Artistes contemporains japonais

CHIHARU SHIOTA
Memory under the Skin
La galerie Templon à Paris présente "Memory under the Skin" de l'artiste japonaise Chiharu Shuiota, à partir du 24 Mai jusqu'au 22 Juillet 2023. Avec Memory under The Skin, Chiharu Shiota explore à nouveau l'un de ses thèmes de prédilection : le vêtement comme "seconde peau". Elle explique que les vêtements "peuvent même être plus importants que la peau parce qu'ils offrent la possibilité d'exprimer tant de choses sur chacun d'entre nous". Ils en disent plus que la couleur de peau, l'âge ou la nationalité d'une personne. Elle présente aussi des moulages en bronze des mains de son mari et de sa fille. Elle veut ainsi créer quelque chose qui restera après la mort.
https://www.templon.com/exhibitions/memory-under-the-skin/

L'UCLA Hammer Museum à Los Angeles a ouvert le nouveau Lynda and Stewart Resnick Cultural Center le 26 Mars 2023 et présente  une installation de Chiharu Shiota, Rita McBride's high-intensity laser et mist installation Particulates (2021). 

SUGAWARA & KAJIOKA 
L'Abstraction japonaise
La galerie Taménaga à Paris accueille l'exposition "L'Abstraction Japonaise" organisée par l'Asia Society France, du 10 Mai au 14 Juin 2023. Salué par les plus grands conservateurs de musées du Japon comme « l’origine du renouveau de la peinture japonaise » et par les historiens de l’Art occidentaux comme « l’un des artistes vivants les plus importants du Japon », Takehiko SUGAWARA crée un Œuvre unique, entre tradition et modernité, dans lequel il célèbre la puissance de la nature. Jeune talent récemment découvert par la galerie, Toshiyuki KAJIOKA consacre sa technique unique à la représentation abstractisée des tourbillons, circonvolutions et ondulations infinies des rivières nocturnes de Kyoto. Souvent présenté comme l’un des héritiers contemporains de la peinture sumi (technique traditionnelle japonaise, reposant sur l’usage exclusif d’encre noire, pure ou diluée), Kajioka trace au crayon des sillons sur du papier de chanvre tendu sur panneau de bois, qu’il vient recouvrir d’encre de Chine.
L'exposition est organisée avec le concours d’HDM Gallery (Hong-Kong).
https://www.tamenaga.com/fr/exhibition/4053/

BIJIN  美人
Exposition à Montréal
La galerie Artasiam présente "Exhibition - Bijin 美人: beauté à la japonaise", au Conseil des Arts de Montréal, du 4 Mai au 23 Juin 2023, dans le cadre du Festival Accès Asie. L'exposition explore l'un des thèmes majeurs de l'histoire de l'art japonais : le bijin,  l'essence de la beauté féminine. "Dans le contexte actuel où la diversité des genres et des corps est célébrée, où la notion même de beauté universelle est remise en question, à quoi ressemblerait le bijin contemporain" ? L'exposition présente les œuvres de deux artistes japonaises vivant au Québec - Yukiko Hashizume et Kaori Izumiya - qui s'interrogent sur l'évolution des normes de beauté au Japon. Tout en présentant une vision traditionnelle et stéréotypée de la beauté, elles la remettent en question et l'actualisent.
EXHIBITION Bijin 美人: beauté à la japonaise – Artasiam

ISAMU NOGUCHI
LaM Villeneuve d'Asq
Le Musée LaM à Villeneuve d'Asq présente du 15 Mars au 2 Juillet  2023, "Sculpter le monde", une première rétrospective en France de l'artiste japonais Isamu Noguchi (1904-1988) qui met l’accent sur sa sculpture. L'artiste est en effet mondialement connu pour sa lampe Akari mais l’exposition a pris le parti d’entrer de façon chronologique dans l’univers du sculpteur et designer dont l’histoire d’art a débuté, selon lui, à Paris où il a été le seul assistant de Brancusi. 
https://www.musee-lam.fr/fr/isamu-noguchi

YOSHITOMO NARA
Dog-o-rama
Cette exposition présente Dog-o-rama, Lonely Moon/Voyage of the Moon et plusieurs dessins de Yoshitomo Nara, exposés pour la première fois depuis leur acquisition par le 21st Century Museum of Contemporary Art, de Kanazawa au Japon, du 29 Avril au 19 Septembre 2023. Dog-o-rama est une œuvre autour d'un chien, Il se compose du chien Pup Patrol, un projet qui élargit l'univers du musée grâce à la visite d'enfants déguisés en chiens, et de Pup Up the Dog, qui complète l'animal en peluche géant de 7 mètres de long, Pup King, rempli de vieux vêtements et d'autres tissus apportés par les visiteurs.
21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa. | NARA Yoshitomo ―Dog-o-rama (kanazawa21.jp)

All my Little Words
Yoshitomo Nara a aussi une exposition "All My Little Words" à l'Albertina Modern à Vienne, du 10 Mai au 1er Novembre 2023. L'exposition va des premiers travaux expérimentaux sur papier, des peintures et des sculptures à une vaste installation, se concentre sur les multiples facettes de l'œuvre dessinée de Yoshitomo Nara, qu'il a développée pendant quatre décennies, et qui est présentée dans un accrochage organisé par l'artiste lui-même.
Yoshitomo Nara. All My Little Words « The ALBERTINA Museum Vienna
For His First European Institutional Show in a Decade, Art Star Yoshitomo Nara Brings All of His ‘Little Worlds’ to a Major Museum in Vienna (artnet.com)

YAYOI KUSAMA ET LOUIS VUITTON
Dix ans après, la Maison Louis Vuitton retrouve l'artiste japonaise Yayoi Kusama, pour une deuxième collaboration haute en couleur. Une collection à découvrir depuis le début janvier 2023. Yayoi Kusama a ainsi apposé ainsi ses motifs hypnotiques - ses pois signatures - répétés à l'infini sur les icônes même de la Maison, créant des objets magiques transcendant l’espace et le temps. La campagne imaginée pour la collection comprend notamment : une statue géante de l'artiste installée sur la façade de la boutique des Champs-Élysées ou un robot à l’effigie de l’artiste bluffant de réalisme, place Vendôme suivi par, à partir de Mars 2023, une statue géante en face du magasin La Samaritaine à Paris.
Louis Vuitton x Yayoi Kusama | LOUIS VUITTON
Rétrospective 1945-2022
Du 12 Novembre 2022 au 14 Mai 2023, le M+ Museum à Hong Kong présente 'Yayoi Kusama: 1945 to Now', la plus grande rétrospective de l'artiste en Asie, hors du Japon. Avec plus de 200 œuvres, dont des peintures, des dessins, des sculptures, des installations et des documents d'archives, cette exposition passe en revue la carrière de Yayoi Kusama, depuis les premiers dessins qu'elle a réalisés en tant qu'adolescente pendant la Seconde Guerre mondiale jusqu'à ses œuvres immersives les plus récentes. 
Yayoi Kusama: 1945 to Now | M+ (mplus.org.hk)

La Factory International à Manchester devrait présenter une grande exposition “You, Me and the Balloons,” dédiée à Yayoi Kusama, du 29 Juin au 28 Août 2023.

SHIORI EDA est une artiste peintre contemporaine japonaise dont le travail a été très remarqué par les médias japonais. Elle a aussi obtenu un grand succès lors de la foire artistique Asia Now à Paris en 2018. La peinture de Shiori Eda balance entre figuration et réalisme.
Contact : http://www.a2z-art.com/artists/artists/description/artistid/0000000048
https://www.instagram.com/shiorieda/?hl=en
PROFIL DE L'ARTISTE
Shiori Eda est née à Tokyo en 1983. Elle est diplômée du Lycée d’Art de Tokyo (2002). Elle entre à l’Université nationale des Beaux Arts de Tokyo, spécialité “peinture à l’huile” en 2004. Elle a obtenu un Master 2 de l’Université des Beaux Arts de Tokyo, spécialité “peinture à l’huile”(2010). Elle vit et travaille en France.
Shiori Eda peint notamment des femmes face à d’énormes désastres naturels. À partir de réflexions sur la place d'un être humain confronté au monde, Shiori Eda dessine des scènes de réalités miniatures qu'elle reconstruit. Son univers nous plonge dans les profondeurs du ciel et de l'eau. L’artiste peint un monde illusoire plus authentique que la vie réelle. 
Dans son exposition personnelle à l’A2Z Art Gallery à Paris, « Visions nocturnes », fin 2018, Shiori Eda nous embarquait dans une vision inédite d'une peinture imprégnée de la culture japonaise dans laquelle l’artiste interprète la lecture de ses rêves basés sur des faits du quotidien. Shiori Eda nous plonge à l'intérieur de ses compositions, magnifiées par la grandeur des paysages tantôt calmes tantôt en mouvement. Derrière une apparente fragilité, de petites femmes nues tentent d'y trouver leur place.
Dans son exposition à l’A2Z Art Gallery Hong Kong, « A Water World », début 2019, elle présentait de vastes paysages imaginaires qui conceptualisaient la mère nature, entourés de zones océaniques. Des femmes nues à l’intérieur des toiles continuaient le dialogue sur la féminité dans la culture japonaise.
Dans sa troisième exposition à l’A2Z Art Gallery fin 2019, intitulée « Uni-Vers », Shiori Eda continuait de nous plonger dans la peinture de paysage, tout en questionnant la dialectique ancestrale entre l’Un et le Tout, entre l’Homme et la Terre, entre l’Homme et l’Univers.. « L’Homme est un monde en miniature. 
Lors de son exposition "Genèse" à l'A2Z Art Gallery en Septembre 2020, elle dévoilait un polyptyque composé de 6 toiles mesurant 100 cm de largeur sur 150 cm de hauteur. L'artiste plongeait le spectateur dans une relation avec la Nature tantôt physique (une femme liée aux cinq éléments : l’eau, le bois, la terre, le feu et le métal) tantôt spirituelle (une femme nue aux côtés d’un pommier géant rappelant l’Eve originelle du Livre de la Genèse).
Du 8 au 30 Octobre 2021, l'A2Z Art Gallery Paris présentait ainsi « Feu sur l’autre rive ». Rester chez soi et fermer les yeux sur l’extérieur est appelé « le complexe de l’escargot », explique l'artiste. Les œuvres de Shiori Eda nous invitent au contraire à réapprendre à vivre à l’extérieur, à saisir la beauté et la force destructrice de la Nature pour mieux en comprendre les enjeux. La Terre est notre planète perdue dans l’immensité d’un Univers astronomique. Connectons nous à l’Humain et à la Nature pour en ressentir l’équilibre physique et spirituel.
C'est dans une sorte de "gestalt" que Shiori Eda nous dévoilait dans "Gone with the wind", du 6 avril au 6 mai 2023 à l'A2Z Art Gallery, un dialogue métaphysique entre la parole, les mots et les substances.  Cette vie englobante semble être en mouvement comme le vent. 
EXPOSITIONS
Shiori Eda qui est représentée par l’A2Z Art Gallery, a eu déjà plusieurs expositions au sein de la galerie, à Paris et à Hong Kong. Elle était présentée à ASIA NOW 2022 par l' A2Z Art Gallery
A2Z Art Gallery Paris présentait une exposition personnelle de Shiori Eda "Gone with the wind", du 6 avril au 6 mai 2023.
L'artiste participait la West Bund Art & Design Art Fair, à Shanghai, du 11 au 14 Novembre 2021.
BIO/EXPOS

ETSU EGAMI est une jeune artiste émergente japonaise. Elle était dans le classement annuel Forbes 30 Under 30 en 2020. Elle était aussi finaliste du prix d'art asiatique de la Sovereign Art Foundation en 2019 à Hong Kong.
Les prix de ses peintures sur le marché secondaire sont montés en flèche depuis 2021, faisant d'elle l'une des stars asiatiques du marché de l'art à l'ascension la plus rapide. Son record actuel s'élève à 2,9 millions de HK$ (366 921 $) pour un diptyque de 2021 vendu lors de la vente de Holly's International (HK) Auctions en Mai 2022. Cette vente a été suivie par la vente du tableau Rainbow-2022-t-10 lors d'une vente aux enchères de Holly's Hong Kong en novembre 2022. L'œuvre a atteint 1,3 million de HK$ (168 931 $).
https://www.instagram.com/egamietsu_artstudio/?hl=fr
PROFIL DE L’ARTISTE
Etsu Egami est née en 1994 à Chiba, Japon. Elle a obtenu un B.F.A. à la Central Academy of Fine Arts (CAFA), spécialisé dans la peinture à l'huile, en 2016. Puis elle a obtenu un M.F.A. à la CAFA Pékin sous le mentorat de l'artiste chinois Liu Xiao Dong et étudié à la HFG (The Karlsruhe University of Arts and Design) en Allemagne. Etsu Egami vit et travaille actuellement entre Tokyo, Beijing et New York.
Etsu Egami a baigné dans l'art depuis sa plus tendre enfance auprès de son père, un artiste reconnu au Japon. Elle a grandi entre les États-Unis et l'Europe. Elle s''est formée en Chine à Pékin, puis en Allemagne. "La création d'Etsu Egami porte sur le concept et la signification de la "communication". Ses œuvres utilisent diverses formes de médias, telles que la voix, la vidéo et les dessins, au travers desquelles l’artiste cherche à remettre en question les instincts humains et l'authenticité de la communication. Elle s'intéresse particulièrement à repenser la société à travers le langage. En utilisant l’arc-enciel comme langage pictural, elle évoque ce que peut être la “forme de la communication” qu’elle perçoit comme la conscience de la distance que nous avons avec les autres. Elle déclare « Quand je pense à une personne, je pense toujours à sa voix. L'image de cette personne me vient avec sa voix. Alors, le son contient-il l'image ou est-ce que l'image contient le son ? Quand je porte les yeux sur une personne, je me vois dans son regard. Et elle, en revanche, se voit à travers mes yeux ». "L'origine du langage est le son, selon le biologiste japonais Kazuo Okanoya. Au cours de mes quatre années d'enquête, j'ai invité des personnes de différentes régions et divers pays à participer à mon « jeu des malentendus » en leur donnant une « voix ». 
EXPOSITIONS
Etsu Egami a déjà eu de nombreuses expositions personnelles. La première était à Tokyo en 2016 et à Pékin la même année. Parmi ses plus récentes expositions, citons : 2023 « Incessant is the change of water where the stream glides on calmly: the spray appears over a cataract, yet vanishes without a moment's delay », Whitestone Gallery, Singapour ; 2022 « Obesssion and question, new horizon of moden paintings », Woodone Museum of Art, Hatsukaichi , Japon, "Venus's code", A2Z gallery, Paris, France ; 2021-2022 "In a Moment of Misunderstanding, All the Masks Fall", Tang Contemporary Art, Beijing, China ; 2021 "Face book", Chambers Fine Art, New York, USA, “Rainbow”, Karuizawa new museum, Karuizawa, Japon, “Rainbow", Whitestone Gallery, Taipei, "Distanciation sociale", A2Z Art Gallery, Paris, France ; 2020 “Entrance Gallery Vol.1 Egami Etsu”, Chiba ; 2019 “Your Name ? ”, Whitestone gallery Ginza, Tokyo, Japon, City Museum of Art, Chiba, Japon ; 2018 “Dialogue beyond 4000 years”, Chiba art center, Japon, “Dialogue beyond 400 years”, Playground London, Londres, Angleterre.
L’artiste participait à "Art Paris Art fair", 2022, Paris, France et à Asia Now Paris 2021 et 2022.
Elle participait aussi à la Xin Jiang Art Biennale, Urumchi, début 2023.
Les oeuvres d'Etsu Egami font déjà partie de collections d'institutions internationales, notamment le CAFA Art Museum de Pékin, le Garage Museum of Contemporary Art de Moscou et la E-Land Foundation de Séoul.
Etsu Egami CV
https://www.a2z-art.com/usr/library/documents/main/artists/29/egami-etsu-dp-2.pdf
Media Amid a Feverish Market for Her Prismatic Paintings, Japanese Art Dynamo Etsu Egami Is Keeping a Cool Head | Artnet News

TETSUYA ISHIDA est un artiste peintre surréaliste japonais. Il est mort prématurément en 2005, à l'âge de 31 ans.
Avec des ventes cumulées de 1.037.213 $, il se situait au 169ème rang du classement Artprice 2017-2018 (produits des ventes) du marché de l'art dans le monde. Il était classé 158ème dans le classement Artprice 2020/2021 avec des ventes cumées de 1.731.921$.
Une peinture de l’artiste "Earthquake / Terremoto” s’est vendue en Avril 2014 chez Christie’s pour près de 350 000 $, soit 10 fois le prix estimé, preuve de sa popularité constante. Son oeuvre 'Prisoner' avait été vendue au 'United Asian Auctioneer Evening Sale' en 2012 pour près de 820 000 $. Une oeuvre de l'artiste "Untitled" a été vendue chez Christie's Hong Kong, le 24 Mai 2021, pour 772,753$.
https://www.tetsuyaishida.jp/71843/
PROFIL DE L'ARTISTE
Tetsuya Ishida est né à Yaizu, Shizuoka, Japon, en 1973. Il a étudié le  design et l'illustration à la Musashino Art University of Shizuoka Prefecture.  Il est mort dans un accident de train, en 2005, à l'âge de 31 ans. 
Tetsuya Ishida explore le coté noir de la vie moderne, la déshumanisation d’une société au profit de la mécanisation. Il peint des personnages humanoides dans des environnements surréalistes, réfléchissant sur l’incertitude et le mal être. Il est parti d’un portrait de lui-même qui utilisait l’humour absurde pour parler de ses émotions. « J’ai essayé de faire de moi-même, de ma faiblesse, de mon triste état, de mon anxiété, une plaisanterie ou quelque chose de drôle dont on peut se moquer », déclarait l’artiste. Dans « Waiting for a Chance » (1999) par exemple, Ishida peint une chambre d’hôpital dans laquelle les personnages présentent des visages mélancoliques et inquiets. Les patients sont assis ou couchés sur des voitures abandonnées à la place de lits : une façon de relier cette atmosphère pleine d’émotion aux questions concernant l’incertitude du futur, tant industriel qu’économique et social, du Japon. Ses personnages profondément malheureux sont souvent enchevêtrés dans des constructions ou des machines, ils sont représentatifs de sa vision du Japon comme une société sans âme, mécanisée. L’exposition rétrospective que lui a consacré le Museo Reina Sofia à Madrid en 2019, intitulée « Self-Portrait of Other” regroupait 70 œuvres réalisées par Tetsuya Ishida entre 1996 et 2004. Celles-ci montraient l'incertitude et la désolation d'une société japonaise radicalement modifiée par les progrès technologiques et les crises qui ont affecté les économies et la politique dans le monde. "L’artiste a beaucoup travaillé sur l'incommunication et l'aliénation dans un monde dominé par des forces incontrôlables". "Nous l'avons découvert à la Biennale de Venise 2015, déclarait Manuel Borja-Villel, directeur du Museo Reina Sofía […] C’est un artiste qui reflète la dystopie de la société dans laquelle nous vivons avec une précision qui ressemble presque à celle d’un chirurgien". Tetsuya Ishida a capté la fragilité de toute une génération bien qu'on ne lui ait prêté attention qu'en 2005, après son décès.
EXPOSITIONS
Tetsuya Ishida a commencé à exposer au Japon en 1999 ; après son décès en 2005, les expositions personnelles de l'artiste se sont succédées au Japon.
la galerie Gagosian NY présentait du 25 au 31 Mai 2022, une oeuvre de Tetsuya Ishida réalisée en 2004 - l'année de son décès - caractéristique de l'œuvre de l'artiste dans sa critique des dangers sociétaux provoqués par l'accélération du développement technologique.
BIO/EXPOS

TAKAHIRO KONDO est un céramiste contemporain japonais renommé, né dans une famille de céramistes célèbres pour leur porcelaine sometsuke (bleu cobalt et porcelaine blanche)    
Contact : http://www.kondo-kyoto.com/
PROFIL DE L'ARTISTE
Takahiro Kondo est né en 1958 à Kyoto, Japon. Il est diplômé du Kyoto Prefectural Ceramics Technical Institute (1985) et du Kyoto Municipal Institute of Industrial Research (1986). Il a aussi obtenu un Master of Design and Applied Arts awarded, au Edinburgh College of Art (2002) et un Master degree of Design and Applied Course, Edinburgh College of Art (Inglis Allen Masters of Design Award) (2003). En 1994 il a reçu le prix du Kyoto City Emerging Artist Award. Takahiro Kondo vit et travaille à Kyoto.
Takahiro Kondo tire son inspiration du monde de la nature, l’eau étant un thème central. L’artiste a commencé à créer des céramiques quand il avait vingt ans. Quand il a atteint l'âge de 50 ans, Takahiro Kondo a alors décidé de faire le point sur son travail et son histoire. S’en est suivie la création d’un groupe de travail dans le cadre duquel il a moulé sa propre tête en porcelaine et revisité les principales glaçures, dessins, motifs qu'il avait utilisés au cours de ses 25 années de travail avec l'argile. C’est une Serie très personnelle, qu’il voit comme à la fois des masques de mort et de vie, mais aussi un ensemble d’œuvres qui exprime ses préoccupations concernant la relation (en détérioration) entre les hommes et la nature et l’instabilité du système économique actuel qui a conduit à des excès et à des distorsions dus à une utilisation abusive des ressources et à des déséquilibres dans la répartition de la richesse.
Ce groupe de travail a pris fin en 2010 puis il a exposé au Japon, à New York et à Londres. Peu de temps après, la région de Tohoku au Japon a été touchée par un tremblement de terre de magnitude 9 qui a ravivé la peur de la menace nucléaire. Takahiro Kondo a alors éprouvé le besoin de répondre par son art à la catastrophe. C’est ainsi qu’à partir de 2014 il a créé une Series de sculptures sur porcelaine à partir d’un moulage fait sur son corps, « the Reduction Series ». Ses personnages adoptent une posture yogique, ce qui fait penser à un retour aux sources de l’artiste, vers le bouddhisme, la méditation, le don de soi. La glaçure gintekisai est caractéristique de Takahiro Kondo et illustre son intérêt pour l’eau sous toutes ses formes. Elle est faite d'un mélange d'argent, d'or et de platinium qui forment de subtiles coulées de gouttelettes sur la sculpture.
Une sculpture en céramique de Takahiro Kondo était exposée au Musée Guimet dans le cadre de l’exposition « Bouddha, la légende dorée », du 19 Juin au 4 Novembre 2019. La sculpture, réalisée à partir d’un moule sur le corps de l’artiste, est couverte de glaçures, chères à l’artiste. Le Musée Guimet a Paris a fait l'acquisition de cette oeuvre intitulée « Reduction ». Dans cette sculpture, Takahiro Kondo répond à la tragédie de Fukushima de 2011, par un moulage à échelle réduite de son corps, adoptant une position yogique, celle du padsama, où il retient son souffle.
Takahiro Kondo présentait « Making Waves », à la Joan B Mirviss gallery à New York, du 16 Mars au 22 Avril 2022. Il s'agit de trente nouvelles sculptures dans des tourbillons tourbillonnants de porcelaine marbrée noire, grise et blanche qui scintillent de « brume d’argent ». S’écartant de ses œuvres antérieures, l'artiste a incorporé ici une argile plus blanche dans sa technique de marbre (nerikomi).
EXPOSITIONS
Takahiro Kondo expose partout dans le monde. Citons ses dernières expositions personnelles : 2022 "Making Waves", Joan B Mirviss gallery, New York ; 2019 "Mizuniwa et Utsuwa, Jardin aquatique et ciel", Gallery Satsu, Tokyo
Takahiro Kondo Expositions
Takahiro Kondo participait à l'exposition collective "The Spirit of Japanese Ceramics" au Mashiko Museum of Ceramic Art, au Japon, du 19 Janvier au 29 Mars 2020.

YAYOI KUSAMA est une plasticienne japonaise, une artiste contemporaine pluridisciplinaire peintre, sculptrice, écrivaine, performeuse. Elle est connue dans le monde entier pour ses impressionnantes installations immersives. Yayoi Kusama a vendu chez Phillips Auction Hong Kong le 3 Décembre 2020, une oeuvre intitulée "Fruits" pour 12,350,000 HK$. Elle a vendu chez Phillips Honkong le 30 Mars 2023 une oeuvre Pumpkin (1995) pour 7,148,272 USD .
http://yayoi-kusama.jp/e/information/index.html
ACTUALITE
Lancement de la collection de mode Yayoi Kusama et Louis Vuitton à Paris à partir de Janvier 2023
Grande rétrospective de Yayoi Kusama au M+ Museum à Hong Kong, du 12 Novembre 2022 au 14 Mai 2023
PROFIL DE L'ARTISTE
Yayoi Kusama est née à Matsumoto (préfecture de Nagano) au Japon, en 1929. Elle a suivi les cours de l’école municipale d’arts appliqués de Tokyo ; elle s'est formée à la peinture traditionnelle et moderne dont la peinture Nihonga. En 1957 - soutenue par l’artiste peintre américaine Georgia O’Keeffe à qui elle avait un jour naïvement écrit une lettre, - elle part s’installer à Seattle puis à New York en 1958 où elle étudie à l'Arts Students League. Yayoi Kusama vit depuis 1977 dans un hôpital psychiatrique Elle dispose d’un atelier en face de l’hôpital où elle travaille tous les jours avec ses assistants.
Yayoi Kusama est sujette à des hallucinations depuis l’âge de 10 ans. L’artiste déclare «Ma vie est un pois perdu parmi des milliers d’autres pois». L'origine de Ces pois remonte à un repas de famille où elle a connu sa première hallucination, qui démultiplia dans toute la pièce les motifs rouges de la nappe. Elle a ainsi commencé à dessiner pour éviter d’être engloutie dans son univers fait de tâches et de pois. Puis elle a utilisé sa maladie mentale dans son processus de création. "Elle dit pratiquer un art psychosomatique et peint à longueur de journées pour soigner ses névroses". Yayoi Kusama s’interroge aussi sur la place du « Moi », craint la disparition de l’individualité, ne veut pas que l’être humain ne soit qu’un pois parmi d’autres pois.
En 1959, elle réalise sa Serie Infinity Net, faite d'un réseau de lignes et de pois,exposée à la Brata Gallery à New York. La notion d'infini est un fil conducteur dans toute l’œuvre de Yayoi Kusama. Les miroirs démultiplient l’espace, colonisés par les pois et annihilent les frontières entre l’homme et son environnement.
L’artiste a marqué les années 1960 avec ses performances liées à la nudité et à la liberté de jouir de son corps. Yayoi Kusama crée des environnements remplis de formes phalliques confectionnées à l’aide de ses draps ou de vieilles chaussettes. En 1966 à New York, elle réalise son premier happening, 14th Street Happening, en bas de son loft. L’artiste est allongée au beau milieu du trottoir sur un matelas recouvert de formes phalliques protubérantes, elles-mêmes couvertes de pois. Yayoi Kusama se met rarement en scène, elle utilise plutôt le corps d’autrui et s’appuie notamment sur le but, un art chorégraphique japonais. « L’artiste a souvent rappelé dans des interviews qu’elle avait une hantise des relations sexuelles (et par extension, du machisme et de la position de l’homme dans la société) ». La peinture est une forme de catharsis pour Yayoi Kusama. Si les pois ou les phallus l’effraient, elle les reproduit par milliers pour se débarrasser en quelque sorte de ce sentiment d’effroi (suite)
EXPOSITIONS
L’œuvre de Yayoi Kusama a fait l’objet d’importantes rétrospectives à travers le monde. 
Son musée, le Yayoi Kusama Museum a réouvert à Tokyo avec une exposition intitulée (deep breath) « The Vision of Fantasy That We Have Never Seen Is This Splendor » (30 Juillet 2020-21 Mars 2021).
L’artiste a eu de nombreuses expositions personnelles au cours de ces 30 dernières années.
http://yayoi-kusama.jp/e/exhibitions/00.html
Le Tel Aviv Museum of Art présentait une grande rétrospective du travail de Yayoi Kusama, du 15 Novembre 2021 au 23 Avril 2022. https://tamuseum.org.il/en/exhibition/yayoi-kusama-a-retrospective/
De Avril à Août 2021, Yayoi Kusama faisait l'objet d'une grande rétrospective au Gropius Bau, à Berlin. 
https://kusama-digital-guide.gropiusbau.de/en/
La Tate Gallery présente deux des Infinity Mirror Rooms, ces installations immersives de Yayoi Kusama, du 18 Mai 2021 au 12 Juin 2022 (prolongées jusqu'à Juin 2023). 
BIO/EXPOS

TAKASHI MURAKAMI, peintre et sculpteur, est aujourd’hui un des artistes japonais les plus cotés, représentant de la nouvelle culture japonaise. Avec des ventes cumulées de 23 millions $, Takashi Murakami se situait au 16ème rang du classement Artprice 2019 (produits des ventes) du marché de l'art dans le monde (594 lots vendus). Il était 21ème du classement Artprice 2020/2021 des 500 premiers artistes contemporains dans le monde avec un chiffre d'affaires de 21,6 millions $ (1591 lots vendus). Il se classait à la 15ème place du Top 1000 des artistes contemporains vendus aux enchères du Artprice Report - de 2000 à 2019 -. Son œuvre ‘My lonesome cowboy’ s’est vendue chez Sotheby’s plus de 15 millions de dollars en Mai 2008. En 2012, "The Castle of Tin Tin" (1998) était vendu pour 4,4 millions $ chez Sotheby's New York. Takashi Murakami’s diptych The World of Sphere (2003) a été vendu pour 2 millions $ chez Sotheby’s Hong Kong à l'automne 2013. Miss Ko2 Original (Project Ko2) (1997) était vendue pour 2,5 millions $ le 14 Novembre 2019 chez Sotheby's New York lors de leur Contemporary Art Evening Auction.
https://www.instagram.com/takashipom/?hl=en
https://gagosian.com/artists/takashi-murakami/
PROFIL DE L'ARTISTE
Takashi Murakami est né le 1er février 1962 à Tokyo. Il est diplômé de l'Université des Beaux Arts de Tokyo (département peinture) (1988) où il a choisi non pas les bandes dessinées mais la peinture traditionnelle nihonga, jusqu’à son doctorat, en 1993. Il vit et travaille entre Tokyo et New York. 
C’est son ami musicien, Masato Nakamura, qui amènera Takashi Murakami vers l’art contemporain et le courant pop. Après un séjour d’un an à New York, il crée en 1995 son propre studio de production Hiropon Factory qui deviendra une « compagnie de production d'oeuvres d'art » nommée Kaikai Kiki Co. Il est considéré comme le chef de file du mouvement « Superflat », influencé par les films d’animation japonais, les mangas et par la pop-culture japonaise.
Takashi Murakami semble aujourd'hui plus inspiré par la philosophie bouddhiste que par les mangas même si ceux-ci restent des repères importants dans sa vie.
EXPOSITIONS
Takashi Murakami multiplie les expositions à travers le monde et dans de prestigieuses galeries.
Le Busan Museum of Art présentait TAKASHI MURAKAMI : MurakamiZombie, une exposition du célèbre artiste japonais, du 2 janvier au 12 mars 2023.
La galerie Perrotin présentait la première exposition de Takashi Murakami à Dubaï, du 25 Novembre 2022 au 23 Janvier 2023.
Gagosian présentait "An Arrow though History" de Takashi Murakami dans deux de ses galeries new yorkaises du 11 Mai au 25 Juin 2022
BIO/OEUVRE/EXPOSITIONS
Takashi Murakami Expositions Biographie

KIYOSHI NAKAGAMI est un artiste japonais contemporain qui peint magnifiquement la lumière.
https://en.knakagami.com/?fbclid=IwAR32FAGXkR_u052W0KiEFrgS6mzonhWM9cB-nsDL0RaQutUHhifiagd6Nfg
https://www.facebook.com/Kiyoshi-Nakagami-%E4%B8%AD%E4%B8%8A%E6%B8%85-190203961321461/
PROFIL DE L'ARTISTE
Kiyoshi Nakagami est né à Shizuoka, Japon, en 1949. Il a commencé à dessiner à l'âge de 17 ans. En 1971, il part étudier l'art au B Seminar à Yokohama city d'où il sortira diplômé. Il vit et travaille à Yokohama city. Il est représenté par la galerie Richard (Paris, New York) depuis 2003. 
“As a painter, there is nothing more difficult to represent than light. The ones who can do that are the greatest painters, greatest artists.” déclare Kiyoshi Nakagami.
L’artiste pose sa peinture acrylique sur la toile, en la déplaçant ici et là, et en laissant la gravité déplacer le pigment qu'il a «enrichi» de mica d'or. Ses oeuvres sont ainsi faites d'ondulations et évoquent des cascades de lumière sans aucune trace ou utilisation de pinceau. La lumière se propage à travers une série de nuances absolument somptueuses, elle traverse une matière vaporeuse indéfinie. «Sa capacité à reproduire magnifiquement la diffusion de la lumière dans un tableau est sans égal ». Les peintures de Kiyoshi Nagakami renvoie le public vers un espace de méditation. 
«Nakagami ne reproduit pas la lumière du monde naturel. La lumière de ses peintures existe seulement en peinture. La conscience du temps par l’artiste au moment précis où la lumière se manifeste, est étroitement liée à la rencontre surprise de quelque chose d’éphémère et de sublime ». Kiyoshi Nakagami est un peintre solitaire respecté au Japon.
EXPOSITIONS
Kiyoshi Nakagami a eu de nombreuses expositions personnelles à travers le monde depuis 1971. Citons les plus récentes : 2020 « Light in Painting », Richard, New York, NY ; 2019 « Kiyoshi Nakagami », Richard, Art Paris, Paris, France, “La Beauté Sublime”, Richard, Paris, France, “Theophany”, hino gallery, Tokyo, Japon ; 2018-2019 Theophany, Galerie Richard, New York ; 2018   Imaginary Places, Galerie Richard, Paris, Light from Afar, Lew Allen Galleries, Santa Fe ; 2016/17 Miles McEnery Gallery, New York, hino Gallery, Tokyo ; 2015  Galleria Finarte, Nagoya, Art-Taguchi, Gifu, Epiphany II, Galerie Richard, New York ; 2014 Recent Paintings, Galerie Richard, Paris, Square Paintings, Galerie Richard, New York, Museum Haus Kasuya, Yokohama, hino Gallery, Tokyo.
L’artiste participe aussi à des expositions collectives : 2022 Palm Beach Art Fair, Miami ; 2021-2021 Galerie Richard, Paris ; 2020 Art Paris ; 2019 Art Paris, Galerie Richard ; 2016 The Advent of RINPA - Touring the “RINPA CODE” of the Pre-Modern / Modern / Contemporary, Kyoto Municipal Museum of Art, Kyoto ; 2015  Modern: Blossoming Garden- Oita World Museum, Oita Prefectural Art Museum, Oita , Dawn of Gods - Encounter of Venus, and Spiritual Landscape, East and West, Oita Prefectural ,Art Museum, Oita ; 2014 Art Paris, Galerie Richard, Paris.
L’artiste fait aussi partie des collections publiques de musées japonais dont le National Museum of Modern Art à Tokyo.

YOSHITOMO NARA est un des artistes leaders du Neo Pop Movement au Japon. Il est surtout connu pour ses représentations d'enfants et d'animaux à la fois charmants et diaboliques. Il pratique la peinture, le dessin et la sculpture. Avec des revenus cumulés de 85,9 millions Us$, il se situait au 9ème rang du Top 10 des artistes du classement Artprice 2021 (Produits des ventes). Il était N°3 du classement Artprice des 500 premiers artistes contemporains dans le monde en 2020/2021 avec un chiffre d'affaires de 146.886.988$ (569 lots vendus). Il était à la 9ème place du Top 1000 des artistes contemporains vendus aux enchères du Artprice Report - de 2000 à 2019 - avec un chiffre d'affaires de 327,8 millions $.
Yoshitomo Nara a vendu une peinture « Witching » (1999) pour 740.000 Us$ lors de la vente en ligne de Sotheby’s en Mai 2020. Il a vendu son oeuvre Hothouse Doll » (1995) 13.3 millions $ (HKD 103 million) chez Phillips Hong Kong le 3 Décembre 2020. Il a été parmi les plus performants de la vente Sotheby’s Evening Sales of Modern and Contemporary Art, à Hong Kong, les 18 et 19 Avril 2021. Son oeuvre Nara’s Frog Girl (1988) s’est vendue 82 millions HKD (12,4 millions $ avec la prime de l’acheteur), ce qui en fait la troisième œuvre la plus chère de l’artiste jamais vendue aux enchères. Son oeuvre "Missing in Action" s'est vendue chez Phillips HK le 7 Juin 2021 : 15,8 m$.
Contact : https://www.facebook.com/michinara3/
https://www.pacegallery.com/artists/yoshitomo-nara/
ACTUALITE
Exposition Dog-o-rama, Lonely Moon/Voyage of the Moon et plusieurs dessins de Yoshitomo Nara, exposés pour la première fois depuis leur acquisition par le 21st Century Museum of Contemporary Art, de Kanazawa au Japon, du 29 Avril au 19 Septembre 2023
Yoshitomo Nara présente "All My Little Words" à l'Albertina Modern Museum à Vienne, du 10 Mai au 1er Novembre 2023.
PROFIL DE L'ARTISTE
Yoshitomo Nara est né à Hirosaki, Aomori, Japon, en 1959. Il a fait ses études à l’Aichi Prefectural University of Fine Arts and Music, où il a obtenu son BFA et son MFA (1987). En 1988, il part pour l’Allemagne et suit les cours à la Kunstakademie de Düsseldorf (1993). En 1998 il a enseigné à l’University of California, Los Angeles comme professeur invité. En 2000, il est revenu au Japon. Actuellement il vit et travaille à Tokyo.
Yoshitomo Nara est influencé par des éléments de la culture populaire tels que l'Anime, le manga, les dessins animés de Walt Disney et le punk rock. Son œuvre est issue du mouvement néo-pop japonais. L’artiste explore les thèmes de la rébellion, l'isolement et la spiritualité. Ses sculptures, fabriquées principalement en fibre de verre, et ses dessins sur cartes postales, enveloppes ou bouts de papier, poursuivent cette exploration avec la même élégance de ligne et de couleurs que dans ses peintures. Yoshitomo Nara est un contemporain de Takashi Murakami dans le mouvement néo-pop du Japon mais il estime réductrices les associations entre son travail et celui d'autres artistes reconnus de la culture visuelle japonaise tels que le mouvement ‘’Superflat’ des années 1990, ainsi que les bandes dessinées et les romans graphiques de Manga et sa forme vidéo, Anime. L’artiste insiste sur les origines très personnelles de ses personnages qui font revivre une nostalgie de la fantaisie et l’émotion qu’il a retirées de ses livres de fiction lorsqu’il était enfant. Son œuvre « Wish World Peace » pourrait être considérée comme une parfaite illustration de la pratique artistique de Yoshitomo Nara. C'est grâce à ce sujet emblématique de la petite fille que l’artiste a captivé l'imagination et s’est fait respecter par les musées et collectionneurs du monde entier. Au début des années 2000, l'artiste a adouci les tempéraments de ses personnages. S’expliquant sur son travail artistique début 2018, Yoshitomo Nara déclarait : « Les dessins m'ont toujours aidé en tant qu'artiste quand mon processus de peinture n'allait pas bien, mais depuis que j'ai utilisé l'argile pour la première fois il y a environ 10 ans, c'est devenu quelque chose qui lie fortement la peinture et dessin à mon sens […] Je pense que c'est parce qu'elle diffère des autres médiums de sculpture qui peuvent être contrôlés, mais ma rencontre avec la création de céramique a été l'une des plus importantes de ma vie artistique ». L'artiste poursuivait : « récemment j'ai réalisé que l'argile est plus libre que le crayon ».
Du 9 Mai jusqu'au 28 Octobre 2022, une sculpture iconique Yoshitomo Nara, "Peace Head" (2021) était installée au Hanover Square, au centre de Londres, en face de la Pace gallery. C'était la première présentation d'une sculpture publique de Yoshitomo Nara au Royaume-Uni
EXPOSITIONS
Yoshitomo Nara a eu de nombreuses expositions personnelles depuis 2007. Citons les plus récentes : Le musée Yuz de Shanghai présentait une grande exposition de Yoshitomo Nara du 5 mars au 4 septembre 2022. C'était non seulement la première exposition personnelle de l'artiste en Chine continentale mais aussi sa première rétrospective internationale ; 2021 Yoshitomo Nara au Kaohsiung Museum of Fine Arts, Taiwan ; 2020 "After all I'm cosmic dust", Pace Gallery, NY, East Hamptons ; 2019 Taiwan Ceramics Biennale 
BIO/EXPOS
Yoshitomo Nara Expositions personnelles
https://www.pacegallery.com/artists/yoshitomo-nara/
https://www.pacegallery.com/artists/yoshitomo-nara/
Le 24 Juillet 2020, le New York Times publiait un article consacré à l'artiste, intitulé " Yoshitomo Nara paints what he hears":
https://www.nytimes.com/2020/07/24/t-magazine/yoshitomo-nara.html
Une première monographie substantielle de Yoshitomo Nara, écrite par le chercheur Yeewan Koon a été publiée en Septembre 2020 (Phaidon Press, 2020).

SHINJI OHMAKI est un artiste contemporain japonais, un sculpteur de lumière.
Contact : http://www.shinjiohmaki.net/profile/index_en.html
ACTUALITE
Shinji OHMAKI participe à “Space Symphony” au Paradise City Paradise Art Space en Corée du Sud, du 25 Octobre 2022 au 26 Mars 2023
PROFIL DE L'ARTISTE
Shinji Ohmaki est né à Gifu, au Japon, en 1971. Il a obtenu son Bachelor of Arts (BA) in Sculpture à la Tokyo University of the Arts (1995) puis un Master en 1997. Il est devenu professeur dans cette même université en 2009, et il est actuellement professeur associé au Département de sculpture du Tokyo National University of Fine Arts and Music.
Shinji Ohmaki est né dans une famille de fabricant de tissus traditionnels japonais. Il a connu les effets de la globalisation et le déclin des usines traditionnelles. Tous ces bouleversements l’ont ainsi amené à choisir comme thème de travail l’équilibre fragile entre l'existence et l'extinction. L'existence a toujours été le sujet principal de Shinji Ohmaki.
Les espaces d'art conceptuel de Shinji Ohmaki sont des expériences immersives qui brouillent les frontières entre le temps, l'espace et l'histoire. Son intérêt pour la philosophie asiatique l’amène à former une beauté subtile de couleurs et de matériaux. L’artiste travaille sur différents supports, de la toile aux installations 3D, combinant souvent lumières et mouvement de l’air dans un espace donné. L'artiste cherche constamment la frontière entre ce qui est substantiel et spirituel, le soi et les autres. 
Shinji Ohmaki construit non seulement ses installations à l'intérieur d'espaces d'exposition traditionnels, mais aussi en tant que sculptures permanentes en plein air et même en collaboration avec le monde de la mode. En 2016, Shinji Ohmaki avait par exemple installé ses Liminal series dans 3 musées au Japon, à Singapour et dans la vitrine d’Hermès à Paris. Il avait aussi réalisé une installation pour la présentation d’une collection homme chez Louis Vuitton à Paris.
L'artiste expérimente de nouveaux mediums à chaque nouveau projet . «Je recherche des matériaux qui changent constamment, comme la texture physique ou les phénomènes provoqués par la lumière. Je suis également intéressé par l'utilisation des techniques artisanales traditionnelles japonaises et je fais de constantes recherches pour les combiner avec de nouveaux concepts", déclarait-il.
EXPOSITIONS
Après avoir été sélectionné pour exposer son oeuvre "Opened Eyes Closed Eyes" dans le cadre de l’exposition Tokyo Metropolitan Government’s public exhibition Tokyo Wonder Wall 2000, Shinji Ohmaki a multiplié les expositions.
Citons ici ses expositions personnelles récentes : 2020 ‘Rustle of Existence », Kuandu Museum of Fine Arts, Taipei ; Memorial Reberth, Senju, Toneri Park 
BIO/EXPOS.

HIROSHI SENJU, né en 1958, the "waterfall artist », est un peintre contemporain japonais, connu dans le monde pour ses sublimes images de cascades et de falaises, à échelle souvent monumentale. Il combine un langage visuel minimaliste avec des techniques de peinture ancienne japonaise : il est largement reconnu comme étant un des maîtres actuels du style de peinture ‘nihonga’.
Avec des ventes cumulées de 594,4 million $ (48 lots), il se situait au 259ème rang du classement Artprice (produits de ventes) du marché de l'art dans le monde en 2018/2019. Il se classait au 410ème rang du classement Artprice 2020/2021 des 500 premiers artistes contemporains dans le monde avec des ventes de 441.786$ (32 lots)
Contact : http://www.hiroshisenju.com/
http://www.senju-museum.jp/en/
PROFIL DE L'ARTISTE
Hiroshi Senju est né à Tokyo en 1958. Il est diplômé de la Tokyo National University of Fine Arts and Music où il a obtenu son BFA (1982) et son MFA (1984). En 1987 il a terminé un PhD program in Fine Arts à la Tokyo National University of Fine Arts and Music. De 2007 à 2013 il a été président de la Kyoto University of Art & Design. Il est actuellement professeur à la Kyoto University of Art & Design et président du système d’éducation conjoint de la Kyoto University of Art & Design et de la Tohoku University oArt & Design. Il vit et travaille à New York.
Hiroshi Senju a mis tout son talent et son énergie à promouvoir les peintures traditionnelles et les techniques japonaises partout dans le monde. Il utilise notamment des pigments faits de minéraux, de débris de pierre, de coquillages et de coraux, liés par des colles de peaux d’animaux (technique nihonga) mais aussi l'acrylique. Ses œuvres montrent surtout des espaces naturels comme des cascades ou des tombées de nuit tout en tendant vers l’abstraction dans sa forme de peinture. Sa série « Nightfall » par exemple est caractéristique par sa peinture acrylique fluorescente qui contraste sur des fonds sombres.
Hiroshi Senju réalise aussi de nombreuses peintures murales, parmi celles-ci les 77 peintures de Jukoin, un sous temple de Daitokuji, un temple bouddhiste zen au Japon ou encore la grande cascade à l’Haneda Airport International Passenger Terminal à Tokyo ou encore les deux installations sur le Benesse Art Site de la Naoshima Island au Japon. Hiroshi Senju expose une centaine de ses œuvres dans son musée, le Hiroshi Senju Museum, ouvert en 2011.
EXPOSITIONS
Parmi les expositions personnelles récentes de Hiroshi Senju, citons : 2021 « Hiroshi Senju: Beginnings », Waterfall Paintings Series, Sundaram Tagore Gallery, Singapour 
Hiroshi Senju exposait à l'Art Institute of Chicago "Senju's Waterfall for Chicago", du 13 Novembre 2021 au 26 Juin 2022
BIO/EXPOS
Hiroshi Senju Expositions récentes

CHIHARU SHIOTA est une artiste d’origine japonaise vivant à Berlin. L’artiste réalise des installations spectaculaires, souvent monumentales, généralement faites de fils tissés, de couleur rouge ou noir, des dessins et des vidéos. La signature de Chiharu Shiota est l’accumulation de mémoire dans les objets.
Avec des ventes cumulées de 190.294$, Chiharu Shiota se classait au 206ème rang du classement Artprice 2020/2021 des 500 premiers artistes contemporains dans le monde (28 lots vendus).
Chiharu Shiota a vendu le 3 Décembre 2020 une oeuvre "Spiral", pour 97,538.95 $ chez Phillips HK. Toujours chez Phillips Hong Kong, elle a vendu le 17 Septembre 2021, une oeuvre intitulée "State of Being" Books, 2017, pour 121,419$.
Contact : https://www.chiharu-shiota.com/
https://www.facebook.com/ChiharuShiotaArtist
PROFIL DE L'ARTISTE
Chiharu Shiota est née à Osaka, au Japon, en 1956. Elle commence ses études à l’université Seika de Kyoto en 1992 puis à la Canberra Shool of Art en Australie. En 1996, elle part pour l’Allemagne et s’inscrit à l’Université d’Art Braunschweig de Hambourg dans l’atelier de Marina Abramovic. En 1999, elle s’installe à Berlin où elle suit jusqu’en 2003 les cours de l’université des Arts. Elle y aura notamment pour professeur Rebecca Horn, personnalité marquante de l’art du corps. Elle vit et travaille à Berlin.
Chiharu Shiota créé des entrelacs de fils, son matériau privilégié : ils sont monochromes, rouge, noir ou blanc, toujours tissés en réseau, elle y accroche des objets (des clefs ou des valises), enveloppe des barques ou des lits, les enferme dans des parallélépipèdes rectangles (sextant, robe, chaise). Pour Chiharu Shiota, les fils représentent la mémoire ou des liens physiques. « Le noir sert à traduire le vide, l’oubli et l’univers infini, le hors de soi. Le rouge renvoie à la mémoire, puis à cette vue organique de l’intérieur du corps. Les clés figurent des vestiges mémoriels, car ils ouvrent ou scellent le temps de la mémoire. Les valises font penser à un voyage, au sens figuré comme au sens propre. Pianos abandonnés, chaises esseulées, ces objets témoignent d’une part de l’absence ». C'est difficile de s’orienter dans ce nouveau monde, explique Chiharu Shiota autour de son exposition « Navigating the Unknown » au Koenig London jusqu’au 19 Décembre 2020. Où est la surface dans cet océan d’information. Les bateaux flottent dans l’espace, comme un bateau flotte sur l’eau. Chaque ligne est comme une émotion. Utiliser les fils, les lignes, et les cordes, c’est quelque chose qui me permet d’explorer la respiration et l’espace comme une ligne dans une peinture. La forme architecturale du bateau laisse seulement les passagers aller de l’avant. Nous voyageons sur l’océan sans un sens de direction. (lire la suite)
Le Musée Guimet, Paris, donnait carte blanche à Chiharu Shiota du 16 Mars au 6 Juin 2022
En réponse au thème de la Biennale de Bangkok 2022, Chiaharu Shiota a créé une installation massive "Eye of the Storm", composée de filets de fils rouges suspendus avec des milliers de feuilles de papier blanc tourbillonnant comme un typhon à l'intérieur.
EXPOSITIONS
Chiharu Shiota a eu de très nombreuses expositions personnelles où elle a pu présenter ses installations au cours de ces dernières années. Citons les plus récentes : 2023, "The Soul Trembles" MACAN Museum, Musée d’Art Moderne et Contemporain, Djakarta, Indonésie ; 2022 "The Soul Trembles", Long Museum West Bund, Shanghai ; 2021, « The Soul Trembles », Taipei Fine Arts Museum, Taiwan, "Linhas da Vida" (Lifelines), (Rétrospective Chiharu Shiota), Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro ;  "I Hope", galerie Koenig à Berlin ; 2020 "Between us" Gana Art Center, Gana Art Nineone, Séoul, "Inner Universe", Galerie Templon, Paris ; 2019-2020 "Counting Memories", Muzeum m Śląskie, Katowice, Pologne ; 2019-2020, "Lifelines", Centro Cultural Banco do Brasil, São Paulo.
Exposition commune Chiharu Shiota et Do Ho Suh à Shanghai, intitulée “Lightness and Being", au musée d'art chi K11, du 14 Août au 17 Octobre 2021 
Chiharu Shiota participe à la Bangkok Biennale 2022/23.
BIO/EXPOS
https://www.chiharu-shiota.com/solo-exhibitions
https://www.chiharu-shiota.com/group-exhibitions

HIROSHI SUGIMOTO, est un artiste japonais majeur, un photographe internationalement reconnu. Avec des ventes cumulées de 4,3 millions $, il se situait au 58ème rang du classement Artprice (Produit des ventes) du marché de l’art dans le monde en 2019. Il se situait au 115ème rang du classement Artprice 2020/2021 avec des ventes cumulées de près de 3 millions $.
Contact :  http://www.sugimotohiroshi.com/
PROFIL DE L'ARTISTE
Hiroshi Sugimoto est né en 1948 à Tokyo. Il est diplômé de l’université Saint Paul de Tokyo (1970) puis du Art Center College of Design, de Los Angeles (1974). Il s’est installé à New York en 1974. Il vit et travaille entre New York et Tokyo.
Hiroshi Sugimoto a commencé ses travaux en 1976 avec sa Série « Dioramas », pour laquelle il a photographié des présentoirs dans des musées d’histoire naturelle. Ceux-ci mettaient en scène des animaux sauvages empaillés dans des décors en trompe l’œil. Pour sa Series Theaters en 1978, il a photographié de vieux cinémas et des drive-in américains. La photographie permet de préserver et de fixer la mémoire et le temps. «J’imagine ma vision puis j’essaie de la faire arriver, juste comme pour la peinture», expliquait l’artiste. Hiroshi Sugimoto est connu aussi pour sa Series « Seascapes », des paysages marins qu'il a photographiés avec une identique proportion de mer et de ciel. Avec sa Series « Portraits », commencée en 1999, il substituait la photographie à la peinture. Au début des années 2000, il s'est lancé dans une autre série consacrée à l'architecture 'The Architecture Series', photographiant des bâtiments architecturaux du 20ème siècle partout dans le monde.
Hiroshi Sugimoto travaille actuellement à la rénovation du Hirshhorn Museum’s Sculpture Garden à Washington, D.C., ainsi qu'à l'extension et la construction de l'Odawara Art Foundation au Japon.
EXPOSITIONS
Hiroshi Sugimoto expose partout dans le monde. Citons parmi ses récentes expositions personnelles : 2020 Past Vitam. Kyoto City KYOCERA Museum of Art, Kyoto, Opticks. Fraenkel Gallery, San Francisco, Past Presence, Gallery Koyanagi, Tokyo
Hiroshi Sugimoto participait à l'exposition collective "Au-delà de la couleur : Noir et Blanc, au Couvent des Jacobins à Rennes, en France, où son oeuvre 'The Last Supper' (1999) était exposée, jusqu'au 29 Août 2021.
https://www.sugimotohiroshi.com/biography-1
BIO/OEUVRE/EXPOSITIONS  

YUJI UEDA est un artiste céramiste contemporain japonais. Il est soutenu par le célèbre artiste japonais Takashi Murakami.
https://www.instagram.com/yuji____ueda/?hl=ja
PROFIL DE L'ARTISTE
Yuji Ueda est né en 1975 à Shigaraki, préfecture de Shiga, au Japon, une région connue pour sa poterie et ses plantations de thé, où il vit et travaille. Il a étudié sous la gouvernance du grand céramiste local Kohyama Yasuhisa.
Yuji Ueda a créé un procédé unique pour son art : il utilise des blocs entiers de feldspar (un minéral extrait de rochers) ou bien créé des surfaces en argile irrégulières qui peuvent être cuites dans des fours à bois. Depuis 2019, il réalise aussi des peintures.
Quand vous voyez des oeuvres de Yuji Ueda, vous pouvez vous demander si c’est du ‘kintsugi’, à savoir l’art japonais de réparer les céramiques cassées et de transformer les imperfections en quelque chose de beau. Mais il ne s’agit pas de réparations mais de création : des pièces uniques, des objets bruts, irréguliers, avec des craquelures.
Le célèbre artiste Takashi Murakami s’est intéressé au travail de cette nouvelle génération de céramistes comme Yuji Ueda, Kazunori Hamana et Otani Workshop il y a maintenant plus de cinq ans. C’est ainsi qu’il a organisé une exposition de ces artistes, à New York chez Blum & Poe, en 2016. La Kaikai Kiki Gallery de Takashi Murakami en 2020, organisait la deuxième exposition de Yuji Ueda dans sa galerie à Tokyo. Intitulée « Picking seeds », l’artiste exposait des jardinières en céramique érodée et des peintures abstraites.
En 2020, Yuji Ueda faisait partie de l’exposition de groupe « Healing », consacrée aux artistes Kaikai Kiki (le studio de production de Takashi Murakami), à la galerie Perrotin Seoul et en 2021 à la galerie Perrotin Shanghai.
EXPOSITIONS
Yuji Ueada expose depuis 2008. Citons ses expositions personnelles : 2020 “Picking Up Seeds”, Kaikai Kiki Gallery, Tokyo ; 2018, « Memories of Resonating Clays », Kaikai Kiki Gallery, Tokyo ; 2015 Yuji Ueda, Solo exhibition, Mario Hirama Soe Bana ; 2014 Yuji Ueda’s Ceramics Works, t.gallery , Minato-ku, Tokyo, « Cosmic Eruptions, Yuji Ueda’s solo exhibition, Pragmata, Tokyo ; 2013 « Yuji Ueda Pottery exhibition Shigaraki no Tsuchi To Hi To Toki Ho, Gallery Fukka, Tokyo, « Yuji Ueda Mitsutamari no Tschuchi", Oz Zingaro, Tokyo ; 2012 Yuji Ueda, Sunaba, Sundries, Tokyo : 20O9 « Cafe Wakaya solo exhibition », Mie ; 2008 Gallery Karahashi, solo exhibition, Shiga.
Yuji Ueda participait à l'exposition collective "Healing" consacrée aux artistes Kaikai Kiki, organisée par Takashi Kuramaki, à la galerie Perrotin Shanghai du 5 Février au 20 Mars 2021

DAIYA YAMOMOTO est un artiste plasticien contemporain japonais. Il fait partie des artistes les plus prometteurs de la jeune génération japonaise.
(1) Daiya Yamamoto | Facebook
https://www.reijinshagallery.com/product-category/daiya-yamamoto/
Galerie Tamenaga
PROFIL DE L'ARTISTE
Daiya Yamamoto est né en 1989 à Nara, Japon. Il est diplômé de l'Université de la ville d'Hiroshima, où il s’est spécialisé dans la technique de peinture à l’huile (2010). En 2012 il a poursuivi un Graduate Master Program au Hiroshima City University Institute of the Arts Faculty of Painting.
Daiya Yamamoto a toujours été fasciné par l’extrême réalisme des travaux de trompe l’oeil et surtout par le genre plus classique dans l’histoire de l’art, les natures mortes. Ainsi, il reprend ce genre pictural, en utilisant sa technique habituelle de peinture à l'huile, pour l'associer à une approche très contemporaine avec l’utilisation d’objets banals du quotidien. Il aime disperser ces objets, suspendre les plantes à des fils et figer le tout dans un vide radical. Son esthétique, avec sa composition épurée et sa palette claire, crée des natures mortes intemporelles au travers desquelles émane une réelle sérénité dans le respect de la tradition japonaise.
EXPOSITIONS
Daiya Yamamoto a commencé à exposer dès la fin de ses études.
Citons ses expositions personnelles : en 2020 Afterimage collection, Reijinsha Gallery, Tokyo ; en 2019 ‘Amplified’. Reijinsha Gallery, Tokyo, Yokohama Honmoku Picture Gallery / Kanagawa, "Événements de l'axe Z" (Galerie Lapis / Hiroshima ; 2017, ‘Space Corrosion’ Reijinsha Gallery, Tokyo ; 2016 Galerie Miyasaka, Tokyo, ‘Synchronisme’ (Kamome no Baaba) ; 2015 "Borderline de plusieurs millimètres" (Cafe Funchana), Nara ; 2014 Solo exhibition Musée Okanoyama, Nishiwaki, Japon ; 2013, solo exhibition, galerie Nets «BOX».
L’artiste participe aussi à des expositions collectives dont les plus récentes : 2020 Galerie Taménaga, Art Paris, Art Paris Digital ; 2018 RUBICON REBOOT (Hiroshima Hatchobori Tenmanya) Actuel/Anciens élèves de Kokugakai. "Drawing x Framing" (Gallery Cafe Am / Hiroshima), RUBICON Exposition (Toho Art / Tokyo), Machiya Museum vol.2 "Contemporary Peace Art Festival" (Nara Town Nigiwai no Ie / Nara), OSAKA ART FES 2018, Hazama (Hiroshima City University Art Museum)?