Les artistes sud coréens contemporains

Suh Do Ho, The Perfect Home II, Brooklyn Museum, NYC

Lee Ufan, Centre Pompidou, Metz

Seoul has become a major hub for contemporary art in Asia. South Korea is one of the most robust art markets in the world,” according to Sotheby’s Institute faculty and art business expert, Iain Robertson. “Key drivers include its two main auction houses, K and Seoul”. Sales at Korean auctions totaled $91.8 million USD in the first half of 2018. South Korea has the highest number of private art museums in the world (around 45). Many of them propel Korean contemporary art on the international scene, thus developing a South Korean cultural aura. 
“The dynamism of the local scene and the growing interest of international collectors for the big names in Korean art have influenced western galleries to invest in the market over the past few years". The biennials of Gwanju and Busan contribute to instilling a dynamic of events and networks between South Korea, the USA and Europe
Very recently, in April 2019, not less than 60 Korean galleries have flown artwork to Hong Kong Art Basel where Seoul Auction held its first Hong Kong auction. Today, many Korean artists are being courted by major international galleries: Lee Bul is exhibited by Lehmann Maupin and Thaddaeus Ropac , Lee Ufan by Pace, Blum & Poe, Kamel Mennour and Lehmann Maupin, Lee Bae and Bae Bien-U by Rx
The great trend on the market currently appears to be the 
Dansaekhwa. This is a Korean painting school from the 70s-80s, which produced abstract and monochrome works. One of the masters of the genre is Lee Ufan.

 

 

Lee Bae

LEE BAE est parmi les plus grands artistes internationaux coréens. Il est connu pour ses peintures monochromes de couleur noir. En 2011, il est nommé artiste de l’année 1995-2010 par le National Museum of Contemporary Art, Gwacheon, Corée du Sud. Le 10 décembre 2013, il reçoit le prix de l'Association nationale des critiques d'art de Corée du Sud.
L’artiste
Lee Bae est né à Chung-Do, Corée du Sud, en 1956. Très jeune il apprend la calligraphie. Il obtient son B.F.A, Painting, College of Fine Arts, Hongik University en1979 et son M.F.A, Painting, College of Fine Arts, Hongik University en 1985. En 1990 il arrive à Paris où il rencontre Lee Ufan qu’il admire et dont il deviendra l’assistant. Il s'intéresse par ailleurs à Simon Hantai et à Pierre Soulages. Il vit et travaille à Paris.
Actualité
Johyun Gallery (Seoul) présentait une exposition personnelle de Lee Bae à Art Basel Hong Kong en Avril 2019

Son œuvre

L'œuvre de Lee Bae s'inscrit dans un mouvement artistique coréen, appelé le « Dansaekhwa », un courant monochrome né au début des années 70, après des années de guerre en Corée. Tout le sens du Dansaekhwa est que les artistes qui lui sont associés se sont refusés à choisir un sujet, préférant construire leurs images à partir de rien et de les découvrir comme elles ont été révélées.
 L'univers pictural et abstrait de Lee Bae se concentre ainsi sur le matériau. Il crée un équilibre essentiel entre le noir profond du charbon de bois pour ses formes abstraites et la couleur blanche laiteuse obtenue grâce à la résine et aux couches successives de peinture acrylique, lisses. Ce sont des images mentales que l'artiste pose sur la toile pour leur donner vie. Il créé des formes abstraites sans aspect narratif et donne à sa peinture énergie, pureté et spiritualité.
Arrivé en France, l’artiste a cherché un matériau peu couteux pour s’exprimer. Il découvre le charbon de bois et c’est une révélation pour lui. Le charbon de bois lui rappelait ses origines, l’univers de l’encre de Chine, la calligraphie et le profond ancrage de ce matériau dans la tradition coréenne. En 2000/2001, Lee Bae a l'idée de mélanger de l'acrylique au charbon. Avec le temps, sa peinture acrylique crème a évolué vers le blanc. Auparavant Lee Bae avait déjà réalisé  des « tableaux reliefs », en utilisant de petits morceaux de charbon de bois brut, taillés, poncés et fixés sur la toile. Son travail autour du charbon, s’étend aussi à des sculptures telles ses installations de blocs de charbons ligotés ensemble, présentés au Musée Guimet en 2015.

Expositions
Depuis 1982 Lee Bae a eu de nombreuses expositions personnelles : en France, Corée du Sud, Etats-Unis, entre autres. Citons ses plus récentes expositions : 2019 Lee Bae, Johyun Gallery, Art Basel HK ; 2018 « Black Mapping », Galerie Perrotin, Paris, France ; « Plus de Lumière : The Illuminating Spirituality of Lee Bae’s Charred Cosmo », Fondation Maeght, France
Expositions passées/Past exhibitions

Lee Bae, Untitled, oil on canvas, 1990

Lee Bae, Drawing, charcoal on paper © Lee Bae 1997

Lee Bae Issue du feu charbon de bois sculpture 1997 Courtesy fondation Fernet-Branca Lee Bae

Lee Bae, Landscape, staples on canvas, 1998, © Lee Bae

Lee Bae, Issu du Feu, charcoal mass and black elastic string, 2000, Courtesy Fondation Fernet-Branca/Lee Bae

Lee Bae, Issu du feu, charcoal on canvas, 2000© Lee Bae

Lee Bae, Installation view, charcoal on canvas, 2011 Nicholas Robinson Gallery

Lee Bae, Drawing Charcoal on paper, 2014, @ Lee Bae

Lee Bae, Landscape, Burnt tree trunks installation Daegu Art Museum, Korea, 2014 Photo © PARK Myung-Rae © Lee Bae

Lee Bae Drawing charcoal on paper 2014, @ Lee Bae

Lee Bae, charcoal mass and black elastic string Installation, Daegu Art Museum, Korea, 2014

Lee Bae, acrylic medium, charcoal black on canvas, 2016 © Lee Bae

Lee Bae, charcoal blocs, exhibition ‘Plus de Lumière’, Fondation Maeght, 2018

Lee Bae@Kim Mia

Ba Bien-U

BA BIEN-U est considéré comme un maître de la photographie contemporaine en Corée du Sud mais il est célèbre aussi dans le monde entier. Une photo de Bae Bien-U se vend autour de 100 millions won, soit 86 603$ en Corée mais le prix est plus élevé à l’étranger, précisait l’artiste en 2012.
L'artiste
Ba Bien-U est né en 1950 à Yeosu en Corée du Sud. Il est diplômé de la Hongik University de Seoul (1978) ; il est actuellement professeur de photographie au Seoul Institute of the Arts. 
Son oeuvre
Depuis 1985, il concentre son travail sur les forêts de pins, un symbole très important de la culture et  de l’âme coréenne, considéré comme la jonction entre la terre et le ciel. Ainsi "Les pins de Gyeon Gju" sont une œuvre majeure de l'artiste. Bae Bien-U fait apparaître l'énergie vitale des arbres. Il utilise des jeux d'ombres et de lumières, repoussant ainsi les contours, créant une atmosphère telle qu’elle incite à la méditation. Il se dégage beaucoup de sérénité de son travail. Il photographie aussi les plaines, les océans et les montagnes qui se confondent avec le ciel. Il est toujours en osmose avec la nature. La composition de ses photos, généralement en noir et blanc, rappelle par ailleurs les techniques de peinture traditionnelle extrême-orientale. Bae Bien-U a travaillé à une dizaine de reprises et à différentes saisons sur la forêt de Chambord au cours de ces dernières années. Il était en résidence au domaine de Chambord en 2014 et 2015. Le résultat de son travail était présenté dans une exposition de l'artiste à Chambord du 29 Septembre 2015 au 10 avril 2016. Cette exposition ouvrait l'année croisée France Corée. 
Expositions
Bae Bien-U expose depuis 1982 en Corée et un peu partout dans le monde : Asie, Europe, Etats-Unis.
La Galerie RX exposait dans le cadre de ASIA NOW Paris Asian Art Fair (18-22 Octobre 2017) les tirages argentiques des séries emblématiques de Bae Bien-U sur les arbres sacrés, les océans et les Orums - collines volcaniqes d'une île coréenne.
Expositions passées, past exhibitions

 

 

 

Bae Bien-U, Sea, fiber based silver gelatin print, 1999

Bae Bien-U, Windscape,om 1a 050h, fiber-based gelatin silver print, 1999

Bae Bien-U, om1a-016h, Axelvervoordt gallery, 2000

Bae Bien U, plt2b-001, c print, 2003

Bae Bien U, a piece bought by artist Elton John in 2005

Bae Bien U, Bae's Jeju Island series, 2007

Bae Bien-U, Pltla-042h, 2012

Bae Bien-U, Forêt de Chambord, 2014

Bae Bien-U, silver gelatin print, 2015

Bae Bien U

Lee Bul

LEE BUL est une sculptrice-plasticienne coréenne contemporaine. C'est une parmi les femmes artistes asiatiques les plus marquantes qui ont émergé dans les années 90..
L'artiste
Lee Bul est née en 1964 à Yeongju. Elle a obtenu son BFA en sculpture à la Hongik University, Seoul (1987).
Son oeuvre
S’insurgeant contre les conventions artistiques de son pays, Lee Bul a tout d’abord réalisé des performances fortement centrées sur le corps, avec notamment des costume-objets, des excroissances organiques réalisées en tissu. Lee Bul s'est vraiment faite connaître avec sa  célèbre Cyborg series (moulage de corps (1997-2011). Cyborg est une créature dans un "monde post genré". Après ses Séries Cyborgs et Anagrams, elle a entrepris de faire des installations, réalisant des paysages complexes, sortes de maquettes, reproduction d’architectures utopiques. Elle se revendique de l’héritage de l’architecte urbaniste allemand Bruno Taut qui utilisait la transparence du verre et l’acier. Lee Bul expliquait dans une interview en 2008: «Mon travail a toujours été une représentation d'un désir de transcender les limites. La transition a donc été de passer du corps à l'idée plus large des structures sociales. « Passant à une extériorisation de sa pratique, tout en conservant un élément de performance mais avec l'absence de son propre corps, Lee Bul a continué à interroger les concepts de beauté, sa transition dans le temps et le rôle social des femmes à travers l'introduction d'éléments de décoration, pourriture et odeur ».
Lee Bul puise son inspiration aussi bien dans le cinéma que dans l’histoire de la littérature et de l’architecture, en passant par l’histoire des idées en Europe et celle de son propre pays. 
Invitée par la maison Dior à figurer dans l’exposition « Esprit Dior » au Grand Palais, son interprétation de la "Lady Dior" était particulièrement complexe. Créé dans un style industriel, son sac comprenait des dizaines de minuscules miroirs en plexiglas, inclinés dans toutes les directions de sorte que le sac lui-même semblait être un miroir géant brisé. 
Au Mudam, en Juin 2014, le visiteur était invité à marcher sur un sol irrégulier avec au-dessus de sa tête un ensemble de sculptures blanches, créatures mi-humaines, mi-machines d'une ère postapocalyptique.
Lee Bul, représentée par la Galerie Thaddeus Ropac, exposait à l’Abu Dhabi Art Fair 2016 (16-19 Novembre 2016) une sculpture suspendue intitulée State of Reflection ressemblant à un paysage gelé composé de montagnes flottantes avec des routes sinueuses sur une terre enracinée dans des formes ressemblant à des stalactites. La sculpture était inspirée de l’architecte futuriste Bruno Taut, de ses visions fantastiques d’une « Alpine architecture » juste avant la fin de la deuxième guerre mondiale.
Lee Bul, représentée par la galerie Thaddeaus Ropac, exposait à Art Basel Hong Kong les 23-25 Mars 2017, une sculpture murale Civitas Solis lll8 (2015) inspirée par la ville utopique imaginée dans the City of the Sun, un texte du philosophe de la Renaissance italienne Tommaso Campanella. Elle présentait "Crashing" à Londres du 1er Juin au 19 Août 2018, à la Hayward Gallery, qu'elle avait transformée en un paysage de rêve spectaculaire faisant apparaître des corps monstrueux, des cyborgs futuristes, des environnements miroitants étincelants et un Zeppelin monumental et surréaliste. Environ 180 000 cristaux avaient aussi été intégrés dans un filet style militaire qui enveloppait le bâtiment de la galerie. Cette exposition rétrospective était aussi présentée au Martin-Gropius-Bau, à Berlin, du 28 Septembre au 13 Janvier 2019.
Expositions
Parmi les expositions personnelles les plus récentes de Lee Bul, citons : 2018, "Crashing", Hayward Gallery, Londres ; en 2017-2018, « After Bruno Taut », Galerie Thaddaeus Ropac, Londres,  en 2017 'Lee Bul', Galerie Lehmann Maupin, New York.
Lee Bul participait à la nouvelle foire internationale d’art de Taipei, Tapei Dangdai, du 18 au 20 Janvier 2019.
Expositions passées, past exhibitions

 

Lee Bul, Plexus Mixed media (leather, feather, beads, cooper wire, torso, 1997-1998

Lee Bul, 'Mon Grand Récit: Weep Into Stones', polyurethane, foamex, synthetic clay, stainless-steel, aluminum rods, acrylic panels, wood sheets, acrylic paint, varnish, electrical wire and lighting, 2005

Lee Bul, Sternbau n° 3, steel, acrylic, cristal, glass pearls, 2010

Lee Bul, From me belongs to you only, 2012, Mori Art Museum

Lee Bul, From me belongs to you, Installation: Mori Art Museum 2012, photo Watanabe Osamu

Lee Bul, Cella, Esprit Dior exhibition, installation, Paris, acrylic, acrylic mirrors, glass and acrylic beads, polyurethane paint, 2013

Lee Bul, After Bruno Taut (Devotion to Drift), mixed media 2013

Lee Bul, Monster Black, 1998-2011, abric, cotton filling, stainless-steel frame, sequins, acrylic paint, dried flower, glass beads, aluminium, crystal, metal chain, Galerie Lehmann Maupin New York, 2014

Lee Bul, Aubade III, aluminum structure, polycarbonate sheet, metalized film, LED lighting, electronic wiring, stainless-steel and fog machine, dimensions variable, 2014, photo Jeon Byung-cheol

Lee Bul, installation, 'Willing to be Vulnerable', heavy-duty fabric, metalized film, transparent film, Sydney Biennale, 2016

Lee Bul, 'In this New'..., mirror, steel chains, LED lights, acrylic paint collaged, mother of pearl, human hair, dried flowers, acrylic panels, crystals on leather 2016, Galerie Lehmann Maupin

Lee Bul, 'Civitas Solis', silver, mirrored streets, light bulbs, two-way mirrors, 2016

Lee Bul, installation, "Crashing" Exhibition Hayward Gallery 2018, photo Linda Nylind

Lee Bul, Untitled Yet, Velvet, hair, flowers, acrylic paint, metallic paint, silver andor gold flakes, 2018 Taipei Dangdai

Lee Bul

Suh Do Ho

SUH DO HO, né en 1963, un artiste contemporain coréen. Il est le fils du peintre Se Ok Suh qui a découvert le mélange entre art traditionnel et art moderne coréen. Avec des ventes cumulées de 321 272 $, il se situait au 409ème rang du classement Artprice (produits des ventes) du marché de l'art dans le monde en 2015/2016.

BIOGRAPHIE/OEUVRE
Actualité
'The Perfect Home II' (2003), une re-création à échelle réelle par Suh Do Ho d'un précédent appartement, à Chelsea, New York city, est aussi présentée au Brooklyn Museum, Usa, du 12 Octobre 2018 au 5 Mai 2019.
Expositions
Depuis les annés 90, Suh Do Ho expose dans différents pays du monde. Parmi ses expositions personnelles récentes, citons : en 2018-2019 "Do Ho Suh - Korridor", ARoS Gallery, Aarhus Kunstmuseum, Danemark ; en 2018, «Do Ho Suh: Almost Home» au Smithsonian American Art Museum, Washington, Usa ; en 2017 "Passage/s", Lehmann Maupin Gallery, Hong Kong, "Passage/s", Galerie Victor Miro, Londres ; en 2015, Suh Do Ho New Works STPI Gallery, Singapore, Museum of Contemporary Art Cleveland, USA ; en 2014, "Specimen Series", Lehmann Maupin, Hong Kong, "Do Ho Suh drawings", Lehmann Maupin, New York, The Contemporary Austin - Jones Center, Austin ; en 2013 " Do Ho Suh", Lehmann Maupon Gallery, Hong Kong, 'Home within Home within Home within Home within Home, National Museum of Modern and Contemporary Art, Seoul ; Do Ho Suh: Perfect Home, 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Japan (2012-2013); en 2012,' In Between', Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Hiroshima, Japan ; Fallen Star, Stuart Collection, University of San Diego, California (2012) ; en 2010, Storefront for Art And Architecture, New York.
Du 28 Mars au 27 Septembre 2015, il présentait son installation 'New York City Apartment' au musée de Bristol, en Angleterre. Il était présent à la FIAC Paris les 22-25 Octobre 2015, représenté par la Galerie Lehmann Maupin. Il devrait être présent à la FIAC 2018.
Les oeuvres de Suh Do Ho font partie des collections du Museum of Modern Art, the Whitney Museum of American Art, the Albright-Knox Gallery, the Guggenheim Museum, et the Museum of Contemporary Art à Los Angeles. 
Suh Do Ho a été reconnu par le Wall Street Journal Magazine comme l'artiste innovateur de l'année 2013.

Do Ho Suh, staircase IV, translucent nylon, 2004

Do Ho Suh, Home Within Home - Prototype, photo sensitive resin, 2009-2011, Lehmann Maupin

Do Ho Suh, Perfect Home, Apt. A, Corridor and Staircase, 348 West 22nd Street, New York , polyester fabric and stainless steel tubes, 2011-2012, Lehmann Maupin

Do Ho Suh, Fallen stars house, steel-frame house, concrete foundation, brick, chimney, garden, lawn chairs, table, hibachi-style grill, bird bath and bird house, 2012

Do Ho Suh, Home within Home within Home within Home within Home, polyester fabric, metal frame, 2013, Lehmann Maupin

Do Ho Suh, Myselves drawing, thread embedded in Dieu Donné paper, 2013, Lehmann Maupin

Do Ho Suh, Hub 1, polyester fabric and stainless steel armature, 2016, Lehmann Maupin

Do Ho Suh, installation, 'Passage/s", fabric sculptures, works on paper, Victoria Miro Gallery, London, 2017

Do Ho Suh

Lee Ufan

LEE UFAN est un artiste, sculpteur minimaliste, écrivain et philosophe. Il est surtout connu comme l'un des artistes les plus éminents du mouvement de l'avant-garde japonaise "Mono-ha movement".
http:://www.studioleeufan.org/
Actualité

La Kujke Gallery présentait Lee Ufan à Art Basel Hong Kong 2019
Une rétrospective, intitulée "Habiter le temps", est consacrée à Lee Ufan au Centre Pompidou-Metz, France. du 27 Février au 30 Septembre 2019

L'artiste
Lee Ufan est né le 24 juin 1936 à Haman-gun. Il a étudié la calligraphie, la poésie et la peinture au College of Kyongnam et à l' University of Séoul. Il a interrompu ses études à l'université de Séoul pour les poursuivre au Japon. Il est diplômé de la Nihon University, Department of Philosophy, Tokyo (1961). En 1997, il était professeur invité à l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. ll vit entre Kamakura au Japon et Paris.
Son oeuvre 
Depuis la fin des années 1960, Lee Ufan conjugue la peinture monochrome et la sculpture in situ. C'est une figure du «Dansaekhwa» (courant monochrome de l'après-guerre en Corée). Il a aussi été le théoricien et le porte-parole du mouvement d’avant-garde Mono-ha (Object School group) à la fin des années 60 qui "rejetait les notions occidentales de la représentation".
En 1991, Lee Ufan a commencé une série de peintures - " Correspondance Serie" » - qui consistaient en un ou deux coups de pinceau gris-bleu appliqués sur une grande surface blanche. Relatum sera ensuite le titre de la plupart de ses sculptures. Il s'agit d'un terme philosophique qui désigne des choses ou des évènements ayant une relation entre eux. Ses sculptures sont minimales : une ou deux pierres rondes éclairées par la lumière, posées sur des plateaux en fer, plats. Le travail de Lee Ufan se concentre plus particulièrement sur le point et la ligne. Il réalise des installations méditatives et ultra épurées, dignes des plus beaux jardins zen comme lors de son exposition dans les jardins de Versailles en 2014.
Fin 2017, Lee Ufan exposait pour la première fois dans une institution artistique française - le Centre de Création Contemporaine Olivier Debré à Tours - depuis les rétrospectives que lui ont consacrées le Musée d’art contemporain de Saint-Étienne en 2005 et la Galerie nationale du Jeu de Paume en 1997. L’exposition intitulée « Pressentiment » présentait des sculptures associant la pierre trouvée dans la nature et le métal industriel, et des peintures recueillant sur la toile la trace d’un geste unique, un sorte de parcours entre ombre et lumière.  
Une sculpture de Lee Ufan « Relatum – Stage » (2018) était présentée dans les jardins de Kensington, à Londres, juqu'au 25 Juillet 2018. L'artiste présentait par ailleurs à Art Basel 2018, à Miami, une sculpture Relatum (field) (1969) : la terre servait de base, et des fils d'acier se dressaient pour atteindre une hauteur de quatre pieds.
En Septembre 2018, Le Ufan présentait à la Pace Gallery New York, 14 nouvelles peintures de sa Series Dialogue (avec la couleur), réalisées de 2016 à 2018.
Expositions
Lee Ufan a fait l'objet de nombreuses expositions personnelles à travers le monde : parmi les plus récentes, citons : en 2019, "Habiter le temps", Centre Pompidou-Metz, France ; en 2018 'Lee Ufan', Pace Gallery, New York, "Relatum-Stage", Serpentine Galleries, Londres
Expositions passées/Past exhibitions

Lee Ufan, From Line, 1978

Lee Ufan, Relatum Lover, two iron plates and two natural stones, 1986

Lee Ufan, Relatum Friendship, two stones and two iron plates, 2003

Lee Ufan, Installation, crushed stone pigment, 2004

Lee Ufan, Relatum a Rest, stone, iron pole, 2005

Lee Ufan, Correspondance, watercolor, 2006

Lee-Ufan, Relatum Counterpoint, iron plate, stone, 2009

Lee Ufan, Relatum Rest, stone installed on a sheet of glass, and lying on a bed of white marble chips, 2013, Lisson Gallery

Lee Ufan, Dialogue Silence, Virgin canvas, stone, 2013, Lisson Gallery

Lee Ufan, Relatum Tour de coton, steel, rebar, grid, cotton, Versailles 2014, photo Tadzio

Lee Ufan, Versailles gardens, stone and metal, 2014

Lee Ufan, Relatum Existence, stone and metal, 2014

Lee Ufan, Untitled, Painting on porcelain, 2016, Sèvres - Cité de la céramique G. Jonca

Lee Ufan, installation Centre de Création Contemporaine Olivier Debré, 2017, photo F.Fernandez

Lee Ufan Relatum-stage, 2017, Couvent de la Tourette

Lee Ufan, Dialogue, église du couvent de La Tourette, 2017, photo Gilles Kraemer

Lee Ufan, Painting from the Dialogue series (2017-18), acrylic on canvas © 2018 Artists Rights Society

Lee Ufan, Painting from the Dialogue series (2017-18), acrylic on canvas © 2018 Artists Rights Society

Lee Ufan

Ji Yo-Sang

JI YO-SANG est un artiste contemporain coréen. Il réalise des peintures à l’encre, tout à fait singulières et puissantes dans leur visuel. L’artiste a déjà vendu plusieurs de ses œuvres dans les grandes sociétés de ventes aux enchères. En 2013, sa peinture 'Solitary' s’est vendue chez Christie's lors du Hong Kong 'Asian Contemporary Art Day Sale' pour 6.449 $.
L'artiste
Ji Yo-Sang est né en 1981. Il a obtenu un MFA en peinture orientale en 2003 et un Ph.D in art studies en 2011 à la Hongik University de Séoul.
Son  œuvre
Les peintures à l’encre de Ji Yo-Sang sont un exercice de précision, capturant la plus petite minutie. Il dessine dans le plus pur style traditionnel de peinture à l’encre tout en intégrant la technique occidentale de ‘chiaroscuro’ (terme artistique italien pour définir le "clair-obscur »). Ses travaux sont tant philosophiques que visuels, « représentant la coexistence du corps et de l’âme, de la matière et de l’idée, de la réalité et de l’imagination ».
Expositions
Ji Yo-Sang a exposé en Asie et dans le reste du monde, de New York au Caire, à Doha.
Parmi ses expositions personnelles, citons : en  2009 Serenity Modern Art Gallery of Hongik College, “Mi-A” Drawings by Ji, Yo-Sang Art Forum Newgate ; en 2005 Serenity – Nothing Leaves Traces on the Water Art Forum Newgate ; en 2004 Serenity – Remain With Eyes Closed Kongpyung Art Center.
Mais Ji Yo-Sang a surtout participé à de nombreuses expositions collectives dont parmi les plus récentes : en 2016, Asia Contemporary Art Show, HK,  Singapore Contemporary Art Show ; en 2014 “Ink & Yan IS’ Gallery Sensitive & Blech Akive Gallery Body and Soul Kim-Po Gallery Revolution of Korean Painting Seoul Museum of Art Finding Faces Shinha Gallery ; en 2013 The Communication of Korea Art Republic of Korean Council in Shanghai, China Korean and Japanese Contemporary Ink,  The 5th Anniversary GuRo Arts Valley Korean and Chinese Youth Art Exhibition ; en 2012 The 18th Contemporary Japanese and Korean Art Kubota Gallery, SOAF The Contemporary Ink in Korean and Chinese Yanji Museum Seoul, Korea Seoul, Shanghai, China Seoul, Korea Bejing, China Tokyo, Japan Seoul, Korea Yanji, China HIAF Hanoi Crown Plaza Hotel Bible and Love Ho Gallery.
Ji Yo-Sang a par ailleurs reçu de nombreux prix : en 2002 le Dong-A Art Award National Museum of Contemporary Art, en 1998  le Dong-A Art Award National Museum of Contemporary Art, en 1997 le Dong-A Art Award National Museum of Contemporary Art, en 1995, The Special Prize Misool-Saegae Grand Art Festival Seoul, Korea Seoul, New York, USA, Qatar Seoul,, Korea Seoul Metropolitan Museum of Art Excellent Prize Seoul, Korea Choon-Choo Grand Art Exhibition Korea Culture and Art Promotion Center.

 

Ji Yo-Sang, ink on Korean paper, 2003

Ji Yo-Sang, ink on Korean paper, 2003

Ji Yo-Sang, ink on Korean paper, 2003

Ji Yo-Sang, Serenity 3, Ink on Hwaseonji, 2008

Ji Yo-Sang, Serenity 1, Ink on Hwaseonji, 2013

Ji Yo-Sang, Thought 2, Ink on Hwaseonji, 2015

Ji Yo-Sang, Thought 4, ink on Korean paper, 2015

Ji Yo-Sang, Two Sixths, Ink on Hwaseonji, 2015

Ji Yo-Sang, Two Sixths, Ink on Hwaseonji, 2015

Ji Yo-Sang

Kim Yunsoo

KIM YUNSOO est une artiste plasticienne coréenne qui travaille le multi média, allant de l’installation à la sculpture, au dessin et à la photo.  
L’artiste
Kim YunSoo est née en 1975. Elle est diplômée de la Chungang University of Seoul (MFA Sculpture) (2005). Elle a obtenu plusieurs récompenses : en 2007 ‘Project Space Sarubia Grant for Artists’, en 2005 Korean Culture & Arts Foundation Grant for Young Artists et en 2002 Winner of the Youth Prize (Korea Young Artists Biennale). Elle vit et travaille en Corée du Sud.
Son oeuvre
Le travail de Kim YunSoo pose le questionnement de la trace et de la représentation de l’intériorité par la matière. Son travail est extrêmement délicat.
L’une des œuvres les plus emblématiques de Kim YunSoo est une Series « River of Winds » (2004-2005). Celle-ci consiste en une installation de 54 objets en vinyle posés au ras du sol et inspirés d’empreintes de pas. L’artiste a découpé à la main et superposé plus de 60 feuilles de PVC pour chaque empreinte, transformant les formes originales en une installation de ce qui semble être un paysage en expansion sans fin. Disséminés dans l’espace, des amoncellements de fines plaques bleues translucides composent des paysages abstraits aux escarpements circulaires. Ces ilots translucides évoquent le vent, des rivières, des montagnes ou des nuages suivant la façon dont l’artiste les dispose.
Depuis 1999, Kim YunSoo recueille ainsi les empreintes digitales et les empreintes de pas de ses amis et relations et leur donne une nouvelle dimension inspirée par le monde de la nature. Beaucoup de ses œuvres ressemblent à une vague où une seule empreinte de pied se répercute sur des formes et des contours empilés.
Kim YunSoo explique : « le pied est le point de rencontre entre l’être humain et la nature. Je pense que l’Homme n’est qu’un maillon d’un organisme plus grand dont font partie la terre, la nature, le ciel…  La sagesse de nos ancêtres découlait d’un mode de vie en harmonie avec la nature. Dans la société actuelle, l’intellect a pris le pas sur le rapport à la nature ».
Kim YunSoo utilise des matériaux fragiles et souples. Le carton ondulé permet un jeu de lumière à travers les sillons de l’ondulation. Le vinyle est un matériau translucide qui devient bleuté et profond quand il est superposé. L’artiste découpe les empreintes dans des couches de vinyle de 8mm d’épaisseur puis les superpose. Par la répétition, ces formes de pied au départ précises deviennent progressivement floues jusqu’à disparaître et devenir des paysages. En entassant ces couches une centaine de fois, une couleur bleutée émerge petit à petit. Le bleu et très présent dans le travail de Kim YunSoo. L’artiste explique : « c’est une couleur fugace. Le bleu se reflète dans nos yeux quand on regarde le ciel ou l’eau, mais disparaît quand on s’approche. Même si on tend la main, on ne peut pas le toucher. Si j’imagine une couleur au fond de moi, ce serait le bleu ».
Expositions
Kim YunSoo a déjà eu plusieurs expositions personnelles : en 2017 “A Walk in Whiteness”, Gallery Soso, Seoul ; 2015 “Turn on the Night”, Space Alter Ego ; 2011 “The Bluest scene”, Gallery Soso, Seoul ; 2008 “Ultra Marine - Beyond the Sea”, Project Space, Sarubia, Seoul; 2005 “Desert of Winds”, Gallery DOS, Seoul ; 2003 “Longing for Innocence”, Spacemom Museum of Art, Cheongju, Corée du Sud ; 2001 Yun Soo Kim solo exhibition, Gallery Sagan, Seoul.
En 2004, Special Exhibition “Longing for Innocence” de Kim YunSoo à la Hyundai Window Gallery, Séoul.
Kim YunSoo a participé depuis 2001 à de nombreuses expositions collectives. Citons les plus récentes : 2018  Gallery Soso, Asia Now 2018, 'You and My Time' Kim Yoon Soo et Lee Chang-hoon, écrivain, Fondation culturelle Gyeonggi, Corée du Sud ; 2016 ‘The Edge of Night’, OCI Museum of Art ; 2015 Salon of SEMA, SEMA’s new acquisitions 2014, Seoul Museum of Art ; 2014 Flow, Datz Museum of Art, “Now and Beyond”, Kim YunSoo et Choong Hyun Roh, Nook gallery, Séoul ; 2011 ‘The Bluest scene’, Gallery Soso, Séoul, ‘The Re-Composition of landscape’, Jeju Museum of Art ; 2009 Beginning of New Era, National Museum of Modern and Contemporary Art, Séoul ; 2008 Creation Anatomy - Gyeonggido Museum of Art, Ansan, Corée du Sud.
Kim YunSoo était représentée par la Gallery Soso à ASIA NOW 2018, Paris et Art Paris Art Fair 2016

 

Kim YunSoo, Wind, cardboard, 2001

Kim YunSoo, Longing for innocence, vinyl, 2003

Kim YunSoo, Desert of Winds, photography, 2004-2005, Photo Kim Yun Soo

Kim YunSoo, Desert of Winds, photography, 2004-2005

Kim YunSoo, River of Winds, vinyl, 2004-2005

Kim YunSoo, footprints in supernatural vinyl landscapes, 2005

Kim YunSoo, Morne, carboard, installation, 2008

Kim YunSoo, Memory of Wind Cloud-like Scenery (detail), vinyl, 2009

Kim YunSoo,The Bluest Scene", gouache on paper, pencil, 2010

Kim YunSoo, I am walking in clouds on the Mountain, vinyl, 2010

Kim Yunsoo, Surface of wind, gouache on paper, 2014

Kim YunSoo, Wave, Accumulating, PVC, 2016

Kim YunSoo, Wave, Accumulating, PVC, detail, 2016

Kim YunSoo, Waves, Accumulating, PVC, wood, paint Courtesy of the artist & Gallery SoSo, 2018

Kim YunSoo