne japonaise, une artiste contemporaine pluridisciplinaire peintre, sculptrice, écrivaine, performeuse. Elle est connue dans le monde entier pour ses impressionnantes installations immersives. 
Avec des ventes cumulées de 121 M €, Yayoi Kusama se classait au 6éme rang dans le Top 500 du palmarès mondial des artistes les mieux vendus aux enchères d'Artprice en 2024.
Il était 1ère du Top 100 des artistes par Hiscox avec un chiffre d'affaires de 80.9 m $ en 2023.
Yayoi Kusama a vendu chez Phillips Honkong le 30 Mars 2023 une oeuvre Pumpkin (1995) pour 7,148,272 USD .
http://yayoi-kusama.jp/e/information/index.html
https://www.instagram.com/yayoikusama_/
ACTUALITE
Yayoi Kusama présente une installation au San Francisco Museum of Modern Art, jusqu'en Novembre 2025
A l'automne 2025, la Fondation Beyeler sera le premier musée en Suisse à accueillir une grande rétrospective consacrée à l'artiste  Yayoi Kusama, d'Octobre 2025 à Janvier 2026. L’exposition se poursuivra au Museum Ludwig en Allemagne (du 14 mars au 2 août 2026), puis se déplacera au Stedelijk Museum aux Pays-Bas, où le public pourra la visiter du 11 septembre 2026 au 17 janvier 2027.
PROFIL DE L'ARTISTE
Yayoi Kusama est née à Matsumoto (préfecture de Nagano) au Japon, en 1929. Elle a suivi les cours de l’école municipale d’arts appliqués de Tokyo ; elle s'est formée à la peinture traditionnelle et moderne dont la peinture Nihonga. En 1957 - soutenue par l’artiste peintre américaine Georgia O’Keeffe à qui elle avait un jour naïvement écrit une lettre, - elle part s’installer à Seattle puis à New York en 1958 où elle étudie à l'Arts Students League. L'artiste est retournée au Japon en 1973, elle vit depuis 1977 dans un hôpital psychiatrique ; elle dispose d’un atelier en face de l’hôpital où elle travaille tous les jours avec ses assistants.
Yayoi Kusama est sujette à des hallucinations depuis l’âge de 10 ans. L’artiste déclare «Ma vie est un pois perdu parmi des milliers d’autres pois». L'origine de Ces pois remonte à un repas de famille où elle a connu sa première hallucination, qui démultiplia dans toute la pièce les motifs rouges de la nappe. Elle a ainsi commencé à dessiner pour éviter d’être engloutie dans son univers fait de tâches et de pois. Puis elle a utilisé sa maladie mentale dans son processus de création. "Elle dit pratiquer un art psychosomatique et peint à longueur de journées pour soigner ses névroses". Yayoi Kusama s’interroge aussi sur la place du « Moi », craint la disparition de l’individualité, ne veut pas que l’être humain ne soit qu’un pois parmi d’autres pois.
En 1959, elle réalise sa Serie Infinity Net, faite d'un réseau de lignes et de pois, exposée à la Brata Gallery à New York. La notion d'infini est un fil conducteur dans toute l’œuvre de Yayoi Kusama. Les miroirs démultiplient l’espace, colonisés par les pois et annihilent les frontières entre l’homme et son environnement.
Yayoi Kusama créé aussi des sculptures de citrouilles (Pumkin). Ces citrouilles sont des sculptures polychromes, souvent recouvertes de motifs géométriques distinctifs, de points lumineux ou de motifs organiques hypnotiques. Celles-ci lui rappelle entre autres son enfance dans un Japon rural où elle a développé un amour pour ce légume.
L’artiste a marqué les années 1960 avec ses performances liées à la nudité et à la liberté de jouir de son corps. Yayoi Kusama crée des environnements remplis de formes phalliques confectionnées à l’aide de ses draps ou de vieilles chaussettes. En 1966 à New York, elle réalise son premier happening, 14th Street Happening, en bas de son loft. L’artiste est allongée au beau milieu du trottoir sur un matelas recouvert de formes phalliques protubérantes, elles-mêmes couvertes de pois. Yayoi Kusama se met rarement en scène, elle utilise plutôt le corps d’autrui et s’appuie notamment sur le but, un art chorégraphique japonais. « L’artiste a souvent rappelé dans des interviews qu’elle avait une hantise des relations sexuelles (et par extension, du machisme et de la position de l’homme dans la société) ». La peinture est une forme de catharsis pour Yayoi Kusama. Si les pois ou les phallus l’effraient, elle les reproduit par milliers pour se débarrasser en quelque sorte de ce sentiment d’effroi.
En 2012, Yayoi Kusama a commencé une collaboration avec la maison Louis Vuitton pour créer une collection de produits de luxe qui fusionnent l'univers artistique de l'artiste avec le savoir-faire de Louis Vuitton. De janvier à mars 2023, à Paris, la maison de mode avait déployé une reproduction XXL de l'artiste sur la façade de son magasin des Champs-Élysées ainsi que devant le siège de la maison Louis Vuitton. Les "Polka Dots" avaient aussi envahi les magasins Harrods de Londres, à Milan et à Tokyo.
La Tate Gallery présentait deux des Infinity Mirror Rooms, ces installations immersives de Yayoi Kusama, du 18 Mai 2021 à Juin 2023. 
Le Palazzo della Ragione de Bergame accueillait en Novembre 2023 la célèbre installation 'Fireflies on the Water' de l’artiste, qui s’inscrit dans sa série des Infinity Mirror Room. Il s’agissait de la première exposition de Yayoi Kusama en Italie.
Exposition "Yayoi Kusama: Pumpkin" à Kengsington Gardens, Serpentine Galleries, à Londres, du 9 Juillet au 3 Novembre 2024 : l'artiste y présentait sa plus grande sculpture "Pumpkin" en bronze de 6m de hauteur.
L' installation de Yayoi Kusama 'Aspiring to Pumpkin’s Love, the Love in My Heart', est présentée au San Francisco Museum of Modern Art jusqu'en Novembre 2025
EXPOSITIONS
L’œuvre de Yayoi Kusama a fait l’objet d’importantes rétrospectives à travers le monde. 
Son musée, le Yayoi Kusama Museum à Tokyo (ouvert en 2017) a réouvert en 2021 avec une exposition intitulée (deep breath) « The Vision of Fantasy That We Have Never Seen Is This Splendor » (30 Juillet 2020-21 Mars 2021).
L’artiste a eu de nombreuses expositions personnelles au cours de ces 30 dernières années : 2025 Yayoi Kusama, National Gallery of Victoria (NGV), Melbourne ; 2024-2025 " I want to overcome death and live on" », Musée Yayoi Kusama à Tokyo ; 2024 Yayoi Kusama, galerie Victoria Miro, Londres 2024-2023, Installation immersive Fireflies on the Water, Palazzo della Ragione de Bergame, Italie,  Yayoi Kusama : de 1945 à aujourd’hui, Gugenheim, Bilbao, Espagne, Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Porto, Portugal, Exposition de Yayoi Kusama à la Tate Modern à Londres. Yayoi Kusama présentait une grande exposition immersive  au Festival International de Manchester, du 30 Juin au 28 Août 2023 et au Berliner Festspiele, GropIus Bau.
Du 17 Octobre 2024 au 9 Mars 2025, exposition de Yayoi Kusama au Yayoi Kusama Museum intitulée "I want to overcome death and live on" .
Grande rétrospective de Yayoi Kusama au M+ Museum à Hong Kong, du 12 Novembre 2022 au 14 Mai 2023. 
Le Tel Aviv Museum of Art présentait une grande rétrospective du travail de Yayoi Kusama, du 15 Novembre 2021 au 23 Avril 2022. https://tamuseum.org.il/en/exhibition/yayoi-kusama-a-retrospective/
EXPOSITIONS PASSEES

TAKASHI MURAKAMI, peintre et sculpteur, est aujourd’hui un des artistes japonais les plus cotés, représentant de la nouvelle culture japonaise.
Avec des ventes cumulées de 18 M €, Takashi Murakami se classait au 154éme rang dans le Top 500 du palmarès mondial des artistes les mieux vendus aux enchères d'Artprice, avec un chiffre d'affaires de 6,7 M € en 2024. Il était 18ème du Top 100 des artistes par Hiscox avec un chiffre d'affaires de 10 m $ en 2023.
Il se classait à la 15ème place du Top 1000 des artistes contemporains vendus aux enchères du Artprice Report - de 2000 à 2019 -. 
Son œuvre ‘My lonesome cowboy’ s’est vendue chez Sotheby’s plus de 15 millions de dollars en Mai 2008. Miss Ko2 Original (Project Ko2) (1997) était vendue pour 2,5 millions $ le 14 Novembre 2019 chez Sotheby's New York lors de la Contemporary Art Evening Auction.
A Art Basel Hong Kong 2025, la galerie Perrotin a vendu une oeuvre de Takashi Murakami pour 1,35 M$ US (environ 1,25 M€).
https://www.instagram.com/takashipom/?hl=en
https://gagosian.com/artists/takashi-murakami/
ACTUALITE
Collaboration de Takashi Murakami avec Louis Vuitton pour la collection de maroquinerie 'Cherry Blossom', à partir du 21 Mars 2025
PROFIL DE L'ARTISTE
Takashi Murakami est né le 1er février 1962 à Tokyo. Il est diplômé de l'Université des Beaux Arts de Tokyo (département peinture) (1988) où il a choisi non pas les bandes dessinées mais la peinture traditionnelle nihonga, jusqu’à son doctorat, en 1993. Il vit et travaille entre Tokyo et New York. 
C’est son ami musicien, Masato Nakamura, qui amènera Takashi Murakami vers l’art contemporain et le courant pop. Après un séjour d’un an à New York, il crée en 1995 son propre studio de production Hiropon Factory qui deviendra une « compagnie de production d'oeuvres d'art » nommée Kaikai Kiki Co. Il est considéré comme le chef de file du mouvement « Superflat », influencé par les films d’animation japonais, les mangas et par la pop-culture japonaise.  'Alter ego Mr DOB', une sorte de Mickey  protéiforme, est une de ses premières créations, en 1993.  Murakami a aussi un goût très prononcé pour les motifs de fleurs. Sa plus célèbre création est cette fleur aux pétales multicolores, arborant des yeux et un grand sourire, tel un smiley appelée Flower Matango. Elle était exposée dans la Galerie des Glaces à Versailles en 2010. 
Takashi Murakami collabore avec de grands noms comme Louis Vuitton, pour  lequel il a créé  une série  de motifs alliant le célèbre logo à son univers coloré, décalé, en 2004. 
Takashi Murakami semble aujourd'hui plus inspiré par la philosophie bouddhiste que par les mangas même si ceux-ci restent des repères importants dans sa vie.
Dans son exposition à la galerie Perrotin en 2016, il présentait "les 500 Ahrats", une peinture de 100 m de long (les Arhats sont les disciples clairvoyants de Bouddha). Cette peinture (composée de créatures mystiques et caricatures  de personnes âgées) avait été présentée en 2012 dans le cadre de la rétrospective de Takashi Murakami au Qatar.
Takashi Murakami a créé 120 œuvres pour accompagner l'exposition au Brooklyn Museum de la série complète des 100 vues célèbres d'Edo du maître japonais du XIXe siècle Utagawa Hiroshige, du 5 Avril au 4 Août 2024.
Le Kyoto City Kyocera Museum of Art présentait une grande exposition "Takashi Murakami Mononoke Kyoto”, du 2 Février au 1er Septembre 2024. La pièce maîtresse était sans doute Rakuchu Rakugai Zu, une réimagination de 43 pieds de long des Scènes dans et autour de Kyoto d'Iwasa Matabei. Cette peinture du XVIIe siècle représente une ville enveloppée de nuages dorés d'où émergent des scènes de la vie quotidienne : un homme vend des melons, un festival se déroule dans un sanctuaire, des femmes font du shopping. Takashi Murakami a réimaginé l'original, avec l'aide de l'intelligence artificielle, et y a ajouté ses propres icônes. Cette exposition est à présent présentée à la Grosvenor Hill gallery de Gagosian à Londres, du 10 Décembre 2024 au 8 Mars 2025. Dans une interview pour la revue ArtnetNews, Takashi Murakami explique comment il utilise l'IA pour  réimaginer l'histoire de l'art du Japon.
https://news.artnet.com/art-world/takashi-murakami-japanese-art-history-2584030
Une sculpture monumentale de 13 mètres de haut intitulée "Flower parent and child", signée Takashi Murakami, était dévoilée le 7 Décembre 2024, dans le Jardin d'Acclimatation à Paris. Cette sculpture en feuilles d'or sur bronze a été créée en 2020 en collaboration avec la marque Louis Vuitton. Celle-ci est posée sur une énorme malle monogrammée multicolore de la marque éponyme : elle représente un personnage avec pour tête une grosse marguerite et portant un bouquet de fleurs, tenant par la main un enfant, au visage rond à pétales. 
A Art Basel HK 2025, Takashi Murakami et Louis Vuitton dévoilaient dans une installation à l'apparence d'une malle géante, des oeuvres d'art mettant à l'honneur leur collaboration de plus de 20 ans.
EXPOSITIONS
Takashi Murakami multiplie les expositions à travers le monde et dans de prestigieuses galeries. Il est aussi commissaire d'exposition afin de promouvoir de jeunes artistes japonais.
Expositions personnelles : 2024-2025 "Japanese Art History à la Takashi Murakami",  Grosvenor Hill gallery, Londres ; 2024 du 15 Octobre au 23 Novembre 2024, la galerie Perrotin Paris, présentait une exposition personnelle de Takashi Murakami. Le Kyoto City Kyocera Museum of Art présentait pour sa part une grande exposition "Takashi Murakami Mononoke Kyoto”
2023 La galerie Gagosian présentait 'Understanding the New Cognitive Domain', une exposition de Takashi Murakami dans sa galerie du Bourget, centrée sur ses peintures monumentales.
Le Busan Museum of Art présentait TAKASHI MURAKAMI : MurakamiZombie, une exposition du célèbre artiste japonais, du 2 janvier au 12 mars 2023.
La galerie Perrotin présentait la première exposition de Takashi Murakami à Dubaï, du 25 Novembre 2022 au 23 Janvier 2023.
Gagosian présentait "An Arrow though History" de Takashi Murakami dans deux de ses galeries new yorkaises du 11 Mai au 25 Juin 2022.
Takashi Murakami particpait à Art Basel Hong Kong en Avril 2025, avec la maison Louis Vuitton.
Takashi Murakami participait au KIAF Seoul en Octobre 2021;
EXPOSITIONS PASSEES

KIYOSHI NAKAGAMI est un artiste japonais contemporain qui peint magnifiquement la lumière.
https://en.knakagami.com/?fbclid=IwAR32FAGXkR_u052W0KiEFrgS6mzonhWM9cB-nsDL0RaQutUHhifiagd6Nfg
https://www.facebook.com/Kiyoshi-Nakagami-%E4%B8%AD%E4%B8%8A%E6%B8%85-190203961321461/
PROFIL DE L'ARTISTE
Kiyoshi Nakagami est né à Shizuoka, Japon, en 1949. Il a commencé à dessiner à l'âge de 17 ans. En 1971, il part étudier l'art au B Seminar à Yokohama city d'où il sortira diplômé. Il vit et travaille à Yokohama city. Il est représenté par la galerie Richard (Paris, New York) depuis 2003. 
“As a painter, there is nothing more difficult to represent than light. The ones who can do that are the greatest painters, greatest artists.” déclare Kiyoshi Nakagami.
L’artiste pose sa peinture acrylique sur la toile, en la déplaçant ici et là, et en laissant la gravité déplacer le pigment qu'il a «enrichi» de mica d'or. Ses oeuvres sont ainsi faites d'ondulations et évoquent des cascades de lumière sans aucune trace ou utilisation de pinceau. La lumière se propage à travers une série de nuances absolument somptueuses, elle traverse une matière vaporeuse indéfinie. «Sa capacité à reproduire magnifiquement la diffusion de la lumière dans un tableau est sans égal ». Les peintures de Kiyoshi Nagakami renvoie le public vers un espace de méditation. 
«Nakagami ne reproduit pas la lumière du monde naturel. La lumière de ses peintures existe seulement en peinture. La conscience du temps par l’artiste au moment précis où la lumière se manifeste, est étroitement liée à la rencontre surprise de quelque chose d’éphémère et de sublime ». Kiyoshi Nakagami est un peintre solitaire respecté au Japon.
La galerie Richard à Paris présentait de nouvelles peintures de  Kiyoshi Nagakami dans une exposition personnelle « Lumière » du 16 décembre 2023 au 13 janvier 2024. Ces peintures récentes renouent avec une ligne fine de lumière, une trajectoire de lumière qui éclate dans un espace sombre. La lumière se répand à travers une série de dégradés parfaits, somptueux. 
“En tant que peintre, il n’y a rien de plus difficile que de représenter la lumière en peinture. Ceux qui y arrivent sont les plus grands peintres, les plus grands artistes », déclarait Kiyoshi Nakagami.   
EXPOSITIONS
Kiyoshi Nakagami a eu de nombreuses expositions personnelles à travers le monde depuis 1971. Citons les plus récentes : 2023-2024 "Lumière", Galerie Richard, Paris ; 2023  Solo exhibition at Galerie Richard, Paris ; 2020 « Light in Painting », Richard, New York, NY ; 2019 « Kiyoshi Nakagami », Richard, Art Paris, Paris, France, “La Beauté Sublime”, Richard, Paris, France, “Theophany”, hino gallery, Tokyo, Japon ; 2018-2019 Theophany, Galerie Richard, New York ; 2018   Imaginary Places, Galerie Richard, Paris, Light from Afar, Lew Allen Galleries, Santa Fe ; 2016/17 Miles McEnery Gallery, New York, hino Gallery, Tokyo ; 2015  Galleria Finarte, Nagoya, Art-Taguchi, Gifu, Epiphany II, Galerie Richard, New York ; 2014 Recent Paintings, Galerie Richard, Paris, Square Paintings, Galerie Richard, New York, Museum Haus Kasuya, Yokohama, hino Gallery, Tokyo.
L’artiste participe aussi à des expositions collectives : 2023 Expo Chicago ; 2022 Palm Beach Art Fair, Miami ; 2021-2021 Galerie Richard, Paris ; 2020 Art Paris ; 2019 Art Paris, Galerie Richard ; 2016 The Advent of RINPA - Touring the “RINPA CODE” of the Pre-Modern / Modern / Contemporary, Kyoto Municipal Museum of Art, Kyoto ; 2015  Modern: Blossoming Garden- Oita World Museum, Oita Prefectural Art Museum, Oita , Dawn of Gods - Encounter of Venus, and Spiritual Landscape, East and West, Oita Prefectural ,Art Museum, Oita ; 2014 Art Paris, Galerie Richard, Paris.
L’artiste fait aussi partie des collections publiques de musées japonais dont le National Museum of Modern Art à Tokyo.

YOSHITOMO NARA est un des artistes leaders du Neo Pop Movement au Japon. Il est surtout connu pour ses représentations d'enfants et d'animaux à la fois charmants et diaboliques. Il pratique la peinture, le dessin et la sculpture.
Avec des ventes cumulées de 46 M €, Yoshitomo Nara se classait au 17éme rang dans le Top 500 du palmarès mondial des artistes les mieux vendus aux enchères d'Artprice en 2024. Il était 3ème du Top 100 des artistes par Hiscox avec un chiffre d'affaires de 36 m $ en 2023. Il était à la 9ème place du Top 1000 des artistes contemporains vendus aux enchères du Artprice Report - de 2000 à 2019 - avec un chiffre d'affaires de 327,8 millions $.
En 2019, une grande toile de l'artiste "Knife Behind Back" (2000) s’est vendue pas moins de 25 millions de dollars chez Sotheby’s.
Yoshitomo Nara était parmi les plus performants de la vente Sotheby’s Evening Sales of Modern and Contemporary Art, à Hong Kong, les 18 et 19 Avril 2021. Son oeuvre Nara’s Frog Girl (1988) s’est vendue 82 millions HKD (12,4 millions $ avec la prime de l’acheteur), ce qui en faisait la troisième œuvre la plus chère de l’artiste jamais vendue aux enchères. Son oeuvre "Missing in Action" s'est vendue chez Phillips HK le 7 Juin 2021 : 15,8 m$.
Le 3 Décembre 2020, Yoshitomo Nara a vendu son oeuvre Hothouse Doll » (1995) 13.3 millions $ (HKD 103 million) chez Phillips Hong Kong. 
Une oeuvre de l'artiste "Dulcimer (for Jean Ritchie)" s'est vendue 2,367,438 USD chez Poly Auction début 2025.
Contact : https://www.facebook.com/michinara3/
https://www.pacegallery.com/artists/yoshitomo-nara/
ACTUALITE
Yoshitomo Nara présente « Voyager par une journée brumeuse et humide » à Pingtung, Taiwan, du 20 Décembre 2024 au 25 Mai 2025
Yoshitomo Nara devrait avoir sa plus grande rétrospective européenne, au SouthBank Centre à Londres, du 10 Juin au 31 Août 2025
PROFIL DE L'ARTISTE 
Yoshitomo Nara est né à Hirosaki, Aomori, Japon, en 1959. Il a fait ses études à l’Aichi Prefectural University of Fine Arts and Music, où il a obtenu son BFA et son MFA (1987). En 1988, il part pour l’Allemagne et suit les cours à la Kunstakademie de Düsseldorf (1993). En 1998 il a enseigné à l’University of California, Los Angeles comme professeur invité. En 2000, il est revenu au Japon. Actuellement il vit et travaille à Tokyo.
Yoshitomo Nara est influencé par des éléments de la culture populaire tels que l'Anime, le manga, les dessins animés de Walt Disney et le punk rock. Son œuvre est issue du mouvement néo-pop japonais. L’artiste explore les thèmes de la rébellion et l'isolement.. Ses sculptures, fabriquées principalement en fibre de verre, et ses dessins sur cartes postales, enveloppes ou bouts de papier, poursuivent cette exploration avec la même élégance de ligne et de couleurs que dans ses peintures. Yoshitomo Nara est un contemporain de Takashi Murakami dans le mouvement néo-pop du Japon mais il estime réductrices les associations entre son travail et celui d'autres artistes reconnus de la culture visuelle japonaise tels que le mouvement ‘’Superflat’ des années 1990, ainsi que les bandes dessinées et les romans graphiques de Manga et sa forme vidéo, Anime. L’artiste insiste sur les origines très personnelles de ses personnages qui font revivre une nostalgie de la fantaisie et l’émotion qu’il a retirées de ses livres de fiction lorsqu’il était enfant. Son œuvre « Wish World Peace »(1994) pourrait être considérée comme une parfaite illustration de la pratique artistique de Yoshitomo Nara. C'est grâce à ce sujet emblématique de la petite fille que l’artiste a captivé l'imagination et s’est fait respecter par les musées et collectionneurs du monde entier. Au début des années 2000, l'artiste a adouci les tempéraments de ses personnages. S’expliquant sur son travail artistique début 2018, Yoshitomo Nara déclarait : « Les dessins m'ont toujours aidé en tant qu'artiste quand mon processus de peinture n'allait pas bien, mais depuis que j'ai utilisé l'argile pour la première fois il y a environ 10 ans, c'est devenu quelque chose qui lie fortement la peinture et dessin à mon sens […] Je pense que c'est parce qu'elle diffère des autres médiums de sculpture qui peuvent être contrôlés, mais ma rencontre avec la création de céramique a été l'une des plus importantes de ma vie artistique ». L'artiste poursuivait : « récemment j'ai réalisé que l'argile est plus libre que le crayon ».
Du 9 Mai jusqu'au 28 Octobre 2022, une sculpture iconique Yoshitomo Nara, "Peace Head" (2021) était installée au Hanover Square, au centre de Londres, en face de la Pace gallery. C'était la première présentation d'une sculpture publique de Yoshitomo Nara au Royaume-Uni.
L'Aomori Museum of Art présentait "Yoshitomo Nara: The Beginning Place" de Yoshitomo Nara, du 14 Octobre  2023 au 24 Février 2024. Cette exposition portait sur les activités de Yoshitomo Nara au cours des 12 dernières années, depuis le tremblement de terre et le tsunami de Tōhoku en 2011.
EXPOSITIONS
Yoshitomo Nara a eu de nombreuses expositions personnelles depuis 2007. Citons les plus récentes : 2025 Exposition Musée Frieder Burda, Baden-Baden, Allemagne, "My Imperfect Self", galerie Blum, Los Angeles ; 2024 Yoshitomo Nara, exposition rétrospective,  Guggenheim Bilbao, Espagne ; 2023-2024 "Yoshitomo Nara: The Beginning Place", Aomori Museum of Art ; 2023 Exposition, intitulée Ceramic Works, de Yoshitomo Nara  en Corée, à la Pace Gallery  à Séoul du 5 Septembre au 21 Octobre 2023, "All My Little Words" à l'Albertina Modern Museum à Vienne ; Le musée Yuz de Shanghai présentait une grande exposition de Yoshitomo Nara du 5 mars au 4 septembre 2022. C'était non seulement la première exposition personnelle de l'artiste en Chine continentale mais aussi sa première rétrospective internationale ; 2021 Yoshitomo Nara au Kaohsiung Museum of Fine Arts, Taiwan ; 2020 "After all I'm cosmic dust", Pace Gallery, NY, East Hamptons ; 2019 Taiwan Ceramics Biennale 
Exposition Dog-o-rama, Lonely Moon/Voyage of the Moon et plusieurs dessins de Yoshitomo Nara, exposés pour la première fois depuis leur acquisition par le 21st Century Museum of Contemporary Art, de Kanazawa au Japon, du 29 Avril au 19 Septembre 2023
EXPOSITIONS PASSEES
Le 24 Juillet 2020, le New York Times publiait un article consacré à l'artiste, intitulé " Yoshitomo Nara paints what he hears":
https://www.nytimes.com/2020/07/24/t-magazine/yoshitomo-nara.html

SHINJI OHMAKI est un artiste contemporain japonais, un sculpteur de lumière.
Contact : http://www.shinjiohmaki.net/
https://www.instagram.com/shinjiohmaki/?locale=fr_FR
PROFIL DE L'ARTISTE
Shinji Ohmaki est né à Gifu, au Japon, en 1971. Il a obtenu son Bachelor of Arts (BA) in Sculpture à la Tokyo University of the Arts (1995) puis un Master en 1997. Il est devenu professeur dans cette même université en 2009, et il est actuellement professeur associé au Département de sculpture du Tokyo National University of Fine Arts and Music.
Shinji Ohmaki est né dans une famille de fabricant de tissus traditionnels japonais. Il a connu les effets de la globalisation et le déclin des usines traditionnelles. Tous ces bouleversements l’ont ainsi amené à choisir comme thème de travail l’équilibre fragile entre l'existence et l'extinction. L'existence a toujours été le sujet principal de Shinji Ohmaki.
Les espaces d'art conceptuel de Shinji Ohmaki sont des expériences immersives qui brouillent les frontières entre le temps, l'espace et l'histoire. Son intérêt pour la philosophie asiatique l’amène à former une beauté subtile de couleurs et de matériaux. L’artiste travaille sur différents supports, de la toile aux installations 3D, combinant souvent lumières et mouvement de l’air dans un espace donné. L'artiste cherche constamment la frontière entre ce qui est substantiel et spirituel, le soi et les autres. 
Shinji Ohmaki construit non seulement ses installations à l'intérieur d'espaces d'exposition traditionnels, mais aussi en tant que sculptures permanentes en plein air et même en collaboration avec le monde de la mode. En 2016, Shinji Ohmaki avait par exemple installé ses Liminal series dans 3 musées au Japon, à Singapour et dans la vitrine d’Hermès à Paris. Il avait aussi réalisé une installation pour la présentation d’une collection homme chez Louis Vuitton à Paris.
L'artiste expérimente de nouveaux mediums à chaque nouveau projet . «Je recherche des matériaux qui changent constamment, comme la texture physique ou les phénomènes provoqués par la lumière. Je suis également intéressé par l'utilisation des techniques artisanales traditionnelles japonaises et je fais de constantes recherches pour les combiner avec de nouveaux concepts", déclarait-il.
Le 14 Septembre 2023, Shinji Ohmaki avec suzusan, présentait son projet "Metamorphose" à Wako (Ginza), Tokyo.
https://www.youtube.com/watch?v=wLwuwmV-LjE
EXPOSITIONS
Après avoir été sélectionné pour exposer son oeuvre "Opened Eyes Closed Eyes" dans le cadre de l’exposition Tokyo Metropolitan Government’s public exhibition Tokyo Wonder Wall 2000, Shinji Ohmaki a multiplié les expositions.
Citons ses expositions personnelles récentes : 2024 "Rotation et Révolution", Centre d'art Mind Set Art Center , Taipei, 2023 "Interface of Being", The National Art Center, Tokyo (NACT), Shinji Ohmaki, Art Front gallery, "OHMAKI Shinji – Before and After the Horizon", Hirosaki Museum of Contemporary  Art ; 2020 ‘Rustle of Existence », Kuandu Museum of Fine Arts, Taipei ; Memorial Reberth, Senju, Toneri Park.
Shinji Ohmaki participait à l'exposition “Playground Becomes Dark Slowly” au Hibiya Park à Tokyo en Mai 2024.
Shinji OHMAKI participait à “Space Symphony” au Paradise City Paradise Art Space en Corée du Sud, du 25 Octobre 2022 au 26 Mars 2023.
EXPOSITIONS
http://www.shinjiohmaki.net/information/exhibition/index_en.html

HIROSHI SENJU, né en 1958, the "waterfall artist », est un peintre contemporain japonais, connu dans le monde pour ses sublimes images de cascades et de falaises, à échelle souvent monumentale. Il combine un langage visuel minimaliste avec des techniques de peinture ancienne japonaise : il est largement reconnu comme étant un des maîtres actuels du style de peinture ‘nihonga’.
En 2023, il était classé 995ème dans le top 5000 au palmarès mondial des artistes les mieux vendus aux enchères d'Artprice, avec un chiffre d'affaires de 995 K €. 
Contact : http://www.hiroshisenju.com/
http://www.senju-museum.jp/en/
PROFIL DE L'ARTISTE
Hiroshi Senju est né à Tokyo en 1958. Il est diplômé de la Tokyo National University of Fine Arts and Music où il a obtenu son BFA (1982) et son MFA (1984). En 1987 il a terminé un PhD program in Fine Arts à la Tokyo National University of Fine Arts and Music. De 2007 à 2013 il a été président de la Kyoto University of Art & Design. Il est actuellement professeur à la Kyoto University of Art & Design et président du système d’éducation conjoint de la Kyoto University of Art & Design et de la Tohoku University oArt & Design. Il vit et travaille à New York.
Hiroshi Senju a mis tout son talent et son énergie à promouvoir les peintures traditionnelles et les techniques japonaises partout dans le monde. Il utilise notamment des pigments faits de minéraux, de débris de pierre, de coquillages et de coraux, liés par des colles de peaux d’animaux (technique nihonga) mais aussi l'acrylique. Ses œuvres montrent surtout des espaces naturels comme des cascades ou des tombées de nuit tout en tendant vers l’abstraction dans sa forme de peinture. Sa série « Nightfall » par exemple est caractéristique par sa peinture acrylique fluorescente qui contraste sur des fonds sombres.
Hiroshi Senju réalise aussi de nombreuses peintures murales, parmi celles-ci les 77 peintures de Jukoin, un sous temple de Daitokuji, un temple bouddhiste zen au Japon ou encore la grande cascade à l’Haneda Airport International Passenger Terminal à Tokyo ou encore les deux installations sur le Benesse Art Site de la Naoshima Island au Japon. Hiroshi Senju expose une centaine de ses œuvres dans son musée, le Hiroshi Senju Museum, ouvert en 2011.
EXPOSITIONS
Parmi les expositions personnelles récentes de Hiroshi Senju, citons : 2024 Between Movement and Stillness, Sundaram Tagore Gallery, Singapour ; 2023 Mitsukoshi 350th Anniversary: Horoshi Senju Exhibition - Tradition and Innovation, "There is still a light", Sundaram Tagore Gallery, London, Jukon Daitokuji, Kyoto.
Hiroshi Senju exposait à l'Art Institute of Chicago "Senju's Waterfall for Chicago", du 13 Novembre 2021 au 26 Juin 2022.
EXPOSITIONS PASSEES

CHIHARU SHIOTA est une artiste d’origine japonaise vivant à Berlin. L’artiste réalise des installations spectaculaires, souvent monumentales, généralement faites de fils tissés, de couleur rouge ou noir, des dessins et des vidéos. La signature de Chiharu Shiota est l’accumulation de mémoire dans les objets.
En 2024, elle était classée 1118ème dans le top 5000 au palmarès mondial des artistes les mieux vendus aux enchères d'Artprice, avec un chiffre d'affaires de 990 K €.
A la Frieze Seoul en Septembre 2024, la galerie Templon a vendu une peinture et une sculpture de Chiharu Shiota pour 120,000€ ($132,500) et 100,000€ ($110,400), respectivement.
Chiharu Shiota a vendu chez Phillips Hong Kong, le 17 Septembre 2021, une oeuvre intitulée "State of Being" Books (2017), pour 121,419$.
Contact : https://www.chiharu-shiota.com/
https://www.facebook.com/ChiharuShiotaArtist
ACTUALITE
Le Red Brick Art Museum à Pékin présente une exposition de Chiharu Shiota "Silent Emptiness", du 23 Mars au 31 Août 2025.
PROFIL DE L'ARTISTE
Chiharu Shiota est née à Osaka, au Japon, en 1956. Elle commence ses études à l’université Seika de Kyoto en 1992 puis à la Canberra Shool of Art en Australie. En 1996, elle part pour l’Allemagne et s’inscrit à l’Université d’Art Braunschweig de Hambourg dans l’atelier de Marina Abramovic. En 1999, elle s’installe à Berlin où elle suit jusqu’en 2003 les cours de l’université des Arts. Elle y aura notamment pour professeur Rebecca Horn, personnalité marquante de l’art du corps. Elle vit et travaille à Berlin.
Chiharu Shiota créé des entrelacs de fils, son matériau privilégié : ils sont monochromes, rouge, noir ou blanc, toujours tissés en réseaux, elle y accroche des objets (des clefs ou des valises), enveloppe des barques ou des lits, les enferme dans des parallélépipèdes rectangles (sextant, robe, chaise). Pour Chiharu Shiota, les fils représentent la mémoire ou des liens physiques. « Le noir sert à traduire le vide, l’oubli et l’univers infini, le hors de soi. Le rouge renvoie à la mémoire, puis à cette vue organique de l’intérieur du corps, des vaisseaux sanguins. Les clés figurent des vestiges mémoriels, car ils ouvrent ou scellent le temps de la mémoire. Les valises font penser à un voyage, au sens figuré comme au sens propre. Pianos abandonnés, chaises esseulées, ces objets témoignent d’une part de l’absence ». C'est difficile de s’orienter dans ce nouveau monde, explique Chiharu Shiota autour de son exposition « Navigating the Unknown » au Koenig London jusqu’au 19 Décembre 2020. Où est la surface dans cet océan d’information. Les bateaux flottent dans l’espace, comme un bateau flotte sur l’eau. Chaque ligne est comme une émotion. Utiliser les fils, les lignes, et les cordes, c’est quelque chose qui me permet d’explorer la respiration et l’espace comme une ligne dans une peinture. La forme architecturale du bateau laisse seulement les passagers aller de l’avant. Nous voyageons sur l’océan sans un sens de direction. Dans son installation Uncertain Journey (2016/2024), avec un maelström de fils rouges, jaillissant de barques métalliques, L'artiste convoque des souvenirs et des réflexions sur les liens humains, le voyage et l’exil.
Du 16 Mars au 6 Juin 2022, le Musée Guimet, Paris, donnait carte blanche à Chiharu Shiota. qui exposait dans la rotonde.
En réponse au thème de la Biennale de Bangkok 2022, Chiaharu Shiota créait une installation massive "Eye of the Storm", composée de filets de fils rouges suspendus avec des milliers de feuilles de papier blanc tourbillonnant comme un typhon à l'intérieur.
La galerie Koenig à Berlin présentait "The  Wall Behind The Windows" de  Chiharu Shiota du 13 Septembre au 11 Novembre 2023. L'artiste avait transformé l'ancienne chapelle de Sainte-Agnès en l'une de ses sculptures aux fils rouges, dont l'échelle remplissait chaque centimètre de l'espace d'exposition. Selon l'artiste, "même aujourd'hui, trente ans après la chute du mur de Berlin, la ville continue de se transformer, montrant chaque jour une facette différente d'elle-même. Lorsque je regarde les fenêtres qui ont été jetées sur les chantiers de construction de Berlin, je commence à me rappeler comment l'Est et l'Ouest ont été séparés pendant vingt-huit ans et je pense à la vie de ces personnes de la même nationalité, parlant la même langue, à la façon dont elles considéraient la vie à Berlin et à ce qu'elles avaient en tête."
Du 23 Mars au 26 Juin 2024, la Fundació Antoni Tàpies à Barcelone, avait invité l'artiste à créer une installation spécifique sur site, dans les espaces d'exposition du musée. Pour son exposition "Everyone, a universe", Chiharu Shiota avait tissé un réseau complexe de significations où les fils rouges ne forment pas seulement une toile d’araignée, mais symbolisent également d'autres liens profonds. Dès l'entrée, le visiteur était accueilli par une vaste toile d’araignée qui recouvrait les escaliers et les salles d’exposition. Des chaussures, des clés et d’autres objets étaient suspendus dans le filet. "Le lien entre l’œuvre de Shiota et celle d’Antoni Tàpies, dont le centenaire est commémoré cette année, était évident. Les deux artistes partagent un intérêt pour les objets du quotidien et leur capacité à évoquer des souvenirs et des émotions profondes".
Du 18 Mai au 6 Octobre 2024, Chiharu Shiota était invitée par la Direction des Musées d’Art et d’Histoire de la Ville à investir les musées du Pavillon de Vendôme et des Tapisseries ainsi que la Chapelle de la Visitation. Une exposition "Beyond Consciousness" portée par la Biennale d’Aix en Provence, du 18 Mai au 6 Octobre 2024.
Shiharu Shiota présentait  "CHIHARU SHIOTA, I to EYE", au Nakanoshima Museum of Art à Osaka, du 14 Septembre au 1er Décembre 2024. C'était son exposition la plus importante présentée sur son lieu de naissance, à Osaka, depuis 2008. 
Le Grand Palais à Paris présentait une exposition consacrée à l’oeuvre de Chiharu Shiota, du 11 décembre 2024 au 19 mars 2025. 
EXPOSITIONS
Au cours de ces dernières années, Chiharu Shiota a eu de très nombreuses expositions personnelles où elle a pu présenter ses installations. Citons les plus récentes : 2025 "The Soul Trembles", Grand Palais, Paris, The World Is Yours, Fundación Casa Wabi, Mexico, Mexique ; 2024 Beyond Consciousness, Musée du Pavillon de Vendôme, Musée des Tapisseries, Chapelle de la Visitation, Aix-en-Provencec, France, Chiharu Shiota, I to Eye", Nakanoshima Museum of Art,  Osaka, Everyone, a universe", Fundació Antoni Tàpies, Barcelone, 2023-2024 "A Tide of Emotions", Vincom Center for Contemporary Art (VCCA), Hanoi, Vietnam, du 4 Octobre 2023 au 30 Mars 2024 ; 2023, "The  Wall Behind The Windows", galerie Koenig, Berlin ; "Memory under the Skin", Galerie Templon, Paris, "The Soul Trembles" MACAN Museum, Musée d’Art Moderne et Contemporain, Djakarta, Indonésie ; 2022 "The Soul Trembles", Long Museum West Bund, Shanghai ; 2021, « The Soul Trembles », Taipei Fine Arts Museum, Taiwan, "Linhas da Vida" (Lifelines), (Rétrospective Chiharu Shiota), Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro ;  "I Hope", galerie Koenig à Berlin ; 2020 "Between us" Gana Art Center, Gana Art Nineone, Séoul, "Inner Universe", Galerie Templon, Paris ; 2019-2020 "Counting Memories", Muzeum m Śląskie, Katowice, Pologne ; 2019-2020, "Lifelines", Centro Cultural Banco do Brasil, São Paulo.
Exposition commune Chiharu Shiota et Do Ho Suh à Shanghai, intitulée “Lightness and Being", au musée d'art chi K11, du 14 Août au 17 Octobre 2021 
Chiharu Shiota participait à la Bangkok Biennale 2022/23.
EXPOSITIONS PASSEES
https://www.chiharu-shiota.com/solo-exhibitions
https://www.chiharu-shiota.com/group-exhibitions

HIROSHI SUGIMOTO, est un artiste japonais majeur, un photographe internationalement reconnu.
Il se situait au 438ème rang dans le Top 500 du palmarès mondial des artistes les mieux vendus aux enchères d'Artprice en 2023 avec des ventes cumulées de près de 3,6 millions $.
A la Frieze Seoul en Septembre 2024, la Lisson Gallery a vendu une oeuvre de Hiroshi Sugimoto pour 406,800$ 
Contact :  http://www.sugimotohiroshi.com/
PROFIL DE L'ARTISTE
Hiroshi Sugimoto est né en 1948 à Tokyo. Il est diplômé de l’université Saint Paul de Tokyo (1970) puis du Art Center College of Design, de Los Angeles (1974). Il s’est installé à New York en 1974. Il vit et travaille entre New York et Tokyo.
Hiroshi Sugimoto a commencé ses travaux en 1976 avec sa Série « Dioramas », pour laquelle il a photographié des présentoirs dans des musées d’histoire naturelle. Ceux-ci mettaient en scène des animaux sauvages empaillés dans des décors en trompe l’œil. Pour sa Series Theaters en 1978, il a photographié de vieux cinémas et des drive-in américains. La photographie permet de préserver et de fixer la mémoire et le temps. «J’imagine ma vision puis j’essaie de la faire arriver, juste comme pour la peinture», expliquait l’artiste. Hiroshi Sugimoto est connu aussi pour sa Series « Seascapes », des paysages marins qu'il a photographiés avec une identique proportion de mer et de ciel. Avec sa Series « Portraits », commencée en 1999, il substituait la photographie à la peinture. Au début des années 2000, il s'est lancé dans une autre série consacrée à l'architecture 'The Architecture Series', photographiant des bâtiments architecturaux du 20ème siècle partout dans le monde.
Hiroshi Sugimoto travaille actuellement à la rénovation du Hirshhorn Museum’s Sculpture Garden à Washington, D.C., ainsi qu'à l'extension et la construction de l'Odawara Art Foundation au Japon.
Juin 2023. Le photographe et architecte Hiroshi Sugimoto dévoilait sa première grande œuvre aux États-Unis : une sculpture imposante qui perce le ciel de San Francisco.  Cette sculpture gigantesque est en acier inoxydable sur une base de 23 pieds.
La Hayward Gallery à Londres présentait "Hiroshi Sugimoto: Time Machine", une grande rétrospective du photographe japonais du 11 Octobre 2023 au 7 Janvier 2024.
Le Centre d'art contemporain UCCA à Pékin présentait "Hiroshi Sugimoto: Time Machine" du 23 Mars au 23 Juin 2024, la première grande exposition institutionnelle de l'artiste de renommée mondiale en Chine continentale.
EXPOSITIONS
Hiroshi Sugimoto expose partout dans le monde. Citons parmi ses récentes expositions personnelles : 2025 "Form is Emptiness, Emptiness is Form", Lisson Gallery, LA ; 2024 "Hiroshi Sugimoto: Time Machine", Centre d'art contemporain UCCA, Pékin, "Giacometti/Sugimoto", Institut Giacometti, Paris, Optical Allusion, Lisson Gallery, New York ; 2023 "Hiroshi Sugimoto: Time Machine", Hayward Gallery à Londres.
Hiroshi Sugimoto participait à l'exposition collective "Au-delà de la couleur : Noir et Blanc, au Couvent des Jacobins à Rennes, en France, où son oeuvre 'The Last Supper' (1999) était exposée, jusqu'au 29 Août 2021.
EXPOSITIONS :
https://www.sugimotohiroshi.com/biography-1

YUJI UEDA est un artiste céramiste contemporain japonais. Il est soutenu par le célèbre artiste japonais Takashi Murakami.
https://www.instagram.com/yuji____ueda/?hl=ja
PROFIL DE L'ARTISTE
Yuji Ueda est né en 1975 à Shigaraki, préfecture de Shiga, au Japon, une région connue pour sa poterie et ses plantations de thé, où il vit et travaille. Il a étudié sous la gouvernance du grand céramiste local Kohyama Yasuhisa.
Yuji Ueda a créé un procédé unique pour son art : il utilise des blocs entiers de feldspar (un minéral extrait de rochers) ou bien créé des surfaces en argile irrégulières qui peuvent être cuites dans des fours à bois. Depuis 2019, il réalise aussi des peintures.
Quand vous voyez des oeuvres de Yuji Ueda, vous pouvez vous demander si c’est du ‘kintsugi’, à savoir l’art japonais de réparer les céramiques cassées et de transformer les imperfections en quelque chose de beau. Mais il ne s’agit pas de réparations mais de création : des pièces uniques, des objets bruts, irréguliers, avec des craquelures.
Le célèbre artiste Takashi Murakami s’est intéressé au travail de cette nouvelle génération de céramistes comme Yuji Ueda, Kazunori Hamana et Otani Workshop il y a maintenant plus de cinq ans. C’est ainsi qu’il a organisé une exposition de ces artistes, à New York chez Blum & Poe, en 2016. La Kaikai Kiki Gallery de Takashi Murakami en 2020, organisait la deuxième exposition de Yuji Ueda dans sa galerie à Tokyo. Intitulée « Picking seeds », l’artiste exposait des jardinières en céramique érodée et des peintures abstraites.
En 2020, Yuji Ueda faisait partie de l’exposition de groupe « Healing », consacrée aux artistes Kaikai Kiki (le studio de production de Takashi Murakami), à la galerie Perrotin Seoul et en 2021 à la galerie Perrotin Shanghai.
EXPOSITIONS
Yuji Ueda expose depuis 2008. Citons ses expositions personnelles récentes : 2024 Yuji Ueda, Blum, LA ; 2023 Blum & Poe, Tokyo ; 2022 Yuji Ueda Exhibition, The Sogetsu Kaikan, Tokyo, Japan ; 2020 “Picking Up Seeds”, Kaikai Kiki Gallery, Tokyo.
Yuji Ueda participait à l'exposition collective "Healing" consacrée aux artistes Kaikai Kiki, organisée par Takashi Kuramaki, à la galerie Perrotin Shanghai du 5 Février au 20 Mars 2021
EXPOSITIONS  PASSEES

 DAIYA YAMOMOTO est un artiste plasticien contemporain japonais. Il fait partie des artistes les plus prometteurs de la jeune génération japonaise.
(1) Daiya Yamamoto | Facebook
https://www.reijinshagallery.com/product-category/daiya-yamamoto/
Galerie Tamenaga
PROFIL DE L'ARTISTE
Daiya Yamamoto est né en 1989 à Nara, Japon. Il est diplômé de l'Université de la ville d'Hiroshima, où il s’est spécialisé dans la technique de peinture à l’huile (2010). En 2012 il a poursuivi un Graduate Master Program au Hiroshima City University Institute of the Arts Faculty of Painting.
Daiya Yamamoto a toujours été fasciné par l’extrême réalisme des travaux de trompe l’oeil et surtout par le genre plus classique dans l’histoire de l’art, les natures mortes. Ainsi, il reprend ce genre pictural, en utilisant sa technique habituelle de peinture à l'huile, pour l'associer à une approche très contemporaine avec l’utilisation d’objets banals du quotidien. Il aime disperser ces objets, suspendre les plantes à des fils et figer le tout dans un vide radical. Son esthétique, avec sa composition épurée et sa palette claire, crée des natures mortes intemporelles au travers desquelles émane une réelle sérénité dans le respect de la tradition japonaise.
EXPOSITIONS
Daiya Yamamoto a commencé à exposer dès la fin de ses études.
Citons ses expositions personnelles : 2023 exposition personnelle , Galerie Taménaga, Paris ; 2020 Afterimage collection, Reijinsha Gallery, Tokyo ; en 2019 ‘Amplified’. Reijinsha Gallery, Tokyo, Yokohama Honmoku Picture Gallery / Kanagawa, "Événements de l'axe Z" (Galerie Lapis / Hiroshima ; 2017, ‘Space Corrosion’ Reijinsha Gallery, Tokyo ; 2016 Galerie Miyasaka, Tokyo, ‘Synchronisme’ (Kamome no Baaba) ; 2015 "Borderline de plusieurs millimètres" (Cafe Funchana), Nara ; 2014 Solo exhibition Musée Okanoyama, Nishiwaki, Japon ; 2013, solo exhibition, galerie Nets «BOX».
L’artiste participe aussi à des expositions collectives dont les plus récentes :  2024 "Monochrome, galerie Taménaga, Tokyo ; 2020 Galerie Taménaga, Art Paris, Art Paris Digital.
EXPOSITIONS PASSEES