Artistes Philippins Contemporains

ANDRES BARRIOQUINTO. Andres Barrioquinto est un artiste contemporain philippin connu pour ses portraits surréalistes agrémentés de motifs et de styles japonais. Il est vu comme une étoile montante de la scène artistique contemporaine de l'Asie du Sud-Est.  
L'une de ses peintures les plus remarquables, Procession (huile sur toile), détient le prix de vente aux enchères le plus élevé pour l'artiste, soit 359 777 dollars, en 2019.
https://www.instagram.com/andresbarrioquinto/?locale=fr_CA
PROFIL DE L'ARTISTE
Né aux Philippines en 1975, Andres Barrioquinto passe son adolescence à Hong Kong. Il est ensuite retourné à Manille pour faire ses études universitaires. Il a suivi une formation artistique formelle à l'université des Philippines et a étudié les beaux-arts avec une spécialisation en peinture à l'université de Santo Tomaslin (2000). En 2003, il a été sélectionné comme l'un des 13 artistes lauréats par le Centre culturel des Philippines.  
Avec des traits fins à l'acrylique et à l'huile, l'artiste rend des visages reconnaissables dans des tons subtils. Ses peintures représentent des hommes, des femmes et des animaux anthropomorphes dans des forêts peuplées de papillons et d'oiseaux. La noirceur de son ancien style se glisse encore dans ses œuvres plus récentes, bien que masquée par le calme des fleurs, des oiseaux, des papillons et des motifs traditionnels appartenant à la culture japonaise - en particulier l'ukiyo-e, les gravures sur bois japonaises de l'époque d'Edo. 
En 2018, il organisait une exposition au Musée national des Beaux Arts, ce qui faisait de lui l'un des rares artistes vivants à l'avoir fait.  Intitulée "Portraits", l'exposition présentait des chefs d'entreprise, des mécènes influents et des connaisseurs de la liste A, immortalisés par les portraits hyperréalistes de Barrioquinto. 
Une collection de 14 peintures surréalistes et hyperréalistes d'Andres Barrioquinto était présentée dans l'exposition " Realistic Abstraction " à Tang Contemporary Art à Bangkok en 2022.
Une monographie complète sur la vie et la carrière de Andres Barrioquinto était publiée en 2022.
EXPOSITIONS
Andres Barrioquinto a participé à plusieurs expositions individuelles en Asie et en Europe. Il a également eu l'honneur d'être le premier Philippin à remporter la Biennale de Taïwan, la plus importante plateforme et le plus important festival d'art du pays asiatique.  
Expositions récentes : 2022 "Realistic abstraction: Andres Barrioquinto solo exhibition, Tang Contemporary Art, Bangkok
En 2021, Andres Barrioquinto participait à une exposition de groupe "Falling" à la Tang Contemporary Art à Pékin.
→ EXPOSITIONS PASSEES

ELMER MISA BORLONGAN est un artiste contemporain philippin, connu pour son expressionisme figuratif. Il a obtenu de multiples prix dont le Cultural Center of the Philippines (CCP) 13 Artist Award en 1994 et le 2004 Award for Continuing Excellence and Service, Metrobank Foundation. 
Avec des ventes cumulées de 605.244$ (24 lots), Elmer Misa Borlongan se classait 326ème du classement Artprice 2020/2021 des 500 premiers artistes contemporains dans le monde.
De nombreux travaux de l’artiste ont été vendus aux enchères comme 'Quiapo' vendu 209.385 $, son record, par la Leon Gallery, Makati, lors de 'The Magnificent September Auction 2016'.  
PROFIL DE L'ARTISTE
Elmer Borlongan est né en 1967 à Manille. Il s’est formé à la peinture sous la direction de Fernando Sena dès l’âge de 11 ans. Il est diplômé de l’University of the Philippines' College of Fine Arts (Major in Painting) (1987). Elmer Borlongan et sa femme, artiste, Plet C. Bolipata, vivent à San Antonio, Zambales.
Elmer Borlongan peint des histoires du quotidien, de survie et d’endurance au milieu de la pauvreté et du désespoir. Son travail est caractérisé par une figuration stylisée, des têtes chauves, de grands yeux et des membres allongés. Elmer Borlongan a passé son enfance dans les centres-villes urbains de Manille. De fait, ses sensibilités, son choix de sujets et de thèmes, étaient dès le début en phase avec les luttes quotidiennes de la classe ouvrière philippine. C'est surtout sa représentation des sans-abris et des enfants des rues qui a attiré l'attention du monde de l’art philippin sur le jeune artiste au début des années 1990. Ses toiles suscitaient l'empathie mais l'artiste a aussi voulu montrer l'humour implicite dans la vie simple des gens. 
A la fin des années 90, Elmer Borlongan déménage à San Antonio, Zambales, une province rurale au Nord-Ouest de Manille. Entre les œuvres d’Elmer Borlongan avant et après 2002, on peut voir des différences. Quand il était basé à Manille, ses peintures figuraient la dégradation urbaine. Ses toiles étaient peuplées de mendiants décharnés essayant de gagner leur vie dans les rues de la ville, et ses couleurs étaient plus sombres. Après son installation à San Antonio, il a commencé à dessiner des scènes plus rurales : des vendeurs portant une bassine de poissons fraîchement pêchés, une famille assise dans ce qui ressemble à un bateau en tissu. Ses couleurs aussi sont plus lumineuses. Elmer Borlongan continue de dépeindre la vie des Philippins, des pêcheurs des provinces aux mendiants dans les rues des villes, aux conducteurs de jeepney.
EXPOSITIONS
Elmer Borlongan a eu de nombreuses expositions aux Philippines et à l’étranger. Le Metropolitan Museum of Manila lui consacrait une exposition rétrospective "An Extraordinary Eye for the Ordinary", de Janvier à Mars 2018. En Février 2017, l’Ayala Museum à Manille organisait une exposition rétrospective de l'artiste, intitulée « In City and Country » qui retraçait sa carrière de 1992 to 2012. 
Elmer Misa Borlongan présentait "When Time Stood Still" à la galerie Géraldine Barnier, Paris 75006, du 20 Octobre au 20 Novembre 2022.
EXPOSITIONS PASSEES

LESLIE DE CHAVEZ  est un artiste contemporain philippin connu pour ses préoccupations profondes et ses commentaires incisifs sur des questions sociales majeures au travers de peintures et d' installations expressives.
L'artiste est représenté exclusivement par la galerie Arario (Séoul) (Shanghai) depuis 2006. 
https://www.lesliedechavez.com/
https://www.instagram.com/lesdechavez/?hl=fr
PROFIL DE L'ARTISTE
Leslie de Chavez est né à Manille, aux Philippines, en 1978. Il est diplômé de l'université des Philippines. Il a obtenu son BFA en peinture en 1999. Il vit et travaille à Tayabas / Lucban, Quezon. 
Leslie de Chavez est un activiste artistique crucial pour les Philippines. L'artiste explique : "Ma pratique a impliqué la création de diverses formes d'art qui examinent minutieusement divers problèmes de la société philippine, tels que l'histoire, le colonialisme, la religion, l'impérialisme, la mauvaise éducation, la lutte pour le pouvoir, la culture contemporaine, la politique et les valeurs sociales. Ma démarche consiste à faire resurgir des modèles historiques, à réexaminer le discours social contemporain et à redécouvrir l'introspection en tant que méthodes permettant de cerner la vérité sur les nombreuses réalités que nous, Philippins, vivons. En tant qu'artiste, je pense que répondre par l'art à notre victimisation permanente par les conditions chroniques de notre société peut être réellement libérateur."
Outre sa pratique artistique, Leslie de Chavez est également le fondateur de Project Space Pilipinas (PSP), qui a ouvert ses portes en 2007 à Mandaluyong, dans l'agglomération de Manille. PSP est une plateforme d'interactions créatives, où l'artiste cherche à avoir une présence et un engagement significatifs avec sa communauté locale. La double approche de Leslie de Chavez considère à la fois le domaine de la représentation dans l'art et les formes d'action directe par lesquelles la culture peut apporter un changement.
Leslie de Chavez considère qu'il y a eu deux tournants majeurs dans son parcours d'artiste. Le premier a eu lieu en 2001, lorsqu'il a pris la décision de quitter son poste de graphiste dans un musée pour se concentrer uniquement sur sa pratique artistique. Un autre tournant a été sa résidence à Séoul de 2005 à 2006, qu'il considère comme "une occasion fructueuse qui a complètement changé le cours de sa carrière". À l'époque, les activités artistiques aux Philippines étaient limitées et peu de galeries et de collectionneurs s'intéressaient aux artistes émergents. La résidence à Séoul lui a donc ouvert des possibilités d'exposition et a élargi son réseau de contacts en vue de futurs partenariats. Parmi les relations les plus importantes, citons celle avec la galerie Arario, qui gère aujourd'hui des espaces à Séoul, Cheonan et Shanghai, et qui représente exclusivement l'artiste depuis 2006. 
La dernière œuvre de Leslie De Chavez, "The Golden Slumbers (A Gasping Lullaby to the 3D Sisters of the Sun & Sea)" (2024), représente une paire de jumelles, que Leslie De Chavez identifie comme les "sœurs 3D" du collectif d'artistes Lithunian, qui ont été présentées lors d'une performance au pavillon Lithunian pendant la Biennale de Venise 2019. Elle rend hommage à la question urgente du changement climatique.
EXPOSITIONS
Leslie de Chavez a eu plusieurs expositions personnelles aux Philippines, Chine, Corée, Singapour, Royaume-Uni et Suisse. Il a également participé à plusieurs expositions et festivals d'art importants.  
Dernière exposition personnelle / 2021 "A Lonely Picket in the Balcony ", Silverlens, Manille.
Il était présenté à Art Singapore 2024 et S.E.A. Focus par Gajah Gallery.
Expositions
https://www.silverlensgalleries.com/assets/artists/leslie-de-chavez/bio/Leslie%20de%20Chavez_CV-BIO_May2021.pdf

LOUIE CORDERO est un peintre et sculpteur contemporain philippin.  
De nombreuses oeuvres de Louie Cordero sont vendues aux enchères comme ‘The Lead Brothers’ qui s'est vendue chez Christie’s Hong Kong ‘Asia Contemporary Art Day Sale’ en 2013 pour 38.642 $ ou 'Tsunami's Gift (Sweet Surrender) (2013) qui s'est vendu pour 10,940 $ lors d'une vente d'art contemporain asiatique chez Christies HK le 29 Mai 2016.
Contact :  https://www.facebook.com/LouieCorderArtist/about/
PROFIL DE L'ARTISTE
Louie Cordero est né à Manille en 1978 où il vit actuellement. Il est diplômé du College of Fine Arts de l'université des Philippines (2001). Il a déjà obtenu plusieurs récompenses comme l’Ateneo Art Award en 2004 et le Thirteen Artists Award décerné par le Cultural Center of the Philippines en 2006. Il a été artiste résident à la fondation Big Sky Mind aux Philippines de 2002 à 2004 et aussi au Vermont Studio Center aux Etats-Unis en 2003.
Louie Cordero tire notamment son inspiration de l’histoire politique complexe des Philippines. Il peint des monstres et zombies issus de la mythologie philippine, ponctués de sang, de « gore », et d’images militaires pour refléter le mélange éclectique et souvent violent de la culture locale et des héritages américains, espagnols et asiatiques. Dans son esthétique, il se sert de diverses sources comme le kitsch, la publicité indienne, les films B américains et les « romans de gare ». Il a créé et illustré lui-même une série de bandes dessinées underground « Nardong Tae » qui est culte aux Philippines et au Japon.
Dernièrement en 2017 il montrait dans son exposition 'Under Heavy Manners' à la Jonathan Levine Projects aux Etats-Unis, des peintures qui décrivaient la situation de vulnérabilité de son pays les Philippines.
EXPOSITIONS
Depuis 2001, Louie Cordero est exposé régulièrement aux Philippines, à Singapour, et au Japon ; il a eu plusieurs expositions personnelles en Asie.
Parmi ses dernières expositions personnelles, citons : 2020 "Bogus Heritage Louie Cordero", Blanc Gallery, Quezon city.
L'artiste participait à plusieurs expositions collectives : 2023 "In Excess: An Exuberance of Philippine Art", Gajah Gallery, Singapour, ; 2022 "Tutti Frutti", Tang Contemporary Art, Bangkok ; 2020 Collectors Plus, Silverlens, Manille ; 2019 Inoperative Halo, galerie Poulsen, Copenhague, Danemark
EXPOSITIONS PASSEES

LAO LIAN BEN est un artiste contemporain philippin qui réalise des peintures abstraites multidimensionnelles. Il est présenté comme un des pionniers dans l’art de l’assemblage aux Philippines.
Avec des ventes cumulées de 874K €, Lao Lian Ben se situait au 943ème rang du classement Artprice (Produit des ventes) des 5000 premiers artistes contemporains dans le monde en 2024. 
Depuis 2008, le prix record pour Lao Lian Ben aux enchères est de 293 793 USD pour Gestures, vendu à la galerie León, Makati en 2021. 'Under the Influence of Moonlight' (1979) s'était vendu à la Leon Gallery, Makati ('The Asian Cultural Council Philippines Art Auction 2017) pour 111,877 $ et "Untitled" (1980), vendue 88,125 HK$ (10,138 €) chez Bonhams, à Hong Kong en Mars 2019.   
PROFIL DE L'ARTISTE
Lao Lian Ben est né en 1948 aux Philippines. Il est diplômé de l’University of the East, School of Fine Arts, Major in Painting, Manila
Lao Lian Ben est un peintre de l’abstraction. Il peint surtout des sculptures de murs. Il créé des mouvements par grandes couches de peinture, il superpose les objets et les matériaux. Il y a dans ses œuvres un jeu de contrastes entre des formes organiques libres et un ordre géométrique. L’artiste maîtrise magistralement les noirs, les blancs, les gris. Comme la vision d’un homme en recherche spirituelle, les peintures de  Lao Lian Ben dégagent un rayonnement de lumière. Lao Lian Ben explique que son art est à propos du silence. Ses oeuvres abstraites à l'encre relèvent de la peinture Sumi-e, une philosophie japonaise de peinture à l'encre et au pinceau. De ses œuvres pour la plupart monochromatiques, émane en effet une grande sérénité. Celles-ci conduisent surtout à une profonde contemplation plutôt dans le sens de la tradition zen. « Comme le bol vide d’un moine bouddhiste, les peintures de Lao Lian Ben, dans leur simplicité nue, sont une fête sans fin pour la pensée » (Leovino Ma. Garcia).
Lao Lian Ben peint des peintures de très grande taille, trois de ses dernières peintures « Into Light,” “Water” and “Monk’s Table” présentées lors de l’exposition ‘Lao Lianben, Black Water: A Monk’s Dream” en 2015, mesurent par exemple 10 feet by 8 feet, « Soot” et “Monk’s Table” mesurent 10 feet by 7 feet.
EXPOSITIONS
Parmi les expositions personnelles de Lao Lian Ben, citons les plus récentes : en 2016/2017 "Sense of Light" Lao Lianben Solo Exhibition, Taipei, Michael Ku Gallery ; en 2015 ‘Lao Lianben, Black Water: A Monk’s Dream’, Blanc Art Space, Quezon city ;  en 2012, ‘Soot’, Blanc Penisula, Manila, ‘Remnant by Lao Lian Ben’, Capitana Gallery, Talisay City ; en 2009 ‘Lao Lian Ben’ Blanc Compound à Mandaluyong city.
Lao Lian Ben a aussi participé à de nombreuses expositions collectives dont : en 2019 Cao and Lianben, Calle Wright, Manila ; en 2016, Philippines Art Fair 2016, représenté par la Galerie Blanc ; en 2015 "Southeast Asian Abstraction: A New Dialogue ", Sotheby's Hong Kong, Philippines, Manila ; en 2014 "Framed Abstraction", CCP- Cultural Center of the Philippines, Manila ; en 2013 "Black And White Exhibit", Galleria Duemila, Pasay City ; en 2011 “Munnyfestation ", Blanc, Quezon City.
L’artiste a par ailleurs reçu plusieurs prix et distinctions : en 1995, Alumni Award, University of the East, en 1982 Mobil Art Award, en 1979 Critic's Choice, Ma-Yi Associates, en 1977 Second Prize Painting, Art Association of the Philippines, en 1975 Outstanding Achievement in Painting , University of the East, en 1968 First Prize, Graphic Art, Shell Art Competition.

PATRICIA PEREZ EUSTAQUIO est une artiste philippine, reconnue au niveau international et considérée comme un(e) des artistes leaders de sa génération aux Philippines.
Contact : https://patriciaeustaquio.com/
https://www.instagram.com/explore/tags/patriciaperezeustaquio/?hl=fr
PROFIL DE L'ARTISTE
Patricia Perez Eustaquio est née en 1977 à Manille. Elle a obtenu son BFA (Painting), Magna Cum Laude, à l'Université des Philippines, Diliman (2001). Elle vit et travaille actuellement à Manille.
Patricia Perez Eustaquio explore différents matériaux, comme la peinture, le dessin, les installations, la sculpture et même le tissage, la dentelle, le feutre et le carton. Des images de détritus, de carcasses et de pourriture sont intégrées dans son travail de design et de mode. L’artiste en effet est aussi une créatrice de vêtements. Elle parle dans ses toiles de formes diverses ou dans ses sculptures en tissu, du « désir d’être désiré ». De même ses objets façonnés – allant des meubles, textile, cuivre et verrerie – posent des questions sur la mutabilité de notre perception aussi bien que sur les concepts de la ‘désirabilité’ et comment elle influence la vie et la culture en général.
Avec une précision hyper réaliste, les peintures de Patricia Perez Eustaquio sont une réflexion sur le monde (fait à la fois par l’homme et par la nature) au travers notamment de la métaphore de l’Orchidée, se demandant ce qui conduit notre recherche de l’unique, alors que nous cherchons à répliquer l’objet de notre désir. Ainsi alors que les orchidées étaient des spécimens rares, devenues une obsession chez les chasseurs d’orchidées, elles font l’objet à présent d’un ‘big business’ de l’industrie horticole et l’attraction des jardins botaniques. Les motifs récurrents de l’artiste sont les fleurs fanées qu’elle reprend dans ses principaux travaux, se concentrant sur leurs textures et leurs formes torturées.
L'artiste réalise aussi des tapisseries numériques, comme celles présentées lors de son exposition "Everywhere West, Everything East". Pour cette exposition à la galerie Ames Yavuz en 2019, ses tapisseries avaient été retravaillés à partir de la peinture de l’artiste philippin du XXe siècle Fernando Amorsolo représentant la mort du navigateur portugais Ferdinand Magellan par les forces de Lapu-Lapu, le souverain de l’île de Mactan aux Philippines.
Le tissu est récemment devenu un élément clé du travail de Patricia Perez Eustaquio, elle créé des sculptures en enveloppant de soie ou de crochet des objets, puis en retirant l'objet pour en faire ce qu’elle appelle un "fantôme", un très petit objet ou des carcasses vides qui évoquent des questions entourant la mémoire et la perception.
'Emporium", à la galerie Silverlens à New York, en Octobre 2024 marquait la toute première représentation de la série de sculptures, en corde tressée, de grand format, de l’artiste. Ce corpus d’œuvres incarnait l’exploration de Patricia Perez Eustaquio des « matériaux marginalisés » des domaines de l’artisanat et du design – textile, fibres, céramique, verre. De plus elle présentait des tapisseries monumentales basées sur des photographies historiques.
A Art Fair Philippines 2025 Patricia Perez Eustaquio présentait plusieurs nouvelles œuvres, dont After, After I, After, After II, Fountain 008 et Vertigo VII and Vertigo VIII. Ces pièces incorporent des matériaux tels que l’abacá (chanvre de Manille), la soie, la laine et des fibres de coton sur du coton tissé à la main (Inabel) l'artiste explore en effet le textile et la fibre comme supports de narration et d’expression culturelle
EXPOSITIONS
Parmi les exposition personnelles les plus récentes de Patricia Perez Eustaquio citons : 2025 "Everywhere West, Everything East", Silverlens New York ; 2024 "Emporium," Silverlens NY, White Lies, Encounters, Art Basel, Hong Kong ; 2022, Silverlens Galleries, Manille ; 2020, Silverlens Galleries, Manille.
Patricia Perez Eustaquio était présentée à Art Basel Hong Kong 2024 par la galerie Silverlens.
Patricia Perez Eustaquio a participé à de nombreuses expositions de groupe depuis 2002 comme : 2025 et 2024 Art Fair Philippines, Art Basel HK ; 2023 Art Fair Philippines, SEA Focus ; 2020 "Searching Sanctuary", galerie Silverlens, Manila, (Art Fair Philippines) ; 2019 et 2018 Art Basel Hong Kong ; 2017, 'Shared Coordinates: Edouard Malingue Gallery x Silverlens', Silverlens, Manila, "Translación", Silverlens, Manila, Art Fair Philippines 2017
EXPOSITIONS PASSEES
⇒  VIDEO
Dans cette vidéo, Patricia Perez Eustaquio évoque son parcours artistique et son exploration de longue date des matériaux marginalisés - textiles, fibres, céramiques, verre - qui aboutissent à son exposition personnelle Emporium à Silverlens New York.

JILL PAZ est une artiste Filipino-canadienne qui utilise dans son travail une technique très particulière de découpe au laser et des images numériques.
Contact : https://jillpaz.com/
PROFIL DE L'ARTISTE
Jill Paz est née en 1982 à Manille aux Philippines. Elle a émigré aux Etats-Unis en 1983 avec sa famille. Elle a étudié la peinture au Columbus College of Art and Design où elle a obtenu son BFA (2004) et à la Parsons School of Design à New York, puis l’histoire de l’art à l’Université de British Columbia (2015). Elle a obtenu un Master en Arts Visuels au Columbus College of Art and Design (2015). A l’issue de ses études, elle est retournée aux Philippines, elle vit actuellement à Quezon City.
Avec son travail, Jill Paz fait un retour aux sources. Dans son exposition ‘Homage ‘en 2017, elle revisitait le corpus d’œuvres du peintre philippin Félix Resurrección Hidalgo (1855-1913), une figure énigmatique de l’histoire de l’art des Philippines et aussi son arrière grand-oncle.
Jill Paz réalise un travail particulièrement original, fait à partir de photographies et de peintures, et à l’aide de programmes informatiques et de la découpe laser. Elle a ainsi programmé une machine de manière à pouvoir graver une image numérique sur du carton. Le rendu de son travail doit surtout être regardé de près pour en percevoir le montage. Jill Paz montre la nature transitoire et vulnérable de la peinture en tant qu’objets, tout en offrant la possibilité que le passé et ces objets puissent changer, se disperser ou bien se désagréger complètement. Le moment peut être opportun alors pour créer un art imprégné de vie et d’histoires du présent.
Dans son travail en 2018, ‘The Grove of Trees’, présenté à Art Basel HK en 2019, elle explorait la nécessité et les limites en matière de réparation et de rénovation. Jill Paz se réfère beaucoup à son expérience d’immigrée. Elle déclare : « Mon corpus récent explore un renouvellement de ma compréhension de ce que veut dire « home », qui est lui-même une relation paradoxale dans le sens où il représente à la fois un éloignement et un engagement. Mon étude sur l’Orient et l’Occident, le passé et le présent, s'incarne dans ma propre expérience de perte de culture. C’est ce plan rapproché personnel de ma vie que je mets dans mon travail et qui m’amène à intégrer une vision plus étendue de l’histoire et du monde ».
Les nouvelles peintures de Jill Paz à la Silverlens Galleries en Septembre 2021 représentaient des petits objets endommagés et réparés : une archéologie de la vie quotidienne. Chaque peinture présente une surface finement détaillée, réalisée par l’outil numérique d’une machine laser, puis superposée avec des lavages acryliques sur un sol gesso.
EXPOSITIONS
Jill Paz a eu plusieurs expositions personnelles depuis 2005 dont : 2023 "Echo of a Site", MO_Space gallery, Manille ; 2021 Domestic abstractions, Silverlens Galleries ; 2020 "La vue de deux horizons", Alliance Française de Manille 
Biographie & expositions
"Domestic Abstractions" Exhibition Silverlens Galleries, 2021, video

MARIA TANIGUCHI est une artiste contemporaine philippine. Elle réalise de grandes peintures (brick paintings) dans lesquelles elle explore les possibilités de formes. Elle utilise des techniques de transformation, des Series et des répétitions d’images. Elle réalise aussi un travail de sculpture, vidéo et photo. Les peintures de l’artiste tirées d’une série de 2008 (Untitled) présentées à l’Art Basel  Hong Kong en 2015 ont toutes été achetées par des institutions de Hong Kong et de Brisbane. Le 26 Novembre 2015, elle a reçu le prix Hugo Boss Asia Art 2015 au Rockbund Art Museum de Shanghai. Dernière vente de l'artiste chez Phillips Auction à Hong Kong le 3 Décembre 2020 : 302,400 HK$ pour une oeuvre datée de 2014 (Untitled). 
ACTUALITE
Maria Taniguchi participe à l'exposition de groupe "Everyday practices" au Singapore Art Museum, du 30 Août 2024 au 20 Juillet 2025.
PROFIL DE L'ARTISTE
Maria Taniguchi est née en 1981 à Dumagete, aux Philippines.  Elle a étudié la sculpture à l’université des Philippines et obtenu son BFA (2006) puis à la Goldsmiths à Londres où elle a obtenu un MAF in Art practice (2009). Elle a ensuite poursuivi avec un programme post académique pour des artistes travaillant sur les images, le LuX associate artists Program, à Londres. Elle vit et travaille à Manille.
Des briques volumineuses, qui peuvent mesurer jusqu’à 5 mètres de haut, une représentation ultra simpliste, une densité de matière, c’est en quelque sorte la signature de l’artiste. Au cours de ces cinq dernières années, elle a réalisé une série de grandes toiles dans lesquelles elle a étudié  les possibilités à l’intérieur d’une composition neutre, avec différentes configurations de surfaces. Depuis qu’elle a commencé en 2008 à faire son premier mur de briques, elle en a créé de très nombreux, tous intitulés ‘Untitled’. « Les gens regardent ce travail et voit des images abstraites, mais en réalité elles ont un but», explique Maria Taniguchi « Ces peintures prennent du temps et m’aident à réguler ma propre production, mes pensées ». Sa série de murs en briques peintes, très détaillée, brouille la frontière entre la peinture et la sculpture.
EXPOSITIONS
Maria Taniguchi a eu de nombreuses expositions personnelles depuis 2003. Parmi les plus récentes, citons :  2023 "Figure Study", galerie Silverlens, New York ; 2021, room of phases, Silverlens, Manilla ; 2020 OUTBOUND, site-specific project commissioned by National Gallery Singapore ; en 2019, Maria Taniguchi, Carlier I Gebauer, Berlin, Allemagne ; en 2017, 'Maria Taniguchi', Silverlens gallery, Manila, 'Maria Taniguchi', Taka Ishii Gallery, Tokyo ; en 2016, Institute of Contemporary Art Singapore, Queensland Gallery of Modern Art (GoMA), Australie ( 8^ème Asia Pacific Triennale of Contemporary Art), ‘Maria Taniguchi, Things That Can Happen’, Hong Kong, Maria Taniguchi, Ibid Gallery Londres ; en 2015 Maria Taniguchi, carlier/ gebauer, Berlin ; en 2014 Maria Taniguchi, Silverlens, Singapore and Manila, Philippines ; en 2013, Art Statements, Art Basel 44, Switzerland, ‘Without a Murmurat’ MCAD Manila ; en 2012, Maria Taniguchi, Silverlens, Manila, Philippines, End Frame Video Series 3: Untitled (Celestial Motors), Silverlens, Manila, Philippines, Rambler’s Association (with Adam Avikainen), ARTSPACE, Auckland, New Zealand ; en 2011 Echo Studies, Jorge Vargas Museum, Manila.
Maria Taniguchi exposait trois peintures à la Biennale de Venise 2024, du 11 Avril au 16 Juin 2024. C'est la première fois qu'elle était exposée à la Biennale.
Elle a aussi participé à de très nombreuses expositions collectives depuis 2006 : 2024 Maria Taniguchi "Rituals of the Everyday", Collegium, Arévalo, Espagne ; Art Fair Philippines 2020, « Dhaka Summit 2020 : Seismic Movements » ; en 2019 'Taka Ishii Gallery 25th Anniversary Group Exhibition: Survived!', Tokyo, Japon, "Primary Drives", Silverlans Gallery, Manila ; Biennale de Sydney 2018 ; 2016 APT8, Asia Pacific Triennial of Contemporary Art, Gallery of Modern Art (GOMA) and Queensland Art Gallery (QAG), Brisbane, Queensland, Australia, New Sensorium, ZKM | Zentrum für Kunst und Medientechnologie Karlsruhe, Maria Taniguchi and Sriwhana Spong, ICA Singapore, Group exhibition, Parasite, Hong Kong, Histories of a Vanishing Present, The Mistake Room, LA, USA ; 2015 Sights and Sounds: Global Film and Video, Jewish Museum, New York, USA, An exhibition of the moving images of Southeast Asia, Jim Thompson Art Center, Bangkok
Maria Taniguchi a reçu l’Ateneo Art Award en 2011 et 2012.
Maria Taniguchi est représentée par la galerie Silverlens à Manille.
EXPOSITIONS PASSEES

RODEL TAPAYA-GARCIA est un artiste contemporain philippin renommé et un des plus actifs en Asie du Sud-Est.
Avec des ventes cumulées de 435 K €, il se situait au 1 652ème rang/5000 du classement Artprice  (produits des ventes) du marché de l'art dans le monde en 2024. 
https://www.rodeltapayaart.com/
https://www.facebook.com/Rodel-Tapaya-Official-466399093459356/
https://www.instagram.com/rodeltapaya/?hl=fr
PROFIL DE L'ARTISTE
Rodel Tapaya est né en 1980 à Montalban, près de Manille, aux Philippines. Après avoir remporté un concours international de peinture, il a ensuite reçu le prestigieux Top Prize aux Nokia Art Awards, ce qui lui a permis de suivre des cours de dessin et de peinture à la Parsons School of Design de New York et à l’Université d’Helsinki en Finlande. Il a terminé ses études au College of Fine Art de l'Université des Philippines dont il est diplômé. En 2011, il a remporté le Signature Art Prize décerné par l'Asia-Pacific Breweries Foundation et le Singapore Art Museum, un exploit pour un artiste philippin. Il vit et travaille à Bulacan, Philippines.
Rodel Tapaya mélange récits folkloriques et réalité contemporaine. Il étudie le monde par le prisme de contes populaires, légendes, mythologies philippines et recherches précoloniales. Il créé des montages fantaisistes de ses personnages, principalement des dieux et des fées, qu’il transforme en fantômes qui hantent une civilisation où ils dominent mais à laquelle ils n’appartiennent pas pleinement. Il mélange des formes de peintures modernes et traditionnelles et ses œuvres sont toujours très colorées. L’artiste utilise des supports comme l’acrylique sur toile, la peinture sous-verre, le diorama et le dessin. 
La peinture de Rodel Tapaya évoque souvent les peintures de Jérôme Bosch et de quelques autres peintres narratifs. Mais ce dernier témoigne d’un style unique en raison principalement de la particularité de la littérature populaire philippine. Dans une interview accordée au Philippine Daily Inquirer après avoir remporté le Signature Art Prize en 2011, Rodel Tapaya expliquait qu'il avait toujours considéré la «peinture narrative» comme son point fort et qu'il avait toujours cherché à raconter des histoires morales dans ses peintures.
Dans l'une de ses grandes peintures à l'acrylique sur toile (2013) intitulée, «Like a bird that leaves its nest is a man who leaves his home », Rodel Tapaya s'interroge sur le thème de la fuite et la relie à des idées d'affirmation de soi. Il aborde le fait de s'éloigner des zones de confort pour se diriger vers des zones de courage afin d'atteindre certains objectifs de la vie.
Le titre de son exposition "Animals Moved by Music" à la Yavuz gallery à Bangkok en 2022, s'inspirait du roman de Franz Kakfa, Métamorphosis. Dans cette exposition, Rodel Tapaya sondait les lignes de faille à travers lesquelles le terrain du quotidien glisse, se déplace et se reconfigure. 
https://yavuzgallery.com/exhibitions/animals-moved-by-music/.
Dans sa dernière série de portraits remplis d’une faune et d’une flore luxuriantes, exposés à la Jack Bell gallery à Londres en 2023, Rodel Tapaya montrait un virage intellectuel vers l’écocentrique, mettant en lumière la nature comme acteur principal du folklore qui nourrit son imaginaire artistique.
EXPOSITIONS
Dernières expositions personnelles de Rodel Pataya : 2023 Rodel Tapaya: Can't see the Forest for the Trees, Jack Bell gallery, Londres ; 2022, "Animals Moved by Music", Yavuz Gallery, Bangkok ; 2021 "Random Numbers", Hong Kong ; 2019 "On the Benefits of a Crowded Space", A3 Arndt Art Agency, Manila ; 2018 "Myths and Truths", Tang Contemporary Art, Beijing
Rodel Tapaya participait à l'exposition collective “Ritual, Trauma, and Allegory”, organisée par la Tang Contemporary Art à Hong Kong, du 25 Mars au 10 Mai 2025
Du 4 Mai au 5 Juin 2023, Rodel Pataya exposait avec l'artiste allemand Oska Gutheil, " A Tale of two cities" , à la Tang Contemporary Art à Hong Kong.
EXPOSITIONS PASSEES

RONALD VENTURA, est un des artistes contemporains les plus en vogue en Asie du Sud-Est, leader de la jeune génération d’artistes philippins. 
Avec des ventes cumulées de près de près de 4, 1 M $ en 2024, il se situait au 242ème rang dans le top 500 au palmarès mondial des artistes les mieux vendus aux enchères du classement Artprice. 
Son oeuvre "Meeting Myths" s'est vendue 907 695 $ chez Sotheby's Modern and Contemporary Asian Art Evening Sale le 2 Octobre 2016. Son oeuvre 'Party Animal' s'est vendue 2,477,653.39 $ chez Christie's HK le 24 Mai 2021.
Vente record à Hong Kong pour Ronald Ventura, avec State of Bloom » (2021),  lors de la vente aux enchères de Christie's à Hong Kong en septembre 2024. La peinture a été vendue pour environ 36 millions de dollars HK (4,7 millions de dollars US), soit près de 20 fois le prix estimé.
https://www.instagram.com/ronaldventurastudio/?hl=fr
https://www.facebook.com/Ronald-Ventura-1096932557019213/
ACTUALITE
Ronald Ventura présente ses derniers travaux dans l'exposition "Tanod-Diwa" (The Sentinels) au Pinto Art Museum à Antipolo, Philippines, du 8 Juin au 6 Juillet 2025.
La Whitestone Gallery à Taipei, présente une exposition personnelle de Ronald Ventura, "Pressure & Pleasure",  du 10 Mai au 28 Juin 2025. 
PROFIL DE L’ARTISTE
Ronald Ventura est né en 1973 à Manille. Il a commencé très tôt à s'intéresser à la création artistique, suivant des ateliers d'été pendant ses études secondaires. Il a obtenu son Bachelor of Fine Arts (BFA), Major in Painting, University of Santo Tomas, Manila, (1993). Il vit à présent à Quezon city, Philippines.
Ronald Ventura réalise des superpositions d’images et de styles, qui vont de l’hyperréalisme aux bandes dessinées aux graffitis. Pour lui, c’est une métaphore de l’identité nationale multi-facette des Philippines, résultat des occupations successives espagnoles, japonaises et américaines. Il pratique peinture, sculpture et mixed media pour lesquels il utilise les mêmes thématiques et la même esthétique. Ronald Ventura réinvente un langage visuel, fusionnant l'imaginaire oriental et occidental, tradition et modernité, les beaux-arts et la culture pop.
Dans les oeuvres présentées lors de l'exposition 'E.R.(Endless Resurrection) à la Tyler Rollins Gallery à New York en Septembre 2014, l'artiste montrait la nature horrible des rites de sang qui continuent à être pratiqués dans certaines régions des Philippines : pénitents qui se flagellent avec des bâtons de bambous ou passent des heures cloués sur des croix en bois.
Ronald Ventura exposait pour la première fois au Japon, à la Ginzha New Gallery à Tokyo, fin 2018. Dans cette exposition, il posait la question : «Est-ce que les gens ont des vies ressemblant plus à des BD de nos jours ? Ou «est-ce que les livres de bandes dessinées sont importants dans la vie de chacun? » ou encore comment l’artiste interprète l’existence : rapide, instantanée et déconcertante, animée. L’artiste utilisait à dessein des références culturelles pop (Naruto, Pokemon, etc).
L’exposition "Wild State of Mind » à la Tyler Rollins Fine Art, New York du 6 Octobre 2017 au 27 Janvier 2018, explorait les intersections entre la réalité et la fiction, la folie et la santé mentale, la logique et l'instinct, mettant à bas les dualités qui imposent une nette division entre humains et animaux sauvages.
Pour la onzième édition d'Art Jakarta, 2019, Ronald Ventura s'était montré audacieux avec sa conception d'un Bobro's World Tour Jakarta, un "man-cave" avec une salle de karaoké. Ainsi les visiteurs entraient par la bouche d'une immense sculpture dorée d'un chien rongeant un os.
Du 7 Août 2021 au 10 Avril 2022, le musée Karuizawa New Art Museum à Nagano, Japon, présentait : « An Introspective » de Ronald Ventura. Cette exposition rétrospective incluait plus d’une centaine d’oeuvres de l’artiste, réalisées au cours de ces trente dernières années.
Son exposition « Pressure and Pleasure » à la Whitestone Ginza Gallery à Tokyo, début 2025 voulait approfondir la relation entre l’art et la technologie, en explorant les thèmes de la mobilité, de l’identité et de la condition humaine. Elle présentait un large éventail d’œuvres d’art, de voitures artistiques et de tout ce qui est accessoire, tous mettant en valeur le dialogue continu de l’artiste entre l’innovation et la tradition.
EXPOSITIONS
Ronald Ventura a eu sa première exposition personnelle en 2000, à la Drawing Room gallery à Makati City, intitulée 'All Soul Day". En 2009, il était exposé pour la première fois aux Etats-Unis, à la Tyler Rollins Fine Art Gallery à New York : 'Metaphysics.
Du 30 janvier au 4 mars 2017, le  MET Museum à Manille présentait une exposition de Ronald Ventura « Shadow Forest: Encounters and Explorations», constituée de diverses œuvres de Ronald Ventura, depuis ses lithographies datant des années 90 jusqu'à ses carrousels mécaniques de taille humaine de 2016.
Parmi les expositions personnelles récentes de Ronald Ventura, citons : 2025 “Pressure and Pleasure", Whitestone Ginza New Gallery, Tokyo ; 2024"Grey Avenue", Whitestone Ginza Gallery, Tokyo ; 2023-2024 "An Introspective", New Art Museum, Singapour ; 2022 An Introspective », Karuizawa New Art Museum, Nagano, Japon ; 2019-2020, Primae Noctis Art Gallery, Lugano, Italie ; 2019 Primo Marella Gallery, Milan, Italie
Pour inaugurer les Goldenberg Art Series, Ronald Ventura présentait une exposition exclusive dans le cadre d'Art Fair Philippines 2024, avec une collection de 11 œuvres différentes : des sculptures à l'entrée, des peintures dans le hall d'entrée et des gravures dans la serre.
Dans le cadre d'Art Fair Philippines 2023, Ronald Ventura présentait "Beast Watcher" à l'OpenSpace du musée Ayala. 'Beast Watcher' comprenait deux nouvelles sculptures de l'artiste et une voiture d'art qui est exposée à l'extérieur des entrées avant et arrière du musée Ayala. La sculpture Hyper Beast (Rhino) de l'artiste est celle d'un rhinocéros noir aux pieds humains et à la corne jaune qui avance péniblement vers sa fin programmée. Une Porsche 911 Cabriolet est transformée en voiture d'art avec des peintures d'un cavalier, juxtaposées à des images d'éclairs, d'un passage pour piétons.
https://www.ayalamuseum.org/exhibitions/beast-watcher
EXPOSITIONS PASSEES

RYAN VILLAMAEL est un jeune artiste contemporain qui travaille le papier découpé dont il a fait un art sur la scène artistique philippine. 
https://www.instagram.com/cutfelt/?hl=en
PROFIL DE L'ARTISTE
Ryan Villamael est né en 1987 à Laguna, Philippines. Il a obtenu son Bachelor Degree in Painting à l’Université des Philippines (2009). Il était aussi major en Arts Visuels. Après ses études, il a travaillé comme assistant pour Nona Garcia, Louie Cordero et Gary Ross Pastrana. En 2015, il a obtenu l’Ateneo Art Awards pour son oeuvre "Isles”. Il vit et travaille à Quezon city.
Ryan Villamael a travaillé sur plusieurs medias avant de choisir le papier comme support et révéler des images exceptionnelles. "J'ai commencé à travailler avec du papier, non par désir, mais par nécessité", confiait-il. "J'ai réalisé que je pouvais dire ce que je voulais dire et faire ce que je voulais faire avec un matériau très simple", expliquait-il. Ryan Villamael, est guidé par les éléments conceptuels de la découpe du papier. Il construit des formes et des motifs en forme de frise en utilisant un espace négatif. Il utilise papier et feutre.
S’agissant de son amour pour les cartes, l'artiste explique : "Mon père a quitté la maison quand j'étais jeune et en grandissant, regarder des cartes était pour moi un moyen de communiquer avec lui, de retracer les chemins qu'il aurait pu suivre, d'essayer de voir les endroits où il pourrait vivre.
“Cut Felt”, était la première exposition personnelle de Ryan Villamael, à la Silverlens Gallery, Manille, en 2011 : une exposition de papiers découpés de papier à grande échelle avec des motifs étranges mais équilibrés. En 2015, il présentait "Behold a City", à la Silverlens Gallery à Makati City. Cette installation était pour lui comme une "lettre d'amour à la ville » : c'est sa propre carte de Manille, réalisée en façonnant des miroirs et en les plaçant à plat sur le sol pour imiter le système de rues, d'avenues et de voies navigables de la ville. Ryan Villamael a ensuite érigé des photographies découpées de sites du patrimoine les plus populaires du Vieux Manille, afin de créer des illusions en trois dimensions. Pour la Biennale de Singapour en 2016, l’artiste a créé une installation « Locus Aneomus » : il a ainsi rempli la serre du Singapore Art Museum de feuillages découpés dans des cartes philippines anciennes et contemporaines. 
Dans Vista, une Series qu’il a débuté pendant le confinement, Ryan Villamael imite l'intimité de la lentille d'une jumelle pour emmener lui-même et le spectateur au-delà du moment pandémique, et au-delà des quatre murs dans lesquels il s'abrite. L'artiste a peint des vues imaginaires et idéalisées de paysages sur du papier découpé à partir d'expositions antérieures. L’exposition était présentée en ligne chez Silverlens Galleries du 14 au 28 Janvier 2021. 
Du 18 Janvier au 7 Juillet 2024, Ryan Villamael présentait un paradis pastoral à l'intérieur de l'Esplanade Concourse à Singapour.
Ryan Villamael présentait sa toute première exposition aux Etats-Unis "ISLES" à la galerie Silverlens New York, du 16 Janvier au 1er Mars 2025. L'exposition rassemblait de nouvelles sculptures en papiers découpés, installées dans des cloches en verre, accompagnées cette fois d'une composante audio. "ISLES reflète mon lien profond avec les thèmes de la migration, du déplacement et de l’évolution de l’idée de chez soi", expliquait l'artiste. "Ma famille, comme tant d’autres, a connu les complexités émotionnelles de la migration. Cette expérience personnelle est au cœur de mon travail".
EXPOSITIONS
Citons les dernières expositions personnelles de Ryan Villamael : 2025 "ISLES", galerie Silverlens New York ;  2024 Return, My Gracious Hour" , Silverlens, Manille Locus Amoenus, Esplanade, Singapour ; 2021 Home Coming/ Eventually, UP Vargas Museum, Manille, Ryan Villamael et Liv Vinluan exposition "Bukang Liwayway", "Vista" (online exhibition) Silverlens Galleries.
En 2024, Ryan Villamel exposait à Art Fair Philippines et S.E.A. FOCUS 
EXPOSITIONS PASSEES